Marcus kleine Filmseite

In Time - Zeit ist Geld

2011-12-08T16:53:00.002+01:00

USA 2011

+1/2

Was für eine schöne neue Welt. In naher Zukunft werden Menschen nicht mehr altern. Mit gerade einmal 25 Jahren wird ihre biologische Uhr angehalten. Die Sache hat nur einen Haken: Jeder erhält nur ein weiteres Jahr, um diesen Menschheitstraum auszukosten. Wer länger leben will, muss sich seine Zeit erst hart verdienen. Weiter auf Koeln.de.

Breaking Dawn - Bis(s) zum Ende der Nacht Teil 1

2011-12-03T13:54:00.002+01:00

USA 2011

+1/2

Es ist wieder soweit. Mit dem ersten Part von „Breaking Dawn“ erreicht die Romanze zwischen der jungfräulichen Bella und ihrem blassen Romeo Edward ihren vorläufigen Höhepunkt. Es wird geheiratet, geliebt und viel gelitten. Die Fans werden es mögen. Weiterlesen auf Koeln.de.

Arthur Weihnachtsmann - X-Mas Inc.

2011-11-30T12:53:00.002+01:00

GB 2011

+++

Die Tage werden kürzer, die Temperaturen kälter und die Einkaufsstrassen verwandeln sich in ein Meer aus Licht und Kitsch. Das Fest aller Feste wirft seine lange Schatten voraus und mit ihm ein ganz besonderes Genre: Der Weihnachtsfilm. Die Animationskünstler der berühmten britischen Aardmen Studios widmen sich der Frage, wie es der Weihnachtsmann wohl schafft, pünktlich zum Morgen des 25. Dezembers allen Kindern ihre Wünsche zu erfüllen. Weiter auf Koeln.de.

Anonymous - Shakespeare in Love

2011-11-22T16:08:00.002+01:00

USA 2011

++

Man benötigt zugegeben etwas Fantasie, um Blockbuster-Regisseur Roland Emmerich gedanklich ausgerechnet mit den Werken William Shakespeares zusammenzubringen. Der bislang im Popcorn-Kino äußerst erfolgreiche Schwabe versucht sich nun an einem Historien-Thriller, der die Frage der wahren Autorenschaft so weltberühmter Stücke wie „Hamlet“ und „Romeo und Julia“ aufwirft. Weiter auf Koeln.de.

Eine dunkle Begierde - Er, Ich und Es

2011-11-18T13:31:00.002+01:00

GB/F/DK/KAN/D 2011

+++

Er gilt als der Erfinder der Psychoanalyse: Sigmund Freud. Weniger bekannt ist hingegen der Schweizer Psychiater Carl Gustav Jung, der auf Freuds revolutionäre Thesen und Beobachtungen als einer der ersten bei der Behandlung seiner Patienten zurückgriff. David Cronenberg (Tödliche Versprechen, A History of Violence) ergründet basierend auf einem regen Briefwechsel zwischen Freud und Jung das Verhältnis dieser beiden fachlich eng verbundenen und doch auch so unterschiedlichen Männer. Dabei wird eine junge Frau zum Mittelpunkt ihrer Beziehung. Eine dunkle Begierde ist etwas theaterhaft inszeniert, aber insgesamt ein feines Stück Ausstattungskino mit großartigen Schauspielern und tiefen Einblicken in die menschliche Natur.

Filmkritik:

Die Psychoanalyse gehört heute zum Rüstzeug jedes Psychologen und Psychiaters, ihre Erkenntnisse und Deutungen sind allgemein anerkannt und haben die Sicht auf uns und unser Verhalten komplett revolutioniert. Als Sigmund Freud vor über 100 Jahren seine Beobachtungen und Theorien formulierte, war das Klima noch ein anderes. Freud sah sich von Kollegen und der oftmals schockierten Öffentlichkeit immer wieder massiven Anfeindungen ausgesetzt – zum Teil spiegelten sich in diesen Angriffen auch antisemitische Ressentiments. Freud war Jude. Der Schweizer Psychiater Carl Gustav Jung, der Freuds Thesen mit großem Interesse aufnahm und sie bei seiner Arbeit in einer Nervenklinik anzuwenden suchte, entwickelte sich wiederum zu einem wissbegierigen Schüler des Wiener Vordenkers. Auf mehrere Briefwechsel folgte schließlich der Besuch Jungs bei seinem Lehrmeister. Es ist zugleich der Moment, ab dem zwischen den beiden Männern auch grundlegende Unterschiede abseits ihrer Profession deutlich werden.

Eine dunkle Begierde heißt der Film, den Kanadas Meister-Regisseur David Cronenberg über Freud und noch etwas mehr über Jung gedreht hat. Als Bindeglied zwischen diesen beiden mutigen Männern dient – wie sollte es anders sein – eine Frau. Die junge Russin Sabina Spielrein (im Film dargestellt von Keira Knightley) kommt im Jahr 1904 in Jungs Klinik, wo sie von ihm wegen ihrer Hysterie und ihren Angstzuständen behandelt werden soll. Jung entscheidet sich, Freuds Erkenntnisse anzuwenden und es mit einer für die damaligen Zeit neuen Form der Gesprächstherapie zu versuchen. Wenig später wird Sabina seine Geliebte und schließlich sogar Freuds Schülerin. Sie entschließt sich, selbst Medizin zu studieren und eine wissenschaftliche Karriere als Analytikerin einzuschlagen.

Basierend auf seinem eigenen Theaterstück „The Talking Cure“ adaptierte Autor Christopher Hampton (Abbitte) das nicht allein aus historischer Sicht aufregende Dreiecksverhältnis zwischen Jung, Freud und Spielrein. Jung, der hier von Michael Fassbender mit großer Eleganz und auch einer gewissen Leichtigkeit verkörpert wird, ist Protestant und schon deshalb kulturell anders als Freud geprägt. Während dieser in der Metropole Wien praktiziert und sich eine Entourage aus meist jüdischen Analytikern zugelegt hat, erprobt Jung als Einzelkämpfer in den Schweizer Bergen und in einer Thomas Manns Der Zauberberg nicht unähnlichen Szenerie Freuds revolutionäre Therapieansätze. Wie schon in Das weiße Band schimmern dabei am Horizont immer wieder die dunklen Vorboten des Ersten und Zweiten Weltkriegs durch. Einmal erzählt Jung von einem Meer aus Blut, das sich als Bild in seinen Träumen zeigte, ein anderes Mal kommt Freud gegenüber Jung auf den seinerzeit weit verbreiteten Antisemitismus zu sprechen. Es ist ein Problem, dessen sich Freuds Schüler überhaupt nicht bewusst ist. Auch das sagt auf seine Art viel über den weiteren Verlauf des 20. Jahrhunderts.

Mehr noch als für die Einbettung in den historischen Kontext fühlt sich der Film jedoch seinen ebenfalls historischen Figuren verpflichtet. Cronenberg legt höchsten Wert auf eine präzise, möglichst klischeefreie Darstellung, welche allerdings vor allem bei Viggo Mortensens selbstbewusster Freud-Interpretation durchaus auch ironische Züge aufweist. In jedem Fall begegnen sich hier zwei Schauspieler auf Augenhöhe, was man von Freud und Jung so nicht unbedingt behaupten kann. Keira Knightley hat im Vergleich dazu die deutlich undankbarere Rolle. Sie spielt zumindest zu Beginn eine von ihrer Hysterie gefesselte junge Frau, wobei sich nur schwer beurteilen lässt, was an Knightleys Darstellung Overacting und was ein realistisches Abbild einer derartigen psychischen Störung sein könnte. Ihre Gesichtsakrobatik ist zumindest abenteuerlich.

Elegant und mit einem besonderen Blick für Details von Cronenbergs Stamm-Kameramann Peter Suschitzky bebildert, lässt Eine dunkle Begierde die Stimmung und Atmosphäre jener Zeit überzeugend auferstehen. Sieht man von wenigen, als Kulissenhintergrund eingesetzten Computereffekten einmal ab, bietet der Film nahezu perfektes Ausstattungskino. Jede Apparatur, jedes Werkzeug scheint ein echtes Museumsstück zu sein. Dazu erforscht und seziert Cronenberg einmal mehr seelische Abgründe. Die Rückführung jedes Verhaltens auf ein rein sexuelles Motiv, das ist analog zu Freuds Theorien auch in vielen Filmen des Kanadiers das bestimmende Thema. Die menschliche Lust als mitunter auch zerstörerischer Antrieb aller Dinge. Freud und Cronenberg hätten sich vermutlich viel zu erzählen.

Für Programmkino.de.

Aushilfsgangster - Occupy Hollywood

2011-11-13T12:18:00.002+01:00

USA 2011

++1/2

Ocean’s Eleven trifft auf Ganz oder gar nicht. Ben Stiller und Eddie Murphy versuchen sich als Gangster in einer ehrenwerten Sache. Ein reicher Banker soll die ihm anvertrauten Gelder veruntreut und zur Seite geschafft haben. Fest entschlossen, sich ihr hart verdientes Geld zurückzuholen, schmieden unsere Working-Class-Helden einen geradezu tollkühnen Plan. Weiter auf Koeln.de.

Die Abenteuer von Tim und Struppi

2011-11-08T21:12:00.003+01:00

USA 2011

++1/2

Wer kennt sie nicht? Der listige Detektiv mit der einprägsamen Frisur und sein treuer Begleiter auf vier Pfoten: Tim und Struppi sind eine Institution in der Welt der Comic- und Kinderbuchliteratur. Dabei begeistert das Gespann nicht nur die Kleinen. Jetzt bringt Meisterregisseur Steven Spielberg erstmals ein Abenteuer des Duos auf die große Kinoleinwand. Weiter auf Koeln.de.

Poliezei - In den Straßen von Paris

2011-11-05T14:46:00.002+01:00

F 2011

+++1/2

Aus Frankreich kommt dieser realistische, stark gespielte Polizeifilm, der abseits der üblichen Crime-Milieus erschreckenden Geschichten nachspürt. Regisseurin und Schauspielerin Maïwenn beleuchtet darin die Arbeit einer Sondereinheit der Pariser Polizei. Die Frauen und Männer der „Brigade de Protection des Mineurs“ haben es täglich mit dem Missbrauch, der Vernachlässigung und der Misshandlung von Kindern zu tun. Das episodenhafte Werk, in dem die Ermittlerpersönlichkeiten im Zentrum stehen, erhielt in diesem Jahr bei den Filmfestspielen von Cannes völlig zu Recht den „Großen Preis der Jury“.

Filmkritik:

Das Leben schreibt nicht nur die schönsten und unglaublichsten Geschichten, es ist zugleich auch für die traurigsten, grausamsten und erschreckendsten Geschichten verantwortlich. Gebündelt treffen diese Erfahrungen in der alltäglichen Arbeit einer Sondereinheit der Pariser Polizei aufeinander. Die Männer und Frauen der Jugendschutzpolizei bekommen es immer wieder mit schweren Misshandlungen, Vernachlässigungen, Zwangsverheiratungen und sexuellen Übergriffen zu tun. Der Job fordert ihnen alles ab und nicht wenige tragen das, was sie im Dienst erleben, in ihr Privatleben. Oftmals entladen sich die Anspannung und der Druck, den sie bei ihren Ermittlungen erfahren, in lautstarken Auseinandersetzungen mit Kollegen und Vorgesetzten.

In diese verschworene Gemeinschaft bricht die engagierte Fotografin Melissa (Maïwenn) ein, als sie die Erlaubnis zu einer Reportage über die Arbeit der Jugendschutzpolizei erhält. Was zunächst als reine PR-Maßnahme gedacht war, entwickelt sich schon bald zu einem engagierten Langzeitprojekt. Allmählich baut Melissa, die eigentlich nur die Position einer stillen Beobachterin einnehmen soll, eine persönliche Beziehung zu den Beamten auf. Gerade der aufbrausende, temperamentvolle Fred (JoeyStarr) hat ihr Interesse geweckt. Obwohl dieser Melissa und deren Arbeit erst recht kritisch sieht, sucht er schließlich doch ihre Nähe. Es entwickelt sich zwischen den beiden eine zarte Liebesbeziehung, die von den Ereignissen im Job nicht unberührt bleibt.

Etwas überraschend zeichnete die Jury um Robert De Niro Poliezei bei den diesjährigen Filmfestspielen von Cannes mit dem „Großen Preis der Jury“ aus. Regisseurin und Hauptdarstellerin Maïwenn zählte allenfalls unter den französischen Journalisten zum Favoritenkreis. Dabei merkt man ihrem Film jederzeit an, mit wie viel Hingabe und Engagement sie die Arbeit dieser in der Polizeihierarchie eher unten angesiedelten Sondereinheit portraitierte. Die fragmentarische, aus vielen zum Teil erschütternden Einzelschicksalen zusammengesetzte Geschichte beruht ausnahmslos auf wahren Fällen. Gerade das Wissen um die Authentizität des Nacherzählten ist es auch, die Poliezei nur schwer erträglich macht. Da berichtet ein Familienvater fast selbstverständlich wie er regelmäßig seine Tochter im Intimbereich berührt, während eine verzweifelte Mutter die Beamten darum bittet, sich um ihren Sohn zu kümmern, damit dieser nicht länger mit ihr auf der Straße leben muss. Die Polizisten flüchten sich bisweilen in Zynismus und Albernheiten, um das Erlebte so gut es geht verarbeiten zu können.

Da es hier nicht den einen großen Fall gibt, um den die Geschichte aufgebaut wurde, muss sich Poliezei einen anderen roten Faden suchen. Maïwenn findet diesen in ihren Figuren. Die Beamten der Sondereinheit und ihre zum Teil ungewöhnlichen Methoden der Frust- und Stressbewältigung, ihre Gefühle und Ängste sind der narrative Dynamo dieser ungemein realistischen wie beklemmenden Milieuschilderung. Konflikte mit Vorgesetzten, welche der Arbeit der Sonderermittler nicht immer die höchste Priorität einräumen, gehören ebenso zum Alltag dieser Männer und Frauen wie die meist eher flüchtigen Momente des Glücks. Und doch gibt es sie. Hierbei ist der Zuschauer stets mittendrin im Geschehen. Eine scheinbar barrierefreie Kamera überwindet im Zusammenspiel mit den durchweg erstklassigen Darstellern jede Distanz. Dazu kommt zumindest in der Originalfassung ein Gefühl von Echtheit und Realismus, das den Film aus der Masse der Kriminaldramen und Polizeigeschichten heraushebt.

Für Programmkino.de.

Hotel Lux - Rotes Gruselkabinett

2011-11-03T21:07:00.002+01:00

D 2011

++

Mit Witz und Satire will der neue Film von Leander Haußmann (Sonnenallee, NVA) gleich zwei verbrecherische Regime des letzten Jahrhunderts, ihre Ideologien und versteckten Gemeinsamkeiten enttarnen und der Lächerlichkeit preisgeben. Schauplatz ist das Moskauer Hotel Lux, das Mitte der 1930er Jahre verfolgte Kommunisten aus der ganzen Welt beherbergt. Unter der strengen Aufsicht durch Joseph Stalin und dessen Kader entstand dort ein merkwürdiges Paralleluniversum. Ein eigentlich unpolitischer Komiker – dargestellt von Michael „Bully“ Herbig – gerät auf der Flucht vor den Nazis in jenes kommunistische Panoptikum und zugleich in eine für ihn folgenschwere Verwechslung.

Filmkritik:

Für Komödianten und Entertainer waren die 1930er Jahre in Deutschland eine mitunter lebensgefährliche Zeit. Nur eine Pointe auf Kosten der Mächtigen zog nicht selten ein Berufsverbot und weitere Repressalien nach sich. Auch der Parodist Hans Zeisig (Michael Herbig), dessen Figur sich augenscheinlich an legendären Komikern und Kabarettisten wie Karl Valentin und Werner Fink orientiert, bekommt den Unmut des Hitler-Regimes zu spüren. Seine Auftritte in einem Berliner Varieté fallen nach anfänglicher Tolerierung in Ungnade, und so ist er gezwungen, überstürzt aus Deutschland zu fliehen. Statt in Hollywood landet der eigentlich vollkommen unpolitische Zeisig in Moskau, genauer im dortigen Exilantenhotel „Lux“. Es ist ein seltsamer, unwirklicher Ort, an dem Stalin jeden Schritt überwachen lässt und der vorrangig als Zufluchtsort für verfolgte Kommunisten und Funktionäre aus aller Welt dienen soll.

Unter den Gästen dieses etwas anderen Hotels, das bezeichnenderweise keine Gästeliste führte, fanden sich mit Walter Ulbricht, Wilhelm Pieck und Ho Tschi Minh gleichsam bekannte wie gefürchtete Akteure der späteren Weltpolitik. Zeisig, der anders als sein alter Freund Siggi Meyer (Jürgen Vogel) weder den Kommunisten noch den Nazis geistig nahe steht, betrachtet das skurrile Treiben in den Zimmern und Fluren des „Lux“ mit einiger Befremdung. Da ihn die Kommunisten zu seiner Verwunderung mit dem geflohenen Leibastrologen Adolf Hitlers verwechseln, wird ihm schließlich die zweifelhafte Ehre zuteil, Josef Stalin in einem – mehr oder weniger – privaten Vier-Augen-Gespräch zu begegnen. Zwischen dem Komiker mit Hollywood-Ambitionen und dem gefürchteten Diktator entwickelt sich ein seltsames, am Ende recht einseitiges Vertrauensverhältnis.

Regisseur und Komödien-Fachmann Leander Haußmann hat die ziemlich humorlose Diktatur des Proletariats als Bürger der DDR lange Jahre selbst erlebt. Nachdem er bereits in Filmen wie Sonnenallee und NVA den Irr- und Starrsinn des angeblich besseren Deutschlands mit Witz und Komik aufdeckte und darin vor allem den biederen Partei-Apparat zur Zielscheibe seines Humors machte, verlagert er nun dieses Prinzip auf einen ungleich düsteren Ausschnitt Zeitgeschichte. Dabei gibt sich Hotel Lux deutlich ernsthafter als seine doch eher komödiantischen Vorgänger. Lachen ist auch hier erlaubt, aber nur – so scheint es – wenn einem zugleich der ernste Hintergrund der Ereignisse bewusst ist. Dass unter Stalin mehr kommunistische Funktionäre als unter Hitler ermordet wurden, soll schließlich bei allem Verwechslungs-Klamauk als Mahnung nicht vergessen werden. Damit ist zugleich eine große Schwäche des Films umschrieben, der gerne so leichtfüßig wie Chaplins Der große Diktator oder Lubitschs Sein oder Nichtsein daherkäme, letztlich aber zutiefst deutsch anmutet.

Es ist zugegeben kein Leichtes, Witz mit Drama zu vereinen. Roberto Beniginis Oscar-Gewinner Das Leben ist schön gelang dieses Kunststück. Bei Hotel Lux wollen beide Teile jedoch nur selten wirklich zusammenpassen. Haußmann vertraut abgesehen von einigen entlarvenden Kommentaren zur Ähnlichkeit linker und rechter Ideologien zu sehr auf flache Pointen. So muss beispielsweise ein übertrieben sächselnder Walter Ulbricht eine Mauer aus Zuckerwürfel nachbauen, was humoristisch mehr einem Schlag mit dem Holzhammer als einem Wink mit dem Zaunpfahl entspricht. Man merkt, dass Haußmann versuchte, die angeblich zu ernsten, ersten Drehbuchentwürfe von Uwe Timm und Volker Einrauch mit aller Gewalt in seine Richtung umzubiegen. Im Presseheft heißt es dazu, dass Haußmanns Geschichte auf „Motiven“ der anderen Autoren basiere. Mit der Besetzung von Michael „Bully“ Herbig, der mit den tragischen Facetten seiner Figur nie wirklich eins zu werden scheint, setzen die Verantwortlichen schließlich auf einen massenkompatiblen Zuschnitt ihres kommunistischen Skurrilitätenkabinetts.

Für Programmkino.de.

Contagion - Unsichtbarer Feind

2011-10-27T14:05:00.002+02:00

USA 2011

+++1/2

SARS, Vogelgrippe, Ehec. Immer wieder versetzen uns unsichtbare Killer in Angst und Schrecken. In Steven Soderberghs Epidemie-Thriller Contagion erkrankt eine Geschäftsfrau nach einem Hong-Kong-Trip an einer mysteriösen, letztlich tödlichen Infektion. Es ist der Auftakt eines beängstigenden, filmisch nahezu perfekt inszenierten Kontrollverlusts. Weiter auf Koeln.de.

Restless - Der Kamikaze-Pilot und das Mädchen

2011-10-22T10:19:00.002+02:00

USA 2011

+++

Sie sind jung und doch blicken sie bereits mit einer ganz besonderen Haltung auf sich und die Welt. In Gus Van Sants sensiblem Independent-Drama Restless kommt es zu einer Begegnung zweier Teenager, deren unterschiedliche Erfahrung mit dem Tod ihr Leben auf besondere Weise prägt. Zwischen den Außenseitern entwickelt sich eine kurze, überaus eindringliche Liebe. In den Hauptrollen sind Shooting-Star Mia Wasikowska und ein ziemlich charismatischer Henry Hopper – Sohn von Hollywood-Legende Dennis Hopper – zu sehen.

Filmkritik:

Jugend und Tod. Was zunächst wenig miteinander gemein zu haben scheint, ist in Restless als Gefühl und Motiv allgegenwärtig. Denn obwohl Annabel (Mia Wasikowska) und Enoch (Henry Hopper) noch Teenager sind, deren Lebenswirklichkeit eigentlich aus Schulproblemen und der ersten großen Liebe bestehen sollte, beschäftigen sie sich fortlaufend mit der Endlichkeit ihrer Existenz. Sie tun dies jedoch nicht immer freiwillig, vielmehr zwingt das Schicksal ihnen ein solch ungewöhnliches „Hobby“ förmlich auf. Während der verschlossene Enoch nach dem Unfalltod der Eltern bei seiner Tante aufwächst, erhält die lebensfrohe Annabel eines Tages die schreckliche Diagnose Krebs. Beide entwickeln dadurch eine besondere Beziehung zu ihrer Sterblichkeit. So sucht Enoch regelmäßig Beerdigungen von ihm unbekannten Menschen auf. Allein das Gefühl inmitten der Trauernden und die dabei spürbare Nähe zum Tod scheinen in ihm etwas auszulösen und eine Lücke auszufüllen.

Auf einen dieser Trauerfeiern begegnen sich Enoch und Annabel das erste Mal. Zu diesem Zeitpunkt ahnt er nicht, dass sie nur noch wenige Monate zu leben hat. Später dann bittet sie ihn, diese wenige Zeit mit ihr zu verbringen. Es wird eine kurze, dafür aber umso intensivere Liebe, die beide verbindet und die sich so sehr von den üblichen Teenager-Romanzen unterscheidet. Gerade die Erkenntnis, dass keine Zeit bleibt, um all das zu machen, was man sich noch vorgenommen hat, lässt Enoch bisweilen an der Welt verzweifeln.

„We have so little time to say any of the things we mean. We have so little time for any of it“ heißt es passend dazu an einer Stelle. Restless hebt sich jedoch nicht allein aufgrund seines dramatischen Unterbaus von anderen, ähnlich gelagerten Liebesgeschichten und Coming-of-Age-Erzählungen wie Garden State ab. Dessen Independent-Touch ist zwar auch hier als Gefühl und Hintergrundrauschen jederzeit, präsent, gleichzeitig bringt Gus Van Sant seine ganz eigene Handschrift in das unter anderem von Bryce Dallas Howard geförderte Projekt mit ein. Van Sant, der wie kaum ein zweiter Regisseur Erfahrung im Umgang mit jugendlichen Charakteren auf der Schwelle zum Erwachsenwerden hat, lässt Enoch und Annabel den Raum, den sie auf ihrer schwierigen Reise benötigen. Statt jedes Gefühl in eindeutigen Bildern zu erdrücken, hält sich die Kamera angenehm zurück. Dafür bleiben die wenigen, wirklich prägnanten Eindrücke lange im Gedächtnis. Der Kreidekreis, den Enoch um sich und Annabel zieht, ist dabei eines dieser sparsam eingeflochtenen Motive.

Auch Enochs imaginärer Freund Hiroshi (Ryo Kase), ein im zweiten Weltkrieg verstorbener Kamikazepilot, ist eine Figur, wie man sie nur selten in dieser Art von Film findet. Damit schlägt Restless zugleich eine Brücke in die Welt des fantastischen Kinos, wobei Van Sant dieses besondere Element nie überbetont oder als skurrilen Drehbucheinfall versteht. Am Ende fügt sich sogar der unsichtbare Begleiter in Enochs und Annabels Liebe ein.

Es wäre allerdings vermessen, den Film aufgrund seiner kleinen, an sich wenig spektakulären Geschichte bereits in den höchsten Tönen zu loben, zumal das Verhalten unserer beiden Seelenverwandten nicht immer glaubwürdig erscheint. Die letzte Viertelstunde ist in dieser Hinsicht ein etwas zu offensichtlicher Kompromiss, über den Restless vor allem die Konventionen solcher Geschichten zu erfüllen sucht. Weil aber Henry Hopper und Mia Wasikowska selbst diesen Makel mit ihrem gefühlvollen, sensiblen Schauspiel überstrahlen, kann es letztlich nur bei einer uneingeschränkten Sehempfehlung bleiben.

Für Programmkino.de.

Atemlos - Gefährliche Wahrheit

2011-10-18T15:45:00.003+02:00

USA 2011

+1/2

Ein Twilight-Star auf Solopfaden. Taylor Lautner, Teenie-Schwarm und „Jacob“-Darsteller, soll in diesem höchst durchschnittlichen Actionthriller zu einer Art Nachwuchs-Jason-Bourne aufgebaut werden. Es ist ein Kalkül, das am Ende nur sehr bedingt aufgehen will. Weiterlesen auf Koeln.de.

Tyrannosaur - Eine Liebesgeschichte

2011-10-15T12:33:00.002+02:00

GB 2011

+++

Aus England kommt diese zarte und zugleich intensive Liebesgeschichte. Inszeniert und erdacht hat sie Paddy Considine, der zuvor vor allem als Schauspieler auf sich aufmerksam machte. Die Grundidee und Figuren aus Tyrannosaur sind Considines eigenem Kurzfilm Dog Altogether entnommen, den er vor vier Jahren ebenfalls mit Peter Mullan und Olivia Colman in den Hauptrollen abdrehte. Für die nun vorliegende Langfassung gab es beim renommierten Sundance Filmfestival gleich drei Preise – darunter jeweils einen für die beiden Hauptdarsteller, deren mutiges Spiel mit Sicherheit noch lange im Gedächtnis bleiben dürfte.

Filmkritik:

Kann man Empathie für einen Mann empfinden, der gleich in der ersten Szene aus offenbar angestautem Frust seinen Hund auf brutale Weise erschlägt? Joseph (Peter Mullan) ist alles andere als ein Sympathieträger und doch gelingt es Paddy Considine in seinem bereits mehrfach ausgezeichneten Film, dass sich der Zuschauer schon bald auf die Seite seines vom Leben gezeichneten Antihelden stellt. Joseph bereut seine schreckliche Tat bereits in dem Moment, in dem er sie begeht. Später trauert er in stiller Verzweiflung um seinen einzigen treuen Freund. Die Kampf gegen die eigenen Aggressionen, gegen Wut und Verzweiflung sind Josephs andere Wegbegleiter, von denen er nicht loszukommen scheint. Immer wieder suchen sich diese ein zerstörerisches Ventil.

Auf der Flucht vor sich selbst landet Joseph eines Tages im kleinen Charity-Laden von Hannah (Olivia Colman). Sanft, verständnisvoll und ohne Vorbehalte nähert sie sich ihrem Gast, der zunächst hinter einem Berg aus Anziehsachen ihren Blicken zu entkommen sucht. Auch seine anfänglichen Zurückweisungen nimmt sie ebenso wie sein beißender Spott über ihren Glauben ohne jede Kränkung hin. Das imponiert Joseph, der allmählich spürt, dass er sich zu Hannah auf eine ganz besondere Art hingezogen fühlt. Offenbar geht es seiner neuen Bekannten ähnlich, doch dem sich langsam entwickelnden Glück steht Hannahs unglückliche Ehe mit einem tyrannischen Ekel im Weg. Ihr Mann James (Eddie Marsan) – Typ Biedermann –demütigt und drangsaliert seine Frau bei jeder sich ihm bietenden Gelegenheit.

In Tyrannosaur – Eine Liebesgeschichte führt das Schicksal – oder je nach Interpretation auch eine höhere Macht – zwei zutiefst verwundete, in mehrfacher Hinsicht verletzte Seelen zusammen. Der Verlauf ihrer besonderen Beziehung mag nicht sonderlich überraschend oder gar spektakulär erscheinen, dafür liegen hier versteckt in kleinen Beobachtungen, Details und Gesten die größten Entdeckungen. Schauspieler, Regisseur und Autor Paddy Considine erzählt in einfachen, klaren Bildern von einer ehrlichen, aufrichtigen und intensiven Liebe, die für beide zum letzten Rettungsanker werden soll. Dabei geht von der Geschichte trotz der im englischen Arbeitermilieu allgegenwärtigen Härte und Tristesse eine besondere Poesie aus. Wenn Hannah und Joseph sich langsam näherkommen, dann hat dieses Kennenlernen fast etwas von einer unschuldigen Teenager-Liebe. Der Kontrast zu Josephs eruptiven Gewaltausbrüchen und den sadistischen Demütigungen durch Hannahs Noch-Ehemann könnte jedenfalls größer kaum sein.

Es ist genau dieses Spannungsfeld aus roher Gewalt und zarter Liebe, dem der Film seine Intensität und Kraft verdankt. Dazu kommen schlichtweg großartige Schauspieler. Peter Mullan und Olivia Colman verkörpern ihre schwierigen, oftmals widersprüchlichen Charaktere voller Hingabe und mit dem sicheren Gespür für jeden einzelnen Blick. Gerade der mit vielen „Working Class“-Rollen verbundene Mullan liefert einmal mehr eine kompromisslose Vorstellung. Für den auf düstere Charaktere abonnierten Eddie Marsan blieb hingegen nur die Rolle des triebgesteuerten Monsters, über das man abseits seiner sadistischen Neigungen leider kaum etwas erfährt. Offenbar war die Mühe und Genauigkeit, welche Considine für die anrührende Darstellung der Beziehung zwischen Hannah und Joseph aufbrachte, an diesem Punkt aufgezehrt.

Für Programmkino.de.

Melancholia - Bonjour Tristesse

2011-10-11T16:46:00.002+02:00

DK/S/F/D 2011

++

„It’s the end of the world“ könnte man frei nach R.E.M. Lars von Triers Melancholia überschreiben. Bei dem streitbaren Dänen geht es mal wieder um alles. Um menschliche Extremzustände, Verzweiflung, Trauer, Depression, Hass und das Ende der Welt. Unsere Erde ist in höchster Gefahr, droht doch ein riesiger Planet mit dem vielsagenden Namen „Melancholia“ in die Erdumlaufbahn zu crashen. Die Folgen des Zusammenpralls kann man sich leicht ausmalen, wenn man bedenkt, was bereits ein im Vergleich dazu winziger Meteorit vor Millionen von Jahren so alles angerichtet hat. Vor dieser tristen Kulisse findet in einem mondänen Schlosshotel eine rauschende Hochzeitsfeier statt.

Justine (Kirsten Dunst) und Michael (Alexander Skarsgård) haben soeben den Bund fürs Leben geschlossen, richtig glücklich wirken beide danach aber nicht. Während um sie herum die Hochzeitsgesellschaft angeführt von Justines Schwester Claire (Charlotte Gainsbourg) die für solch einen Anlass typischen Tagesordnungspunkte „abarbeitet“, zieht sich Justine immer mehr zurück. Es bedarf schon einige Überredungskunst bis sie schließlich zu den Feiernden zurückkehrt, scheinbar gut gelaunt, innerlich jedoch erschöpft, müde, traurig. Vor allem ihr Schwager John (Kiefer Sutherland) fühlt sich von Justines Verhalten persönlich angegriffen. Die Mühe und Anstrengungen der Hochzeitsfeierplanung scheint die Frischvermählte nicht zu schätzen. Auch das großzügige Jobangebot ihres Chefs (Stellan Skarsgård) schlägt Justine reichlich undiplomatisch aus. Und über allem schwebt „Melancholia“, der schon am nächsten Tag der Erde ziemlich nahe kommen soll.

Unterteilt in zwei in etwa gleich lange Teile – erst dreht sich alles um Justine, später dann um Claire – erkundet Lars von Trier menschliche Gefühlszustände, welche sich am ehesten als Variationen von Grau umschreiben lassen. Justine leidet offensichtlich an einer schweren Depression, über deren genaue Ursachen man nicht wirklich viel erfährt. Das drohende Ende der Welt scheint jedenfalls nicht der Auslöser zu sein. Eher schon fühlt sich Justine unverstanden, gelangweilt von einem für sie nur wenig erfüllenden Job als Werbetexterin und einer großen Leere in ihrem Leben. Daran ändert auch ihre Liebe zu Michael wenig, der sich ebenso hilf- wie machtlos fühlt.

Dabei ist Melancholia noch wesentlich lebensbejahender als dessen unmittelbarer Vorgänger Antichrist. Auch kommt der Film ohne große Schocks oder von Trier typische Tabubrüche aus, und so musste der Regisseur bei den Filmfestspielen von Cannes selbst für den erwarteten Skandal sorgen, als er auf einer Pressekonferenz Sympathien für Hitler äußerte und sich – vermutlich nicht ohne Ironie und Hintergedanken – als Nazi bezeichnete. Von Trier hatte erreicht, was er erreichen wollte. Er war wieder einmal Gesprächsthema und sein Film ein Aufmerksamkeitsmagnet. Dass die Jury Kirsten Dunst für ihre Rolle später sogar noch als „Beste Hauptdarstellerin“ auszeichnete, wird von Trier nach seiner Ausladung ebenfalls mit stiller Genugtuung verfolgt haben.

Mit Antichrist teilt sich Melancholia trotz sichtbarer Unterschiede in der Ausformung dunkler Seelenzustände seine zum Sterben schöne Einleitung. Erneut filmte von Trier Impressionen in extremer Zeitlupe, unterlegt von orchestraler Klassik und versteckten Wagner-Assoziationen. Der folgende Wechsel in den seit Dogma-Zeiten unverändert nervigen Handkameramodus fällt dadurch noch etwas unsanfter und härter aus. Wenngleich die teils unscharfen, teils bewusst schlampig gedrehten Aufnahmen Authentizität und Echtheit vorgaukeln sollen, so werden sie doch mit jeder weiteren Minute zu einem immer größeren Ärgernis, das bei manchen Zuschauern durchaus Kopfschmerzen verursachen könnte. Sozusagen als Trostpflaster schmuggelte von Trier aber auch einige großartige Bilder in sein anstrengendes Handkameraspiel ein. Die Aufnahmen von Justines Ritt durch die nebelbedeckte Landschaft könnten Teil eines Gemäldes von Caspar David Friedrich sein. An ein Grimm’sches Märchen erinnern wiederum manche Naturaufnahmen, die rund um das feudale Schloss samt 18-Loch-Golfplatz entstanden sind.

Anstrengend ist überhaupt vieles an einem Film von Lars von Trier. In Melancholia arbeitet sich der Däne wieder ausnahmslos an seinen eigenen Dämonen ab. Zusammengehalten wird diese öffentliche Therapiesitzung von einem Minimum an Handlung, die nicht selten langweilt und die es sich in ihrer Ausweg- und Hoffnungslosigkeit bequem gemacht hat. Es geht hier schließlich um das Ende der Welt und das nicht nur in einem übertragenen Sinne. Von Trier selber möchte seinen Film, glaubt man den Aussagen aus dem Presseheft, am liebsten „abstoßen wie ein Körper ein falsch implantiertes Organ“. Man darf vermuten, dass auch hinter solchen Statements bloßes Kalkül steckt. Hier strickt ein Exzentriker an seiner Legende. Am besten ist es, man lässt ihn dabei in Ruhe.

Für BlairWitch.de.

Die Lincoln Verschwörung - Geschichtsstunde mit Onkel Bob

2011-10-04T22:57:00.003+02:00

USA 2011

+++

In Robert Redfords neuester Regiearbeit prallt ein spannendes Kapitel amerikanischer Geschichte auf eine bislang weitgehend unbekannte Mutter-Sohn-Tragödie. Für den engagierten, politischen Filmemacher Redford geht es dabei um Grundsätzliches. In der Tat sind die darin aufgeworfenen Fragen nach Rechtsstaatlichkeit und unveräußerlichen Menschenrechten bis heute hochaktuell. Weiter auf Koeln.de.

Eine offene Rechnung - Schatten der Vergangenheit

2011-10-01T14:29:00.002+02:00

USA 2011

++1/2

Über drei Jahrzehnte spannt John Maddens (Shakespeare in Love) starbesetzter Agenten-Thriller seine Geschichte einer gefährlichen Mission und ihrer für alle Beteiligten ein Leben lang spürbaren Konsequenzen. Zunächst als Oscar-Anwärter gehandelt, fiel der Film bei den diesjährigen Preisverleihungen durch. Auch wenn das Ergebnis alles andere als misslungen ist, so ahnt man doch warum. Weiterlesen auf Koeln.de.

The Guard - Ein Ire sieht schwarz

2011-09-28T11:10:00.002+02:00

IRL 2011

+++

Brendan Gleeson ist Sergeant Gerry Boyle, ein unorthodoxer Dorfpolizist an der irischen Westküste, der einen besonders derben Humors pflegt, gerne verbal austeilt und gelegentlich ein paar Stunden bei Prostituierten verbringt. In die Ruhe seines meist wenig spektakulären Arbeitsalltags platzt ein schreckliches Verbrechen. Zusammen mit einem erfahrenen FBI-Agent (gespielt von Don Cheadle) soll er einen Mord im Drogenmilieu aufklären. Das Ergebnis ist die sehr irische Version eines Buddy-Movies – mit zwei glänzend aufgelegten Hauptdarstellern.

Filmkritik:

Sein Charakter und sein Gemüt sind so rau wie die irische Landschaft, mit der er aufgewachsen ist. Sergeant Gerry Boyle (Brendan Gleeson) ist ein Dorfpolizist und als ein solcher hat er es für gewöhnlich mit harmlosen Verkehrsdelikten oder hin und wieder einer Kneipenschlägerei zu tun. Er kennt jeden und jeder kennt ihn. Doch dann erschüttert plötzlich ein mysteriöser Mord die Idylle des kleinen Örtchens und als wäre das nicht bereits Aufregung genug, verschwindet auch noch sein neuer Partner eines Abends spurlos. Vieles deutet darauf hin, dass das organisierte Verbrechen in Gerrys Revier Einzug gehalten hat. Aus diesem Grund trifft schon bald Unterstützung aus dem fernen Amerika ein. FBI-Agent Wendell Everett (Don Cheadle) kennt sich aus mit wirklich bösen Jungs, doch mit einem Raubein wie Gerry hat er noch keine Erfahrung. Die Zusammenarbeit des ziemlich ungleichen Gespanns verläuft dann auch nicht ohne Reibereien und Meinungsverschiedenheiten, die lautstark und bevorzugt bei einem frisch gezapften Pint ausgetragen werden.

Autor und Regisseur Michael McDonagh wählte für seine von Beginn an unterhaltsame Thrillerkomödie die Verpackung eines klassischen Buddy-Movies. Zwei Typen, die miteinander auskommen müssen, obwohl sie nicht wirklich etwas verbindet – der eine ist weiß, rau, direkt, ein Landei, der andere schwarz, kultiviert, höflich und weitgereist –, aus dieser Konstellation bezogen schon viele ähnlich aufgebaute Geschichten ihren Witz. Und auch in diesem Fall funktioniert das Prinzip der sorgsam aufeinander abgestimmten Gegensätze erstaunlich gut, was weniger dem nur bedingt aufregenden Kriminalplot als den beiden Vollblutdarstellern Brendan Gleeson und Don Cheadle zu verdanken ist. Bereits Cheadle beweist in der Rolle des überlegten, feinsinnigen FBI-Agenten seine Qualitäten in Sachen Humor und Selbstironie. Übertroffen wird er jedoch noch von Gleeson, der eigentlichen Seele des Films. Die Rolle des trinkfesten, irischen Originals hat McDonagh ihm praktisch auf den Leib geschrieben. Gleeson revanchiert sich mit einer in jeder Hinsicht einnehmenden Vorstellung, die aus The Guard einen echten Publikumsliebling und aus Gerry den Held aller kleinen Leute machen dürfte.

Für die nötige Schärfe sorgt vor der toll fotografierten irischen Landschaft McDonaghs Faible für böse, erfrischend unkorrekte Pointen. Der schwarze Humor bildet das Fundament, auf dem Gleeson, Cheadle und der restliche Cast – darunter so prominente Namen wie Liam Cunningham, Mark Strong und Fionnula Flanagan – ihre augenscheinlich immens große Spielfreude demonstrieren und ausleben dürfen. Bei allen derben Späßen bewahrt sich McDonaghs Film gleichzeitig eine anrührende Ehrlichkeit für die Menschen und die Landschaft, die er liebevoll überzeichnet und mit einem fortlaufenden Hang zum Klischee portraitiert. Auch erlaubt der launige Plot um einen auf der Insel operierenden Drogenschmuggler-Ring bisweilen ruhige, fast andächtige Momente, in denen Gerrys raue Schale plötzlich einen Riss erhält und er uns tief in seine irische, melancholische Seele blicken lässt.

Für Programmkino.de.

Hell - German Apocalypse

2011-09-25T10:28:00.002+02:00

D 2011

++

In fünf Jahren ist aus der Erde, wie wir sie heute kennen, ein lebensfeindlicher, fast menschenleerer, verwaister Ort geworden. Mit diesem Szenario eröffnet Hell, ein Genrefilm aus heimischen Gefilden und damit irgendwie auch eine filmische Rarität. Die wenigen Versuche, die deutsche Regisseure und Autoren in den letzten Jahren in diese Richtung unternahmen, fuhren nahezu ausnahmslos gegen die Wand – und das wie beim Großstadt-Vampirthriller Wir sind die Nacht oder beim düsteren Heimatthriller „Tannöd“ sogar meist unter Ausschluss der Öffentlichkeit. Nur wenige Zuschauer verirren sich in Filme „Made in Germany“, wenn diesen nicht das Etikett der unverfänglichen Komödie oder des Denkerdramas anhaftet.

Diese traurige Tatsache, welche angesichts der durchaus bescheidenen Qualität des deutschen Genrekinos nicht ganz unverständlich erscheint, macht es gerade jungen Filmemachern beinahe unmöglich, ihre Ideen aus dem Horror- oder Thrillersujet für die große Leinwand umzusetzen. Tim Fehlbaum ist dieses Kunststück trotz aller Widrigkeiten gelungen. Dabei erwiesen sich seine teils preisgekrönten Kurzfilme wie der mit dem „Shocking Shorts Award“ ausgezeichnete Für Julian als Visitenkarte und Türöffner. Auch hilft es, wenn dadurch jemand wie Roland Emmerich auf einen aufmerksam wird. Schwabens Hollywoodexport war von Fehlbaums Idee zu seinem Langfilmdebüt derart angefixt, dass er die Geschichte als ausführender Produzent begleitete. Mit Emmerich an Bord konnte zumindest aus betriebswirtschaftlicher Perspektive kaum mehr etwas schief gehen. Die Finanzierung stand und die Dreharbeiten in den bayerischen Wäldern und auf Korsika konnten beginnen.

In Hell, dessen doppeldeutiger Name von der ersten Einstellung an Programm ist, begleiten wir zwei Schwestern auf ihrer gefährlichen und beschwerlichen Reise durch ein apokalyptisches Endzeitszenario. Die Sonne ist darin zum Feind jeden Lebens geworden. Ihre plötzlich millionenfach erhöhte Strahlkraft hat weite Teile der Erde inzwischen in eine öde Wüsten- und Steppenlandschaft verwandelt und sie praktisch unbewohnbar gemacht. Marie (Hannah Herzsprung) und ihre kleine Schwester Leonie (Lisa Vicari) zieht es dorthin, wo sie noch Wasser und Leben vermuten. Sie wollen mit ihrem abgedunkelten Auto und Maries Freund Phillip (Lars Eidinger) das Gebirge erreichen. Unterwegs treffen sie auf Tom (Stipe Erceg), einen Gestrandeten, der wie sie auf Rettung, etwas Wasser und Essen hofft. Mit ihm setzen sie schließlich ihre Reise durch eine inzwischen gänzlich fremde Welt fort.

Fehlbaums Endzeitvision besteht größtenteils aus gleißendem Licht, verlassenen Ruinen, endlosen Staubwüsten und ausgezehrten Blicken. Jede Hoffnung scheint hier verloren ebenso wie die Farben, die aus Hell mit Ausnahme verschiedener Erdtöne restlos getilgt sind. Es ist ein Szenario, das sich sehr nahe an Cormac McCarthys The Road entlang bewegt und das im direkten Vergleich jedoch eher auf die Methode „Holzhammer“ setzt. Schließlich positioniert sich Fehlbaums Film nach einer eher ruhigen und noch recht zurückgenommenen – manchmal auch etwas langweiligen – Einleitung immer stärker in Richtung des klassischen Survival-Horrors. Dazu passt auch der Schauplatzwechsel, der Hell nach knapp der Hälfte seiner Laufzeit eine neue Dynamik verleihen soll.

Ohne jemals zuviel zu zeigen, zieht Fehlbaum die Stellschrauben seines in der Perspektive doch sehr beengten Endzeitthrillers sukzessive an. Mit der Verdichtung auf einen einzigen Ort gleicht sich die Geschichte zudem immer stärker den Spielregeln des Genres an. Dazu gehört es, im unerwarteten Moment die richtigen Schocks zu platzieren und seine anfangs scheue Heldin in ein zupackendes Final Girl zu verwandeln. Die große Apokalypse rückt unterdessen zunehmend in den Hintergrund, wobei Hell die moralischen und sozialen Folgen des tödlichen Sonnenschauspiels ohnehin nur am Rande streift. Das lässt den Film einerseits etwas eindimensional und flach erscheinen, auf der anderen Seite verfängt sich Fehlbaum wie viele seine Kollegen – man denke nur an Lars Kraumes gefloppter Terroristen-Utopie Die kommenden Tage – nicht in einem Netz aus wirren Umwelt- und Sozialthesen.

Insofern fällt das Ergebnis recht zwiegespalten aus. Für einen deutschen Film, noch dazu, wenn er augenscheinlich als Genrekino verstanden werden will, mag es ein Schritt in die richtige Richtung sein. Jetzt müssen aber auch weitere folgen. Ansonsten bleibt Hell ein – zumindest stellenweise – talentierter Einzelkämpfer ohne wirkliche Streitmacht, womit er seiner Hauptfigur ähnlicher wäre, als es sich Fehlbaum und der deutsche Film wünschen dürften.

Für BlairWitch.de.

Colombiana - La Chica Nikita

2011-09-22T11:20:00.002+02:00

USA 2011

+++

Aus der Kreativschmiede Luc Bessons kommt dieser rasante und ziemlich coole Rachethriller, in der eine junge Frau den Mördern ihrer Eltern auf der Spur ist. Avatar-Star Zoe Saldana lässt als gnadenloser Racheengel nicht nur die Männer vor ihr erzittern, auch Action-Ikonen wie Lara Croft haben gegen ihre smarte und verdammt attraktive Killerin kaum eine Chance. Weiter auf Koeln.de.

Freunde mit gewissen Vorzügen - Verantwortung, nein danke!

2011-09-14T09:55:00.003+02:00

USA 2011

++1/2

Nach Natalie Portman und Ashton Kutcher haben nun also auch Justin Timberlake und Mila Kunis die vermeintlichen Vorteile einer „Beste Freunde mit Sex“-Beziehung für sich entdeckt. Unter der Regie von Komödien-Spezialist Will Gluck (Einfach zu haben) entwickelt sich eine mit viel Wortwitz gespickte Romanze, die jedoch ausgerechnet so nicht genannt werden darf. Dabei bedient der Film trotz einiger selbstironischer Einschübe weitgehend die Vorgaben anderer Hollywood-Beziehungskomödien.

Filmkritik:

Eigentlich könnten sie das perfekte Paar sein. Jamie (Mila Kunis) ist New Yorkerin mit Leib und Seele, erfolgreiche Headhunterin, ziemlich hübsch und Single. Dylan (Justin Timberlake) wiederum zieht der Karriere wegen vom sonnigen L.A. an den Hudson River, wo er fortan für das GQ-Magazin als Art Director arbeiten soll. Jamie hat ihm die Stelle verschafft und auch sonst sind sich die beiden ziemlich sympathisch. Doch nach mehreren gescheiterten Beziehungen, in denen stets sie diejenigen waren, die verlassen wurden, hat beide eine schleichende Bindungsangst befallen. Ein Paar wollen sie daher partout nicht sein, höchstens beste Freunde mit gewissen Vorzügen. Was das heißt, wird schnell klar. Sie suchen Sex, wenn möglich ohne Verpflichtungen und ohne das Korsett einer gewöhnlichen Beziehung. Da ist es eher hinderlich, wenn sich gewisse Gefühle auf Dauer nicht wie vereinbart abstellen lassen.

In unserem Facebook-Zeitalter müsste man Jamies und Dylans Beziehungsstatus vermutlich mit „Es ist kompliziert“ umschreiben. In der Tat bewegen sich beide nach ihrer kurzen und intensiven Phase des Kennenlernens auf einem schmalen Grat. Gut gemeinte Ratschläge, egal ob von Jamies Hippie-Mutter (Patricia Clarkson) oder Dylans schwulem Arbeitskollegen Tommy (Woody Harrelson), werden in dieser Situation für gewöhnlich ignoriert und so nimmt die absehbare emotionale Achterbahnfahrt ihren Lauf.

Damit bleibt Freunde mit gewissen Vorzügen den Grundzügen seines Genres allen Bekundungen, anders sein zu wollen, bis in den Abspann hinein treu. Auch hier kommt es vor dem programmierten Happy End, welches zumindest auf einer Meta-Ebene – über kleine Film-im-Film-Clips – ironisch die Gesetzmäßigkeiten der romantischen Hollywood-Komödie kommentiert, zu einer angeblich ernsthaften „Beziehungskrise“ unter besten Freunden. Als Zuschauer weiß man es besser und so lässt sich das Liebestohuwabohu unbeschwert und größtenteils amüsiert verfolgen. Weniger in dieses unverfängliche Stimmungsbild passt hingegen die Alzheimer-Erkrankung von Dylans Vater (Richard Jenkins). Allerdings reduziert der Film diese auf ein verzichtbares Storyelement, über dessen Sinn und Unsinn lange gestritten werden darf.

Für Regisseur Will Gluck, der in seinem Durchbruch Einfach zu haben dem College-Film im Allgemeinen und John Hughes im Speziellen ein ungemein charmantes Denkmal setzte, bedeutet Freunde mit gewissen Vorzügen die erste echte Feuertaufe im Hollywood-System. Obwohl sich die Geschichte deutlich geschliffener als Glucks Überraschungs-Hit anfühlt, hat sie sich eine gewisse Schlagfertigkeit doch bewahren können. Insbesondere die Zeitgeist-Kommentare – Stichwort: Bibel-App – zünden. Nur gelegentlich übertreibt es das Autoren-Trio mit seinen Dialogkaskaden. An dieser Variante altkluger Geschwätzigkeit litt jedoch bereits Einfach zu haben, zu dem sich einige nette versteckte Hinweise finden lassen.

Ganz brav und zugeknöpft gibt sich der Film dafür immer, wenn es zwischen seinen beiden, zueinander durchaus kompatiblen Stars zur Sache gehen soll. Das Wesentliche spielt sich hier unter ausreichend großen und blickdichten Bettlaken ab. Zu viel Nacktheit scheint zumindest beim oftmals prüden Heimatpublikum immer noch als Kassengift zu gelten. Um sich sein „R-Rating“ zu verdienen, reicht es hingegen bereits, für den Bruchteil einer Sekunde ein nacktes Männerhinterteil zu zeigen. Auch das ist typisch Hollywood.

Für Programmkino.de.

Kill the Boss - Drei Männer, eine Mission

2011-09-07T21:23:00.001+02:00

USA 2011

+++

Mein Chef, der Tyrann. Ein verwegenes Mordkomplott wird für drei geknechtete Angestellte zu ihrer letzten Hoffnung. Doch leider oder – aus der Sicht ihrer Vorgesetzten – auch zum Glück läuft die Sache nicht nach Plan. Diverse Pannen und Missgeschicke durchkreuzen das Vorhaben und sorgen für ausgiebige Zwerchfellattacken. Weiterlesen auf koeln.de.

Rollergirl - Being Different

2011-09-04T14:42:00.003+02:00

USA 2009

+++

Zusammen sind sie ein starkes Team: Drew Barrymore und Juno-Darstellerin Ellen Page. In Barrymores Regie-Debüt Rollergirl vermischt sich eine charmante, temporeiche Coming-of-Age-Geschichte mit reichlich Indie-Feeling und der Dramaturgie eines Sportfilms. Dabei reißt die Subkultur der Rollerszene eine rebellische Teenagerin aus ihrem langweiligen Alltag einer texanischen Kleinstadt.

Filmkritik:

In Bodeen, Texas, ist die Welt noch in Ordnung. Zumindest aus der Sicht mancher Erwachsener, die es sich wie die Eltern der 17-jährigen Bliss Cavendar (Ellen Page) zwischen einem ziemlich langweiligen Job, absurden Miss-Wahlen und ungesundem Fast Food bequem gemacht haben. Während für Bliss’ Dad (Daniel Stern) die regelmäßigen TV-Football-Übertragungen bereits ein echtes Highlight sind, drängt ihre resolute Mutter (Marcia Gay Harden) sie mit Ehrgeiz in eine Ecke, aus der sie lieber heute als morgen ausbrechen würde. Bliss ist anders. Sie macht sich nicht viel aus dem üblichen Mädchenkram, und so erscheint es fast logisch, dass sie sich bei einem Ausflug in das großstädtische Austin vom Gegenentwurf des spießigen Kleinstadtlebens magisch angezogen fühlt.

Bliss besucht heimlich ein Rollerderby. Der rasante Sport, das besondere Gefühl von Freiheit und Abenteuer, die wilden Mädels mit ihren Punk-Klamotten und bunten Tattoos, all das übt auf Bliss eine wahnsinnige Anziehungskraft aus. Mit der kleinen Notlüge, sie sei bereits volljährig, schafft sie es schließlich sogar in die Mannschaft um Maggis Mayhem (Kristen Wiig), Rosa Sparks (Eve), Smashley Simpson (Drew Barrymore) und Bloody Holly (Zoe Bell). Noch aufregender als die Rennen und der harte Wettkampf ist für sie jedoch die Erfahrung der ersten großen Liebe.

Mit der Verfilmung des Romans Whip it von Shauna Cross beweist Regie-Debütantin Drew Barrymore das richtige Gespür bei der Umsetzung einer erfrischenden Coming-of-Age-Geschichte. Nicht nur weil Ellen Page hier wieder einmal ihr Indie-Image pflegt, lassen sich so manche Parallelen zum Oscar-Erfolg Juno konstruieren. Die Dopplungen liegen dabei praktisch auf der Hand. Auch Bliss ist ein rebellischer Teenager, der nur zu gerne mit coolen Sprüchen die eigene Unsicherheit überspielt. Und wie die schwangere Juno sucht sie nach etwas, das sich von ihrem grauen, langweiligen Leben zu Hause deutlich abhebt. Beide Filme zeichnen überdies das Bild eines mitfühlenden, verständnisvollen Vaters – Daniel Stern ist zweifelsfrei die gute Seele der Geschichte –, der bereit wäre, alles für seine Tochter zu tun, wohingegen Bliss’ Mum wie schon Junos Stiefmutter als eher nervige Karikatur herhalten muss.

Mag der Alternative-Anstrich des Films bisweilen wenig originell erscheinen, so erzählt Barrymore doch mit großer Hingabe und Empathie für ihren weiblichen Underdog. Dabei verrät schon die Perspektive, auf was es ihr bei ihrem Regie-Debüt vornehmlich ankommt. In Rollergirl sehen wir die Welt durch die Augen einer 17-jährigen Außenseiterin, die durch die Bekanntschaft mit Gleichgesinnten ein neues Selbstbewusstsein und Selbstverständnis entwickelt. Die Subkultur der Rollerszene mit ihrem ganz besonderen Kodex von Zusammenhalt und Körperkult übernimmt bei dieser temporeichen Coming-of-Age-Variante die Funktion eines sich allmählich öffnenden Ventils. Bliss’ Durchsetzungskraft und Ausdauer, die sie bei den harten Roller-Duellen auf dem engen Oval beweist, nutzt „Rollergirl“ für ein charmantes Plädoyer gegen Konformität und Mittelmaß. Anders sein ist letztlich immer nur eine Frage des Blickwinkels. Das weiß auch Bliss. Auf die Frage, ob sie eine jener „Alternativen“ sei, antwortet sie ohne zu zögern: „Alternative? Alternative to what?“.

Für Programmkino.de.

Final Destination 5 - Eine neue Runde, eine neue Runde!

2011-08-30T11:19:00.002+02:00

USA 2011

++

Der Horrorfilm ist das Genre der Fortsetzungen. Was einmal funktioniert, sollte schließlich auch ein zweites, drittes, viertes Mal funktionieren. Getreu diesem Motto geht die erfolgreiche Final Destination-Reihe nun bereits in ihre fünfte Runde. An dem Grundkonzept hat sich dabei seit Teil 1 kaum etwas verändert. Die Fans bekommen exakt das, was sie erwarten. Weiterlesen auf Koeln.de.

Midnight in Paris - Schlafwandler

2011-08-22T14:39:00.002+02:00

USA 2011

+++

Woody Allens Arbeitspensum ist mehr als außergewöhnlich. Jahr für Jahr dreht der wohl bekannteste Stadtneurotiker einen neuen Film. Nach zuletzt eher düsteren und mitunter recht zynischen Geschichten entführt uns sein jüngstes, bezaubernd leichtfüßiges Werk in die Stadt der Lichter und der Liebe. Seine ungemein verspielte Liebeserklärung an Paris bietet Wohlfühlkino und reichlich Nostalgie. Weiter auf Koeln.de.

Planet der Affen: Prevolution - Primaten aller Länder...

2011-08-14T14:29:00.002+02:00

USA 2011

+++

Affen sind unsere nächsten Verwandten und uns ähnlicher, als wir es gemeinhin denken. Nach dem missglückten Remake-Versuch von Tim Burton hat sich Hollywood nun der Vorgeschichte des Kultklassikers Planet der Affen angenommen. Dank seiner rasanten Inszenierung und der Schauspielkunst von „Gollum“-Darsteller Andy Serkis sollte der Film neue und alte Fans für sich gewinnen können. Weiterlesen auf Koeln.de.

Super 8 - When we were young

2011-08-07T13:54:00.001+02:00

USA 2011

+++

Lost-Schöpfer J.J. Abrams und Meisterregisseur Steven Spielberg schwelgen in Erinnerungen. Was dabei herauskommt, kann sich in jeder Hinsicht sehen lassen. Ihre nostalgische Science-Fiction-Geschichte verweist nicht nur äußerst charmant auf Genregrößen wie E.T. und Die unheimliche Begegnung der dritten Art, sie ist zugleich ein anrührendes Plädoyer für Freundschaft und Zusammenhalt. Zur Kritik auf Koeln.de.

Geständnisse - Confessions

2011-08-02T16:44:00.002+02:00

JPN 2010

+++1/2

Selbst für japanische Verhältnisse ist das, was Tetsuya Nakasima (Kamikaze Girls, Memories of Matsuko) seinem Publikum hier zumutet, starker Tobak. Eine alleinerziehende Mutter setzt nach dem gewaltsamen Tod ihrer einzigen Tochter einen perfiden Racheplan in die Tat um, bei dem sie die noch minderjährigen und vor dem Gesetz daher strafunmündigen Mörder der aus ihrer Sicht gerechten Strafe zuführen will. Nicht zuletzt Nakashimas visueller Einfallsreichtum hebt diese tieftraurige, unbarmherzige Vendetta auf eine Ebene mit Park Chan-wooks preisgekrönter Rachetrilogie.

Filmkritik:

Der letzte Tag vor den Schulferien entwickelt sich für die Schüler der Klasse 7B zu einem ganz realen Albtraum. Vor ihnen steht wie immer ihre Klassenlehrerin Frau Moriguchi (Takako Matsu) – soweit nichts Ungewöhnliches. Doch dann beginnt sie von ihrer Tochter Manami zu erzählen, die kürzlich auf tragische Weise ums Leben kam. Ihr Tod war jedoch kein Unfall und auch krank war das kleine Mädchen keineswegs. Vielmehr glaubt Manamis Mutter fest daran, dass sie ermordet wurde – von zwei Schülern dieser Klasse. In deren Milchpäkchen habe sie HIV-infiziertes Blut von Manamis Vater gespritzt. Moriguchi sinnt auf Rache und da sie zugleich nicht an den Rechtsstaat glaubt, der es jugendlichen Straftätern ihrer Meinung nach viel zu leicht macht, nimmt sie das Gesetz in die eigene Hand. Sie will, dass Manamis Mörder genauso leiden und ihre schreckliche Tat auf ewig bereuen.

Mit Moriguchis scheinbar emotionslos vorgetragenem Racheplan, dessen perfide Details erst nach und nach ans Licht kommen, eröffnet der neue Film des Japaners Tetsuya Nakashima. Nach vier Jahren der kreativen Pause und seinem ebenso quietschbunten wie verspielten Memories of Matsuko muss man sich in Geständnisse – Confessions auf einen radikalen Stimmungswechsel einstellen. Die Welt, die er uns hier zeigt ist düster, zynisch, hoffnungslos. Es ist ein verlorener Ort, an dem das Prinzip von Gewalt und Gegengewalt, von Rache und Vergeltung regiert. Die be- und erdrückende Stimmung ist ebenso wie die scheinbare Eiseskälte seiner Hauptfigur nur schwer zu ertragen. Vor allem schockiert die Ausweglosigkeit der in Gang gesetzten Gewaltspirale, die bis zur letzten bitteren Pointe jede Hoffnung auf Besserung bereits im Ansatz zerstört.

In dieser bitteren Konsequenz steht Nakashimas nihilistisches Rachedrama ganz in der Tradition anderer prominenter Genrevertreter. Der Vergleich zu Park Chan-wooks Rachetrilogie und dort speziell zu Lady Vengeance ist einfach zu naheliegend, um in diesem Zusammenhang nicht zitiert zu werden. Dabei zeichnen beide Filme ihre Hauptfiguren als vordergründig ungemein starke, innerlich jedoch zutiefst schwache Personen, für die ihre Vendetta zum neuen Lebensinhalt wird. Abseits dieser inhaltlichen Parallele verstehen sich beide Filmemacher als Kinoästheten, die vornehmlich über Bilder eine emotional fesselnde Geschichte erzählen wollen. Nakashimas unbändiger Stilwillen dominiert auch in seinem neuen Film jede Einstellung. Mehr noch als Park setzt er dabei auf eine surreale Albtraum-Ästhetik, über die das Geschehen nicht selten eine an Mangas angelehnte Entfremdung erfährt. Geständnisse wechselt vor dem Hintergrund seiner düsteren Rache-Agenda zwischen Comic-Strip, Videospieloptik und Musikvideo mit großer Eleganz hin und her. Unterlegt wurden diese oftmals in Zeitlupe gefilmten Bilderstrecken mit melancholischen Indie-Rocksongs unter anderem von Radiohead.

Hinter seiner einprägsamen Optik verbergen sich zudem eine Vielzahl unberuhigender Fragen. Ob Moriguchis Plan moralisch zu verurteilen ist oder nicht, mag noch die leichteste und offensichtlichste davon sein. Man mag ihr Vorgehen in seiner Brutalität widerlich und unmenschlich finden, gleichwohl dürfte ihr Schicksal und die Art, wie Nakashima es erzählt, niemanden unberührt lassen. Nach diesem Film ahnt man, wozu Menschen im Schlechten fähig sind. Die Hölle, das sind nicht immer die anderen, die Hölle, das sind manchmal eben auch wir.

Für Programmkino.de.

Green Lantern - Superheld im Strampelanzug

2011-07-29T11:08:00.003+02:00

USA 2011

+1/2

Ryan Reynolds ist die Green Lantern – die grüne Laterne. Der intergalaktische Superheld aus dem Hause DC Comics stand lange Zeit im Schatten seiner berühmten Verwandtschaft. Ob nun ausgerechnet diese doch ziemlich holprige und blutleere Verfilmung neue Fans rekrutieren kann, scheint mehr als fraglich. Weiterlesen auf Koeln.de.

Win Win - Im Ring

2011-07-27T13:26:00.002+02:00

USA 2011

++1/2

Nur eine Woche nach Barney’s Version startet ein weiterer feiner Film mit Paul Giamatti in der Hauptrolle. In Win Win, der dieses Jahr auch in Sundance lief, spielt er einen finanziell klammen Anwalt, dessen väterliche Gefühle nach der Begegnung mit einem jugendlichen Ausreißer geweckt werden. Als Trainer einer High-School-Ringer-Mannschaft nimmt er den Jungen unter seine Fittiche. Warmherzig, charmant, aber auch ein bisschen frei von Überraschungen ist McCarthys Film ein typischer Vertreter des amerikanischen Independent-Kinos.

Filmkritik:

In Tom McCarthys Filmen geht es immer um Begegnungen zwischen Menschen, zwischen ganz unterschiedlichen Menschen. Das war so in dem Independent-Hit The Station Agent über einen kleinwüchsigen Einzelgänger, der im ländlichen New Jersey unerwartet neue Freunde fand, und auch in Ein Sommer in New York – The Visitor, wo ein College-Professor in seinem eigenen Appartement auf ein junges Paar traf, kam es zu einer solchen Begegnung. McCarthys diesjähriger Sundance-Beitrag Win Win setzt diese filmische Tradition nahtlos fort. Paul Giamatti spielt darin einen engagierten, leider aber auch etwas erfolglosen Anwalt, der von Existenzängsten geplagt wird und in seiner Freizeit ehrenamtlich die Ringer-Mannschaft der örtlichen High School trainiert.

Dann tritt der Enkel eines Mandanten in Mikes Leben. Kyle (Alex Shaffer) ist ein jugendlicher Ausreißer. Er will nicht länger bei seiner drogenabhängigen Mutter (Melanie Lynskey) leben. Zu groß ist die Enttäuschung und die Wut, die sich über die Jahre in ihm angesammelt haben. Kyle zieht es zu seinem Großvater (Burt Young). Doch weil dieser nicht ganz legal und vor allem ganz nicht uneigennützig von Mike kurzerhand in ein Altenheim abgeschoben wurde, entscheiden er und seine Frau (Amy Ryan), den Jungen bei sich aufzunehmen. Es zeigt sich, dass Kyle fürs Ringen ein besonderes Talent mitbringt. Mike erkennt die Chance, sein bislang eher erfolgloses Team endlich zu dem lang ersehnten Erfolg zu führen. Schließlich entwickelt sich mit der Zeit zwischen ihm und Kyle ein echtes Vater-Sohn-Verhältnis.

Mit einer Mischung aus emotionalen, manchmal auch tragischen Momenten und einem im Verhältnis dazu sauber ausbalancierten Humor, für den vorrangig Mikes charmant-verrückte Arbeitskollegen zuständig sind, gelingt es McCarthy, den Zuschauer in seine kleine Geschichte hineinzuziehen. Dass er dabei nur auf die bewährten Mechanismen des amerikanischen Independentkinos vertraut, dessen etwas zu naiver Optimismus letztlich die Oberhand gewinnen soll, lässt Win Win zugegeben wenig innovativ oder gar mutig erscheinen. Vielmehr regiert hier das Prinzip eines bewährten Feel-Good-Movies, in dem Probleme auf mancherlei Umwegen am Ende doch gelöst werden. Damit passt McCarthys Film bestens in das Programmschema des berühmten Sundance Festivals, dem Kritiker nur zu gerne eine gewisse Harmlosigkeit vorwerfen.

Als Zuschauer muss man sich um Kyle, Mike und die Anderen nie echte Sorgen machen. Man ahnt: Die Dramaturgie und der Wunsch, uns mit einem guten Gefühl zu entlassen, werden es schon richten. Obwohl der Mechanismus der Geschichte somit leicht zu durchschauen ist, fühlt man sich in McCarthys Film jederzeit gut aufgehoben und unterhalten. Er verzichtet auf inszenatorische Tricks und Spielereien, stattdessen liegt der gesamte Fokus auf den Schauspielern, die wie Paul Giamatti und der junge Alex Shaffer recht mühelos in ihre doch sehr vielschichtigen Charaktere vordringen. Als ehrlicher und überaus menschlicher Film, der weitgehend ohne forcierte Sentimentalitäten auskommt, dürfte Win Win in Erinnerung bleiben.

Für Programmkino.de.

Brautalarm - Östrogen-Hangover

2011-07-21T21:21:00.002+02:00

USA 2011

+++

Die Vorbereitungen zu einer Hochzeit scheinen vor allem für die beste Freundin der Braut aus einer absurden Abfolge von Stress, Überforderungen und Peinlichkeiten zu bestehen. Zumindest ist es das, was uns dieser Überraschungshit aus der Werkstatt von Komödienspezialist Judd Apatow (Beim ersten Mal) lehrt. Gegen soviel Frauenpower zieht selbst das Wolfsrudel den Kürzeren. Weiter auf Koeln.de.

Insidous - Oldschool in die Twilight-Zone

2011-07-20T20:39:00.002+02:00

USA 2011

++1/2

„Vom Regisseur von „Saw“ und den Produzenten von „Paranormal Activity““ lautet eine Werbezeile, mit der Insidious hierzulande vermarktet wird. Dabei führt der Verweis auf Saw in die Irre, denn mit Jigsaws perfiden Puzzle- und Folterspielchen hat der neueste Streich des Tandems James Wan (Regie) und Leigh Whanell (Drehbuch) wahrlich kaum etwas gemein. Eher schon liegt eine gewisse inhaltliche Verwandtschaft zu Oren Pelis Ultra-Low-Budget-Erfolg vor. Kurz und knapp könnte es auch diesmal heißen: Willkommen in der Twilight Zone!

Denn in dem schönen Zuhause der Familie Lambert ereignen sich immer merkwürdigere Dinge. Es sind Vorfälle, die vor allem Mutter Renai (Rose Byrne) ängstigen und die sie sich kaum logisch erklären kann. Mal dringen seltsame Geräusche aus dem Babyphone, mal steht nachts plötzlich die Haustüre wie von Geisterhand auf oder es zeichnen sich die Umrisse einer unbekannten Person im Halbdunkeln ab. Als der älteste Sohn (Ty Simpkins) der Lamberts nach einem mysteriösen Vorfall auf dem Speicher in ein Koma fällt, das sich selbst die behandelnden Ärzte nicht erklären können, spitzt sich die Lage dramatisch zu. Auf Drängen seiner Frau kommt Familienvater Josh (Patrick Wilson) schließlich dem Wunsch nach, in ein anderes Haus zu ziehen. Doch auch in der neuen Bleibe setzen sich die unheimlichen Zwischenfälle fort.

Spätestens ab diesem Moment wird klar, dass nicht das Haus das eigentliche Problem ist. Wer den Trailer gesehen hat, wird sich vermutlich an die Punchline „It’s not the house that’s haunted“ erinnern und tatsächlich nutzen James Wan und Leigh Whanell die Kulisse der bekannten Geistermärchen nur für einen ungleich furchteinflößenderen Budenzauber. Hier spielt sich das eigentliche Grauen nicht zwischen vier Wänden ab. Der Horror, den Insidious zumindest über weite Strecken sehr geschickt heraufbeschwört, hat seinen Ursprung in der Familie und in deren Gedanken und verdrängten Erinnerungen. Was tatsächlich geschah, lässt Insidious bis zum Ende bewusst offen und so kann man in die zunehmend paranormale Geisterbahnfahrt viele (vielleicht sogar endlose?) Deutungen hineinlesen.

So vielschichtig sich die psychologische Ebene des Films präsentiert, so handfest und altmodisch geben sich Wan und Whanell bei der Auswahl ihrer Horrorinstrumente. Insidious lässt die ganze Welle des Torture Porn oder der harten Remakes alter Klassiker mal eben links liegen und würdigt sie dabei kaum eines Blickes. Stattdessen sucht ihr Film den Anknüpfungspunkt bei einflussreichen Genrevorbildern wie Poltergeist und Der Exorzist. Es dürfte kaum Zufall sein, dass beide Filme Wans und Whanells persönliche Lieblinge sind. Gerade die erste Dreiviertelstunde versteht es meisterlich, mit vagen Andeutungen, Schatten und kleinen, leicht zu übersehenden Merkwürdigkeiten zu spielen und so in uns eine Grundangst und permanente Verunsicherung zu schüren. In diesen Augenblicken ist die Geschichte ganz nah bei Oren Pelis Paranormal Activity, wobei hier filmisch doch einiges mehr geboten wird.

Bereits die fahlen, aschgrauen Bilder üben eine ungemein verstörende Anziehungskraft aus. Man ahnt, dass hinter der staubigen Oberfläche ein Albtraum wartet und doch ist man erstaunt, gefesselt und zutiefst erschrocken, wenn Wan und Whanell immer mal wieder für wenige Sekunden den grauen Mantel anheben und uns hinter die Geisterhaus-Fassade schauen lassen. Die atonale Musik mit ihren schrecklich-schrägen Streicherarrangements verstärkt dieses Gefühl einer ständigen, zunächst nicht genau lokalisierbaren Bedrohung zusätzlich. Wenn die scheinbar schwerelose Kamera das Zuhause der Lamberts erkundet und Mutter Renai bei ihrer Hausarbeit beobachtet, kann man sich nie sicher fühlen. Natürlich dürfen auch die etwas mechanischeren Schockeffekte nicht fehlen, wobei das laute Aufheulen der Tonspur in diesem Fall seine volle Berechtigung hat. Einen falschen Alarm kennt Insidious nämlich nicht.

Nach knapp einer Stunde nimmt die Geschichte dann eine Wendung, die immer deutlicher das Paranormale betont und daher nicht jedem Zuschauer gefallen wird. Als Joshs Mutter Lorraine (Barbara Hershey) eine alte Freundin (Lin Shaye) zu Rate zieht, die in einer Seance den Kontakt zur Seele des im Koma befindlichen Sohnes herzustellen versucht, setzt der Film alles auf eine Karte. Plötzlich haben wir es mit Begriffen wie „astraler Projektion“ und einer Parallelwelt der Geister zu tun, die sich vielsagend „Die Weite“ nennt. Mehr noch als die reine Anhäufung übersinnlicher Zitate, hinterlässt die filmische Ausgestaltung dieses Seelenreichs einen zwiespältigen Eindruck. Wan und Whanell reizen ihren Dämonenspuk über Gebühr aus. Nichts bleibt schlussendlich im Ungefähren, alles muss gezeigt und mit großen Gesten vor unseren Augen ausgebreitet werden. Weil der Horror der ersten Stunde allerdings derart intensiv war, bleibt es trotz dieses Qualitätsabfalls bei einer Empfehlung. Insidious ist insgesamt ein erfreulicher Old-School-Schocker und so etwas wie die weitgehend spaßfreie Fortsetzung zu Sam Raimis Drag me to Hell.

Für BlairWitch.de.

Barney's Version - Ein Selbstzerstörer zum Gernhaben

2011-07-18T00:44:00.002+02:00

USA 2010

+++1/2

Sympathieträger stellt man sich gemeinhin anders vor. Mittsechziger Barney ist zynisch, eigensinnig, manchmal sogar verletzend und dem Alkohol nie abgeneigt. Und obwohl das so ist, schließt man ihn früher oder später in sein Herz. Ein Paul Giamatti in Bestform ist nur einer von gleich mehreren Garanten dieses intimen, tragikomischen Zeit- und Personenportraits, das mit bissigem, schwarzem Humor und einer ebenso anrührenden wie inspirierenden Liebesgeschichte aufwartet.

Filmkritik:

Es ist ein Leben, das normal und ungewöhnlich zugleich ist, das von Momenten des reinen Glücks und einer herzzerreißenden Einsamkeit ausgefüllt wird, von Liebe und von Leid. Fernsehproduzent Barney Panofsky (Paul Giamatti) erscheint auf den ersten Blick alle Vorurteile an einen zynischen, verbitterten, alten Kauz erfüllen zu wollen. Mit seinen Kindern pflegt er einen zumeist rauen Umgangston und auch gegenüber seinen Angestellten nimmt er wahrlich kein Blatt vor den Mund – selbst wenn das, was er zu sagen hat, seinen Gesprächspartner verletzten könnte. Barney hat viel erlebt und um zu verstehen, wie er zu dem Menschen geworden ist, der er nun mit fast 70 ist, muss man mit ihm zurück in seine Vergangenheit reisen.

Barney’s Version entwickelt sich auf diesem Weg zu einem intimen und emotional zugleich unglaublich gewaltigen Film. Vom Italien der frühen siebziger Jahre und der Nach-Hippie-Ära, über Montreal bis in das New York der Gegenwart verläuft der Handlungsbogen, aus dem sich Barneys tragikomische Erinnerungen und Anekdoten zusammensetzen. Drei Ehen und zumindest eine ganz große Liebe füllten sein bewegtes Leben aus, zu dem auch das mysteriöse Verschwinden seines einst besten Freundes (Scott Speedman) gehörte. Noch heute gilt er für den seinerzeit ermittelnden Polizeibeamten als der Hauptverdächtige. Barney, ein potentieller Mörder? Es ist nicht zuletzt dieser ungeheuerliche Vorwurf, den der zynische Lebemann mit seiner Version der Ereignisse entkräften will.

Es sind vor allem der bissige, jüdische Witz und Barneys gutes Herz, an dem trotz aller von ihm durchaus gepflegten Misanthropie nie ein Zweifel besteht, die auch in der Verfilmung des berühmten Romans des kanadischen Schriftstellers Mordecai Richler Ton und Stimmung vorgeben. Obwohl Barney seine Mitmenschen nicht immer fair behandelt, obwohl er ganz offensichtlich zu viel trinkt und flucht, kann er sich unserer Sympathien stets gewiss sein. Der Grund dafür ist einfach. Nicht nur mag ein jeder sich zu einem kleinen Teil in ihm wiedererkennen, mag in ihm eigene Fehler und Schwächen entdecken, Barney, so wie er von Giamatti verstanden wird, ist kein Unmensch sondern am Ende seines Leben eher ein Unzufriedener, der auf der Suche nach seinem inneren Frieden ist.

Wir dürfen ihn bei dieser keineswegs leichten Suche begleiten. Dabei lernen wir alte Weggefährten, Freunde, Geliebte und Familienmitglieder kennen. Seinen durchaus eigenwilligen Vater Izzy (Dustin Hoffman) zum Beispiel, dessen unkonventionelle Ratschläge von seinem Sohnemann nicht immer befolgt werden. Oder Barneys erste große Liebe Clara (Rachelle Lefevre), die in seinem Herz für lange Zeit eine gewaltige Lücke hinterlassen hat. Warum Paul Giamatti für diese schon aufgrund ihres anspruchsvollen Zeithorizonts außergewöhnliche Rolle keine Oscar-Nominierung erhielt – nur das Make-up-Team wurde seinerzeit berücksichtigt –, dürfte auf ewig das Geheimnis der Academy bleiben. Giamatti scheint zunächst den misanthropischen Comiczeichner Harvey Pekar aus American Splendor zu reaktivieren, später dann entwickelt sich sein Barney mehr und mehr zu einem Allen-Charakter, dem man bei jedem Blick, jeder Geste Giamattis tief in seine verletzliche Seele zu schauen glaubt.

Giamattis Kollegen – darunter Oscar-Preisträger Dustin Hoffman und die großartige Rosamund Pike als Barneys wahre Liebe Miriam – veredeln schließlich diesen schauspielerisch außergewöhnlichen Film, bei dem Regisseur Richard J. Lewis jederzeit ganz genau wusste, wie er all diese Vorgaben und Zutaten am besten zusammenführen sollte. Er erschuf ein sensibles Charakterstück, das souverän zwischen von Leonard-Cohen-Songs untermalter Sentimentalität und Sarkasmus navigiert. Einen liebenswerteren Selbstzerstörer als Barney wird das Kino so schnell nicht mehr hervorbringen.

Für Programmkino.de.

Kleine wahre Lügen - Urlaub mit Problemchen

2011-07-12T12:40:00.003+02:00

F 2010

++

Eine Clique bürgerlicher Großstädter durchlebt im gemeinsamen Sommerurlaub ein Wechselbad der Gefühle. Gefangen in kleinen und größeren Lebenslügen diskutieren die Protagonisten in Guillaume Canets (Kein Sterbenswort) ziemlich französischer Version eines Beziehungsfilms ihre Probleme und Lebensentwürfe. So schön das Meer und die Strände an der südfranzösischen Atlantikküste auch anzusehen sind, verteilt auf zweieinhalb Stunden stellt sich schon bald ein gewisser Leerlauf ein.

Filmkritik:

Wie jedes Jahr treffen sich der erfolgreiche Gastronom Max (François Cluzet), seine Familie und engsten Freunde auch diesen Sommer im schicken Ferienhaus am malerischen Cap Ferret. Und doch ist dieses Jahr etwas anders. Denn einer von ihnen kann nicht dabei sein. Während Ludo (Jean Dujardin) nach einem schweren Unfall mit zahlreichen Verletzungen auf der Intensivstation eines Pariser Krankenhauses liegt, versuchen seine Freunde, in der mediterranen Idylle der Gironde den schrecklichen Vorfall zumindest zeitweilig zu vergessen.

Aber es ist nicht allein Ludos Schicksal, das den Urlauber nicht mehr aus dem Kopf geht. Fast jeder von ihnen trägt ein Geheimnis oder – im Sinne des Filmtitels – Lüge mit sich herum. So hat sich der stolze Familienvater Vincent (Benoît Magimel) in Max verliebt. Marie (Marion Cotillard) wiederum glaubt, ihre Bindungsängste mit wechselnden Affären therapieren zu können, und Frauenheld Éric (Gilles Lellouche) hofft, das Aus seiner Beziehung vorerst vor den Anderen geheim halten zu können.

Knapp ein Dutzend Charaktere mit doch recht ähnlichen Problemen beobachtet Guillaume Canet in seiner dritten Regiearbeit. Sein nach eigenen Angaben persönlichster Film, zu dem er auch das Drehbuch schrieb, ist im Kern eine lange Sommerepisode vor traumhafter Kulisse, die – von gelegentlichen Einschüben einmal abgesehen – das Ferienhaus am Cap Ferret nie verlässt. Zunächst erstaunt, dass Canet für eine derart intime und im Grunde doch recht unspektakuläre Geschichte zweieinhalb Stunden benötigt. Die meiste Zeit erleben wir schließlich, wie gut situierte Mittdreißiger bis Mittvierziger miteinander über ihre Beziehungen diskutieren, die Sonne genießen und dabei gutes Essen und reichlich Wein konsumieren. Viel mehr passiert in diesem durch und durch französischen Film eigentlich nicht.

Die Überlänge ist vielleicht das sichtbarste, mitnichten jedoch das einzige Problem einer ziemlich in sich verliebten Geschichte. Canet zelebriert den Lebensstil einer nur bedingt sympathischen Intellektuellen-Clique, die vor allem mit sich selbst beschäftigt ist und deren Konflikte bei aller Allgemeingültigkeit nicht selten herbeigeschrieben und konstruiert erscheinen. So sehr der Film auch darum bemüht ist, eine Nähe zu den Figuren aufzubauen, man mag weder für den cholerischen Max noch für den von Selbstmitleid geplagten Antoine (Laurent Lafitte) wirkliches Interesse aufbringen. Letzterer rennt wie ein Besessener seiner alten Liebe hinterher – ein Aufwand, der sich in der Logik von Canets Film natürlich am Ende für ihn auszahlen muss.

Kleine wahre Lügen ist wohl das, was man gemeinhin einen netten, französischen Beziehungsfilm nennt. Nett deshalb, weil Canet die Ebene eines recht unverbindlichen Ensemblestücks zu keiner Zeit wirklich verlässt. Immer wenn es ungemütlich werden könnte, wenn tatsächlich einmal für kurze Zeit an alten, verdeckten Wunden gekratzt wird, macht sein Film einen Rückzieher. Auch der eingestreute Humor – Max’ Homophobie ist der Running Gag – dient hauptsächlich dazu, eine gewisse Leichtigkeit und Balance herzustellen. Statt mutig auch die dunklen Seiten seiner zumeist männlichen Protagonisten auszuleuchten, verharrt Canet lieber in Postkartenaufnahmen einer mediterranen Urlaubsidylle. Schöne Menschen an schönen Orten abzufilmen ist für 154 Minuten allerdings ein nur bedingt tragfähiges Konzept.

Für Programmkino.de.

Der Zoowärter - Tierisches Konsenskino

2011-07-08T21:24:00.005+02:00

USA 2011

++

Kevin James ist der Garant für familientaugliche Unterhaltung. Diese Eignung stellt der King of Queens-Star auch in seiner neuen, ganz und gar vorhersehbaren Komödie unter Beweis, in der sich ein fürsorglicher Zoowärter in die eindeutig falsche Frau verliebt. Das Ergebnis ist eine romantische Komödie mit Dr. Doolittle-Flair und vielen sprechenden Tieren. Weiterlesen auf Koeln.de.

Alles koscher! - Back to the Roots

2011-07-07T00:18:00.002+02:00

GB 2010

+++

Mahmud ist ein weltoffener Moslem, der es mit den Regeln des Koran nicht so ernst nimmt. Als er jedoch erfährt, dass er adoptiert wurde und seine leiblichen Eltern Juden waren, stürzt ihn das in eine folgenschwere Identitätskrise. Mit britischem Humor und angenehm unverkrampft nähert sich Alles koscher! einem brisanten Sujet. Wie schon in der Islamisten-Satire Four Lions werden religiöse Fanatiker als Brandstifter und Heuchler enttarnt. Eine Ethno-Komödie mit ernstem Hintergrund und viel Menschlichkeit.

Filmkritik:

Ein Unglück kommt selten allein. Das wird auch Familienvater Mahmud (Omid Djalili) aus eigener Erfahrung nur zu gerne bestätigen. Eigentlich war er immer ein stolzer Moslem, auch wenn er nicht zu denjenigen gehörte, die sich stets an die Regeln des Koran hielten. Mahmud nahm es weder mit der Fastenzeit, den täglichen fünf Gebeten noch dem strikten Verzicht auf Alkohol so genau und doch war der Islam ein unumstößlicher Teil seiner Identität. Umso tiefer sitzt der Schock, als er nach dem Tode seiner Mutter in deren Habseligkeiten alte Dokumente findet, die belegen, dass er im Alter von zwei Wochen adoptiert wurde. Seine leiblichen Eltern waren – und das ist das eigentlich Unglaubliche für ihn – Juden. Ja genau, Mahmud ist ein Jude und sein Geburtsname war Solly Shimshillewitz. Jüdischer geht es kaum.

Als wäre die plötzliche Identitätskrise für ihn schon verwirrend genug, da platzt in diese erste Katastrophe gleich eine zweite. Sein Sohn Rashid (Amit Shah) möchte heiraten, doch der Schwiegervater-in-spe (Igal Naor) entpuppt sich zu allem Überfluss als islamischer Fanatiker und Hassprediger, der seine Zustimmung von Mahmuds religiöser Standfestigkeit und Überzeugung abhängig macht. Nur wenn dieser ihm glaubhaft beweisen kann, dass er ein Vorzeigemoslem ist, will der resolute Extremist in Rashid und Uzmas (Soraya Radford) Hochzeit einwilligen.

Die britische Culture-Clash-Komödie Alles koscher! nimmt sich eines ausgesprochen heiklen Themas an. Religiöse Empfindungen sind bekanntlich ein hochexplosives Minenfeld, insbesondere wenn es um den Islam und einer kritischen Auseinandersetzung mit Fanatismus und Doppelmoral geht. Doch wenn überhaupt jemand diesen Balanceakt mit scharfer Ironie und bissigem Humor erfolgreich meistern kann, dann sind es wohl die Briten. Four Lions hat es jüngst vorgemacht wie sich mit den Mitteln der Komödie auch kontroverse Themen durchdringen lassen. Ähnlich unverkrampft, dabei aber im Ton nicht ganz so radikal und schrill ähnelt das Konzept von Autor und Komiker David Baddiel dem der auch hierzulande in den Programmkinos äußerst erfolgreichen Islamisten-Satire. Baddiel schrieb seinem Hauptdarsteller Omid Djalili die Rolle praktisch auf den Leib. Der britisch-iranische Schauspieler und Stand-up-Comedian, dessen eigene, von der BBC produzierte TV-Serie auch schon im deutschen Fernsehen ausgestrahlt wurde, verkörpert bravourös den eigentlich bemitleidenswerten Mahmud, der nicht weiß, wie ihm geschieht. Als etwas tollpatschiger Riese mit einem (viel zu) großen Herz kämpf er sich durch jeden nur erdenklichen Fettnapf.

Der deutsche Verleih weckt bereits mit dem Titel gewisse Assoziationen zu Dani Levys Erfolgskomödie Alles auf Zucker und in der Tat scheint diese Analogie berechtigt. Nicht nur spielt Alles koscher! zu einem wesentlichen Teil ebenfalls im jüdischen Milieu, in das sich Mahmud alias Sonny plötzlich neu einfinden muss, auch Mahmuds verzweifelte Anstrengungen wahlweise besonders jüdisch oder muslimisch zu erscheinen, sind mit denen Jacky Zuckers durchaus vergleichbar. Dahinter steht immer die Frage, wer man ist und welche kulturelle Identität man in sich trägt. Es fällt auf, dass Baddiels Skript die wenigen, besonders bösen Pointen recht einseitig verteilt. Diese zielen meist auf den Holocaust und wie dieser bis heute das Selbstverständnis der jüdische Community prägte. Gegenüber dem Islam gibt sich der Film hingegen deutlich zahmer. Zusammen mit dem etwas zu sehr auf Konsens bedachten Finale ist es der einzig echte Kritikpunkt, den man dieser insgesamt gelungenen, erfrischenden Ethno-Comedy unterbreiten kann.

Für Programmkino.de.

Transformers 3 - Blech in drei Dimensionen

2011-06-30T15:27:00.002+02:00

USA 2011

++

Der Krieg zwischen Autobots und Decepticons lieferte für Action-Regisseur Michael Bay bereits zum dritten Mal die Vorlage für eine gewaltige Effekt- und Materialschlacht, in der es allein auf die Zurschaustellung glänzender Oberflächen und schöner Menschen ankommt. Auch dieser Transformers ist von der ersten bis zur letzten Minute ein durchgestyltes Hollywood-Produkt - im Guten wie im Schlechten. Weiter geht's auf Koeln.de.

Die Frau, die singt - Spurensuche

2011-06-29T13:18:00.003+02:00

KAN 2009

+++1/2

Kanadas Beitrag für den diesjährigen „Best Foreign Language Film“ schickt den Zuschauer in ein von Krieg und Hass gezeichnetes Land. Zwei Geschwister begeben sich nach dem Tod ihrer Mutter auf eine emotionale Spurensuche, die eine unglaubliche Tragödie offenbart. Die Frau, die singt ist ein Ausnahmefilm, gleichermaßen Familienchronik wie Zeitportrait. Ein packendes Drama und ein zurückhaltend bebilderter Thriller, der niemanden kalt lassen dürfte.

Filmkritik:

Die Frau, die singt ist ein ziemlich harmloser und unscheinbarer Titel für einen Film, der den Zuschauer von Beginn an gefangen nimmt und ihn auf eine in vielerlei Hinsicht extreme Reise schickt. Diese reicht in ihrem Ursprung nicht nur vierzig Jahre und damit fast eine ganze Generation zurück, sie führt uns auch in eine Gegend, über die wir fast täglich Berichte in den Abendnachrichten hören und die für die meisten für uns doch undurchschaubar bleibt. Gemeint ist der Nahe Osten, dessen Geschichte untrennbar mit religiösen Konflikten bis hin zum Bürgerkrieg verbunden ist. Wie sehr die Ereignisse der Vergangenheit bis in die Gegenwart reichen, erfahren die Zwillinge Jeanne (Mélissa Désourmeaux-Poulin) und Simon Marwan (Maxim Gaudette) an dem Tag, an dem das Testament ihrer verstorbenen Mutter Nawal (Lubna Azabal) eröffnet wird.

Als Notar Lebel (Rémy Girard) ihnen zwei Briefe übergibt – einen für ihren Vater, von dem sie glaubten, er sei längst tot und einen für ihren Bruder, von dessen Existenz die Geschwister bisher überhaupt nichts wussten – schießen ihnen Tausend Gedanken durch den Kopf. Während Simon den letzten Willen seiner Mutter am liebsten ignorieren möchte, ist seine Schwester fest entschlossen, in die Heimat ihrer Eltern zu reisen, um vor Ort das Rätsel ihrer so verschlossenen und verschwiegenen Mutter zu lösen. Es ist eine schmerzhafte, erschütternde Geschichte, in der Hass, Krieg und Fanatismus die Menschen für immer zu zerstören drohten.

Die Frau, die singt ist kein leichter Film, aber einer, der es allemal wert ist, sich mit ihm und seiner Agenda intensiv auseinanderzusetzen. Der diesjährige kanadische Oscar-Beitrag für den „Besten fremdsprachigen Film“ liefert in klaren, fast schon naturalistischen Bildern eine gleichermaßen soziale wie individuelle Kartografie des Nahen Ostens. Das Schicksal des Einzelnen – in diesem Fall das von Simons und Jeannes Mutter – scheint dabei untrennbar mit den gewaltsamen politischen Umbrüchen jener Zeit verbunden. Dass nur die Namen kleiner Orte oder Städte erwähnt werden und man somit nicht immer gleich auf ein bestimmtes Land schließen kann, dürfte Absicht sein. Auch wenn viele Hinweise auf den Libanon deuten, die Heimat des Schriftstellers und Theaterregisseurs Wajdi Mouawad, der die teils autobiografische Vorlage zu Die Frau, die singt lieferte, beschreibt der Film ein düsteres Szenario, das letztlich überall spielen könnte und das bis heute leider immer noch hochaktuell ist. Dazu reicht es, nur einmal Richtung Nordafrika, Syrien oder Iran zu gucken.

Regisseur Denis Villeneuve ging mit der Entscheidung für zwei sich abwechselnde Erzählebenen ein nicht unerhebliches Wagnis ein. Was nur zu leicht als ein verkopftes und dabei lebloses Drehbuchkonstrukt hätte enden können, ergibt sich hier gewissermaßen organisch aus den unterschiedlichen Perspektiven der Mutter und ihrer Kinder. Die Authentizität des Gezeigten stellt man als Zuschauer nie in Frage. Dafür sorgen neben der schnörkellosen Kameraarbeit auch die vielen Laiendarsteller, deren Alltag und Lebensumstände immer wieder in kleinen, unaufdringlichen Beobachtungen thematisiert wird. Man hat das Gefühl, dass der Film ganz genau weiß, was er erzählen will, und dass sein Regisseur dieses Anliegen in die vielleicht einzig dafür denkbare Form übersetzte.

Die Entwicklung der Geschichte ähnelt indes einer detektivischen Spurensuche. Anstatt die Ereignisse wie ein allwissender, passiver Beobachter aus der Distanz zu überblicken, kommt der Zuschauer zusammen mit Jeanne und Simon der grausamen Wahrheit Puzzleteil für Puzzleteil auf die Spur. Über diesen Ansatz gelingt es Villeneuve, die Spannung bis zum Ende zu halten und den Film überdies zu einem emotionalen wie klugen Abschluss zu bringen, der sogar einen deutlichen Hoffnungsschimmer beinhaltet. Es ist niemals zu spät, den scheinbar ewigen Kreislauf aus Gewalt und Hass zu durchbrechen.

Für Programmkino.de.

Bad Teacher- Die Cameron-Diaz-Show

2011-06-23T16:37:00.002+02:00

USA 2011

++1/2

Der Pädagoge als Vorbild. In dieser locker-leichten Hollywood-Komödie wird das Ideal des ehrenwerten, tugendhaften Lehrers mal eben um 180-Grad gedreht. Cameron Diaz unterrichtet nicht nur nach recht unorthodoxen Methoden, auch sonst will sich ihre unverschämte Schönheitsprinzessin nicht so recht in das Umfeld einer biederen Mittelschule einfügen. Weiterlesen auf Koeln.de.

The Bang Bang Club - Auf der anderen Seite des Bildes

2011-06-22T19:41:00.002+02:00

SA/KAN 2010

++1/2

Wie gefährlich der Job eines Kriegsfotografen sein kann, zeigte erst kürzlich der tragische Tod des Dokumentarfilmers Tim Hetherington (Restrepo). Die kanadisch-südafrikanische Co-Produktion The Bang Bang Club gibt den Menschen, deren Bilder unsere Sicht auf viele Krisenregionen dieser Welt prägen, ein Gesicht. Authentisch, hart und ohne eine moralische Wertung betrachtet der Film einen Beruf, der nicht selten unglaubliche persönliche Opfer verlangt.

Filmkritik:

Mit dem Ende der Apartheid brachen in Südafrika Anfang der neunziger Jahre heftige Unruhen zwischen den Anhänger des von Nelson Mandela angeführten ANC (African National Congress) und der Inkatha Freedom Party (IFP) aus. Beide Gruppen nahmen für sich in Anspruch, die Anliegen der lange Jahrzehnte unterdrückten farbigen Bevölkerung Südafrikas zu vertreten. Tatsächlich standen hinter ihnen zunächst bestimmte Volksgruppen – die der Xhosa und der Zulus –, deren blutige Kämpfe vor allem in den Townships für Tausende Tote verantwortlich waren. In diese bisweilen unübersichtliche Kampfzone wagten sich immer wieder die vier Fotoreporter des „Bang Bang Clubs“. Für eine gute Aufnahme riskierten Kevin Carter (Taylor Kitsch), Greg Marinovich (Ryan Phillipe), Ken Oosterbroek (Frank Rautenbach) und João Silva (Neels van Jaarsfeld) regelmäßig ihr Leben. Der Lohn ihrer Arbeit waren nicht zuletzt zahlreiche Auszeichnungen. So erhielten Carter und Marinovich beide den renommierten Pulitzer-Preis.

Weniger Beruf als Berufung, ist die Arbeit der vier Ausnahmefotografen für jemanden, der lediglich das Resultat, aber nicht die Entstehungsgeschichte kennt, nur schwer einschätzbar. Sowohl den Motiven der Männer als auch ihrem Einsatz für jedes einzelne Bild versucht The Bang Bang Club zumindest etwas näher zu kommen. Regisseur Steven Silver war zuvor vor allem als Dokumentarfilmer tätig, was sich im Stil und Blickwinkel seines Films erkennbar widerspiegelt. Erschreckend real wirken viele der Aufnahmen aus den Townships von Soweto und Thokoza, in denen zum Ende des Apartheid-Regimes ein hasserfüllter Bürgerkrieg tobte. An dieser Stelle macht es sich schließlich bemerkbar, dass der Dreh weitgehend an Originalschauplatzen um Johannesburg und in Zusammenarbeit mit den dortigen Bewohnern stattfand. In authentischen, immer wieder von Gewalteruptionen durchdrungenen Bildern fängt The Bang Bang Club ein außerhalb Südafrikas nur wenig bekanntes Kapitel Zeitgeschichte ein.

Mehr noch als Mahnung und Erinnerung an das, was gerade einmal vor zwei Jahrzehnten dort geschah, beschreibt der Film jedoch die Arbeit der Kriegsfotografen. In dem wir zusammen mit dem ehrgeizigen Rookie Greg Marinovich diese verschworene Gemeinschaft kennenlernen, wird der von Ryan Phillipe verkörperte Nachwuchsfotograf zu der Figur, der wir den gesamten Film über am nächsten sind und kommen. Im Gegensatz dazu bleibt insbesondere „Club-Chef“ Kevin Carter ein Mysterium. Mit seiner unangepassten, rebellischen Attitüde, seinen regelmäßigen Drogentrips und Abstürzen ähnelt er – bzw. Taylor Kitschs Interpretation – mehr einem unglücklichen, depressiven Rockstar. Sein beruflicher Erfolg ist letztlich (zu) teuer erkauft. Am Ende kann er nicht anders, als Selbstmord zu begehen, um so für immer den eigenen Bildern und Erinnerungen zu entfliehen.

Das moralische Dilemma dieser Männer, einerseits unglaubliches Leid zu dokumentieren und es so für die Welt sichtbar zu machen, andererseits passive Beobachter zu bleiben, legt den Finger in eine tiefe Wunde. Es ist der Gegensatz, an dem Carter zerbricht und der seine Weggefährten ein Leben lang beschäftigen wird. Silver verzichtet bewusst auf ein finales Urteil. Stattdessen beschränkt er sich darauf, die Gefahren auch abseits der eigentlichen Einsätze zu benennen. So produziert der schnelle Ruhm bei allen Beteiligten viel zu große Egos. Es ist dieser Perspektivwechsel, den The Bang Bang Club so besonders macht. Plötzlich sehen wir hinter das Motiv und blicken auf das, was auf der anderen Seite des Objektivs ansonsten im Verborgenen bleibt.

Für Programmkino.de.

Kaboom - It's the end of the world

2011-06-21T20:08:00.002+02:00

USA/F 2010

+++1/2

Es ist eine wilde Mischung aus College-Satire, Softporno und Science-Fiction, die uns Independent-Filmer Gregg Araki (Mysterious Skin) in seinem neuen Film Kaboom um die Ohren haut. Der wahnwitzige, mitunter an Trash-König John Waters erinnernde Trip schert sich dabei weder um die Sehgewohnheiten des Mainstreams noch um die Einordnung in ein bestimmtes Genre. Stattdessen bietet Arakis mit vielen attraktiven Jungstars besetzte Wundertüte reichlich nackte Haut, Sex in wechselnden Konstellationen und ein denkwürdiges Finale.

Filmkritik:

Mit seinen 18 Jahren befindet sich der smarte Filmstudent Smith (Thomas Dekker) auf einer spannenden Entdeckungsreise, deren Ausgang Independent-Filmer Gregg Araki mit einem lauten Knall und dem vermeintlichen Ende der Welt as we know it als hinreißend absurde Pointe beschließt. Das College-Leben, das Kaboom beschreibt, wirkt wie eine Persiflage auf Arakis eigene Teenage-Apocalypse-Trilogie aus den Neunzigern und bekannte, biedere Hochglanzserien wie O.C. California. Wenn Smith nicht gerade einen Kurs oder eine Vorlesung besucht, vergnügt er sich mit wechselnden Partnern beiderlei Geschlechts, geht auf schräge Partys, schmeißt sich Drogen ein oder lässt seine hormongesteuerte Fantasie in sexuell aufgeladenen Tagträumen freien Lauf.

Die bizarren Ereignisse, die Smiths ziemlich promiskuitives Leben gehörig auf den Kopf stellen, haben ihren Ausgangspunkt in einer unheimlichen und zunächst nur schwer verständlichen Begegnung. Eines Nachts glaubt er, auf dem Campusgelände drei Männer mit Tiermasken bei der Entführung und Ermordung einer jungen Frau zu beobachten. Auch träumt er immer wieder ein und denselben merkwürdigen Traum, in dem fremde Menschen ihn seltsam anstarren (vielleicht weil er darin nackt ist?). Als er wenig später auf einer Party einigen dieser Personen tatsächlich begegnet, weiß er nicht, was das zu bedeuten hat. Abgesehen von diesen teils doch recht beunruhigenden Vorfällen finden in Smiths Umfeld aber auch einige durchaus angenehme Veränderungen statt. So ist sein neuer Mitbewohner Thor (Chris Zylka) ein blonder, durchtrainierter dabei aber – aus Smiths Sicht – leider durch und durch heterosexueller Surferboy, der sich allein für seinen Sport, hübsche Mädels und das eigene Geschlechtsteil zu interessieren scheint.

Araki ist hier ganz in seinem Element. Mit einer unbändigen Freude am Experimentieren, am Mischen von Genres und Stimmungen bringt er in Kaboom sein Faible für queere Geschichten mit einem wunderbar ironischen, ziemlich durchgeknallten Mystery-Plot zusammen. Das wirkt bisweilen so, als habe John Waters das Remake eines David-Lynch-Films gedreht. Anders ausgedrückt: Obwohl die einzelnen Teile nie richtig zueinander passen, unterhält uns Araki bestens mit seinen schrägen, erotischen College-Anekdoten. Vor allem die geschliffenen Dialoge, in denen von ungewöhnlichen Liebeskonstellationen über schmutzigen Sex bis hin zu seltsamen Drogenerfahrungen all das verhandelt wird, was dem konservativen Amerika offenkundig ein Dorn im Auge ist, fungieren als Taktgeber dieser rastlos erzählten Groteske.

Ebenso kann man sich bei Araki nie wirklich sicher sein, was tatsächlich als Nächstes passiert. Grundsätzlich scheinen hier mit Ausnahme der Schwerkraft nahezu alle Regeln und Gesetzmäßigkeiten – auch die des Filmemachens und einer logischen Narration – aufgehoben. Da wundert es irgendwann auch nicht, dass sich Smiths lesbische Freundin Stella (Haley Bennett) in eine echte Hexe verknallt, die nach der Trennung als resolute Stalkerin ihrem Love Interest hinterher jagt. Auffallend freizügig und damit gänzlich unamerikanisch gibt sich Kaboom, den man vermutlich am ehesten als Sex-Science-Fiction-Mystery-Satire umschreiben könnte. Wer sich darunter einfach nichts vorstellen kann, sollte sich schleunigst ein Ticket lösen. Und alle anderen natürlich auch.

Für Programmkino.de.

Kung Fu Panda 2 - A New Beginning

2011-06-18T11:31:00.002+02:00

USA 2011

+++

Drei Jahre nach seinem ersten Auftritt kehrt der vielleicht knuffigste Panda der Filmgeschichte nun mit all seinen Freunden und der Garantie auf ein familienfreundliches Animationsspektakel zurück. Die Fortsetzung setzt dabei mehr auf rasante Action, bleibt aber ansonsten dem Erfolgsrezept des unglaublich populären Erstlings treu. Weiterlesen auf Koeln.de.

The Tree of Life - Alles oder nichts

2011-06-15T14:33:00.002+02:00

USA 2011

+++1/2

Sinnsuche, Familiengeschichte, Erinnerungsfragment. Der neue Film von Regie-Mystiker Terrence Malick ist all das und noch viel mehr. Getragen von sinnlichen, epischen Bildern und ohne eine durchgängige Handlung sucht The Tree of Life Antworten auf elementare Fragen. Wo komme ich her? Wo gehe ich hin? Malick blickt auf den scheinbar ewigen Widerstreit zwischen der Unbarmherzigkeit der Natur und einer gütigen, beinahe gottähnlichen Gnade. Sein Credo ist eindeutig. Beides steckt in uns, beides sind wir. Dafür gab es in Cannes nun völlig zu Recht die „Goldene Palme“.

Filmkritik:

Der Anfang und das Ende, das ganz Kleine und das ganz Große, der Einzelne und die gesamte Menschheit. Es scheint nahezu unmöglich, in nur einem Film einen solchen Bogen zu schlagen, der von der Entstehung unseres blauen Planeten bis zu dessen Ende reicht, und doch ist es genau das, was Regie-Mystiker Terrence Malick in seinem jüngst in Cannes mit der „Goldenen Palme“ ausgezeichneten Opus Magnum The Tree of Life versucht. Auch wenn Malicks Faible für das Kontemplative, für meditative Bilder und eine unkonventionelle Erzählhaltung hinlänglich bekannt ist, gelingt es ihm, uns zu überraschen und zu überwältigen. Man ist ganz einfach sprachlos ob der Schönheit und Eleganz dieses Kunstwerks.

Als ein solches lässt es sich nur bedingt anhand der gängigen Kriterien beurteilen. Malicks Film polarisiert – das ließ sich schon in Cannes beobachten, als The Tree of Life Buhrufe aber auch reichlich Applaus erntete –, was allein noch kein Qualitätsmerkmal wäre. Allerdings brennen sich diese 138 Minuten wie kaum ein anderes Werk der letzten Zeit in unser Gedächtnis ein. Mal sind es einzelne Bilder, mal ganze Sequenzen über die uns Malick immer wieder tief in seinen philosophischen Kaninchenbau zieht. Und dort gelten andere Gesetze. Sogar die Schwerkraft scheint mitunter aufgehoben, wenn Jessica Chastain in ihrer Maria-Interpretation engelsgleich über dem Erdboden schwebt und damit eindeutige Assoziationen hervorruft.

Mehrdeutig erscheint vieles von dem, was Malick hier in konsequent ästhetisierten Aufnahmen von Mensch und Umwelt erzählt. Emmanuel Lubezkis Kamera gleitet mehr, als dass sie nur bewegt wird. Dabei geht der Blick stets nach oben, entlang des titelgebenden Baumes in den offenen Himmel, wo manch einer Gott oder eine andere allmächtige Instanz vermutet. Für Malick ist Gott augenscheinlich überall, wobei die Schönheit der Natur für ihn das sichtbarste Indiz seiner Existenz zu sein scheint. Zu sakralen Klängen und klassischer Musik findet der Film zu seinem ganz eigenen Herzschlag. Es ist ein Rhythmus, auf dem man sich zugegeben einlassen muss. Die gehauchten Voice-over-Passagen, in denen losgelöst von der ohnehin nur rudimentär vorhandenen Handlung die Einheit von Mensch und Natur beschworen wird, vervollständigen Malicks Versuchsanordnung.

Das Interessante an The Tree of Life ist, dass der Film dank seiner Stars Brad Pitt und Sean Penn (letzterer nur in einer Nebenrolle) auch außerhalb Malicks Anhängerschaft wahrgenommen werden dürfte. Was aus dieser Begegnung von Filmkunst und Mainstream resultiert, ist spannend und kaum vorhersehbar. Allerdings ist die Gefahr groß, dass Malicks meditativer Symbolschatz vor allem auf Unverständnis und Ablehnung stößt, zu sperrig und speziell ist seine Version vom Anfang und Ende der Zeit. Wenn der Film nach der ersten Begegnung mit der amerikanischen Vorzeigefamilie der O’Briens – ein strenger Vater (Pitt), eine ausgleichende, sanftmütige Mutter (Chastain) und drei lebhafte Söhne – für ein fast halbstündiges, unkommentiertes Intermezzo an den Ursprung unserer Erde samt Vulkanausbrüchen, Meeresrauschen und Dinosaurier zurückspringt, wird nur ein Teil des Publikums gewillt sein, diese faszinierende Reise auch wirklich anzutreten.

Man muss Malicks Mut und Geradlinigkeit bewundern, den Konventionen des Kinos und seiner Vermarktung immer wieder zu trotzen. Doch nur so können letztlich neue Räume entstehen, in denen kein Konformitätsdruck herrscht. The Tree of Life ist trotz aller Größe und Epik jedoch auch ein sehr persönlicher Film, der auf Kindheitserfahrungen aufbaut und diese mit existenziellen Fragen verknüpft. In den bruchstückhaften Impressionen aus dem Amerika der fünfziger Jahre verarbeitete Malick erkennbar eigene Erinnerungen, deren Bedeutung sich für uns nicht immer erschließt. Gleichwohl schafft er es – und das ist kein leichtes Unterfangen – , dass wir in diesen Augenblicken an unsere eigene Jugend und Kindheit zurückdenken, an einzelne Erlebnisse, Bilder, Gerüche. Bis zum Schluss, der alle Charaktere an einem mystischen Strand (das Jenseits?) aufeinandertreffen lässt, bewahrt sich Malicks Film dabei eine überwältigende Sinnlichkeit und Poesie.

Für Programmkino.de.

X-Men: Erste Entscheidung

2011-06-10T08:42:00.002+02:00

USA 2011

+++

Auch die X-Men sind im Fortsetzungsfieber. Wobei so ganz stimmt das nicht. Denn der vierte Film der populären Comic-Reihe ist streng genommen ein Prequel, in dem die Vorgeschichte der späteren Kontrahenten Professor Xavier und Magneto beleuchtet wird. Bryan Singer, Regisseur der ersten beide Teile, kehrte als Produzent zurück, der Brite Matthew Vaughn (Kick-Ass, Der Sternwanderer) übernahm die Regie. Weiter auf Koeln.de.

Hangover 2 - One Night in Bangkok

2011-06-02T12:14:00.003+02:00

USA 2011

+++

Das Wolfsrudel ist zurück und mit ihm eine erneut aberwitzige und ziemlich pubertäre Puzzlejagd nach einem ausufernden Junggesellenabschied samt Totalabsturz. Der Nachfolger zum Überraschungshit des Jahres 2009 verzichtet auf jegliche Experimente und setzt dafür lieber auf die erprobte Mixtur aus zotigen Späßen und überdrehter Comedy. Weiter geht's auf Koeln.de.

Die Relativitätstheorie der Liebe - 5x2

2011-05-30T09:04:00.002+02:00

D 2011

++1/2

Zwei Schauspieler, vier Paare, zehn Rollen. So lautet kurzgefasst das Konzept dieser deutschen Liebeskomödie, in der Olli Dittrich und Katja Riemann einmal mehr ihre enorme Wandlungsfähigkeit unter Beweis stellen. Ein Experiment letztlich ohne allzu große Risiken. Weiterlesen auf Koeln.de.

Wer ist Hanna? - Live & Kill

2011-05-25T10:52:00.003+02:00

USA/GB/D 2011

+++1/2

Ein Teenager und sein Vater werden von einer resoluten, eiskalten Geheimdienstagentin und ihren Schergen durch halb Europa gejagt. Aus dem vertrauten Grundriss bekannter Agententhriller erschafft der britische Filmemacher Joe Wright (Abbitte) ein rasantes, verspieltes und hochemotionales Stück Kino, das sich nur schwer in die Vorgaben eines bestimmten Genres einordnen lässt. Wer ist Hanna? verknüpft Elemente des Actionfilms mit Coming-of-Age-Anteilen und den Zutaten eines dunklen Märchens. Ein Erfolg auf ganzer Linie.

Filmkritik:

Hanna (Saoirse Ronan) ist so ziemlich das Gegenteil eines normalen Teenagers. Dieses Anderssein erklärt sich bereits mit dem Ort, an dem sie aufwächst. Sie und ihr Vater Erik (Eric Bana) leben in einem kleinen Holzhaus mitten im Nirgendwo, genauer in den meist schneebedeckten Wäldern nahe des Polarkreises. Während andere Mädchen in ihrem Alter sich das erste Mal vorsichtig für Jungs zu interessieren beginnen, geht sie auf die Jagd nach Rentieren. Ihr Wissen über die Welt da draußen gründet sich nahezu ausschließlich auf die Erzählungen ihres Vaters. Hanna erscheint hungrig auf neue Erfahrungen und Begegnungen. Beim Anblick eines Flugzeugs packt sie endgültig das Fernweh. Sie will fort, auch wenn sie weiß, dass sie sich dadurch in große Gefahr begibt.

Die Gefahr erscheint jedoch zunächst weit weg und ist für Hanna nur in Gegenstand eines kleinen, unscheinbaren Ortungsempfängers sichtbar. Um von hier wegzukommen, muss sie dessen Peilsender aktivieren. Es ist der Beginn einer atemberaubenden, schweißtreibenden zugleich aber auch immer faszinierenden Hatz quer durch Europa, bei der sie und ihr Vater versuchen, auf getrennten Wegen an den zuvor ausgemachten Treffpunkt zu gelangen. Gejagt wird das Duo von mächtigen Verfolgern. Die resolute Geheimdienstlerin Marissa Wiegler (Cate Blanchett), die es augenscheinlich vor allem auf Hannas Vater abgesehen hat, will einen Erfolg um jeden Preis. Zu brisant erscheint das Geheimnis, dass in der DNA des Mädchens verborgen liegt.

Die Dynamik und Spannung, die Joe Wrights Wer ist Hanna? von Beginn an ausstrahlt, ist selbst im Suspensekino eine Seltenheit. Dabei setzt der bislang nicht gerade im Actionfach anzutreffende Regisseur von Filmen wie Stolz und Vorurteil und Abbitte weniger auf aufwändige Materialschlachten denn auf faszinierende Charaktere und die Kraft einer mitreißenden, gleichwohl recht geradlinigen Story. Im Mittelpunkt steht dabei die 16-jährige Hanna. Mit einer Mischung aus Ronja Räubertochter und Lara Croft verkörpert Abbitte-Entdeckung Saoirse Ronan ihren physisch überaus anspruchsvollen Part. Ihr gelingt das Kunststück, dass wir das Interesse an Hanna nie verlieren. Schon in ihren Augen spiegelt sich Hannas faszinierende Wildheit und Kompromisslosigkeit, die beide als Motor und Antriebskraft des Films über die ganzen 110 Minuten hinweg glänzend funktionieren. Aber auch ihre Gegenspieler – und da vor allem Cate Blanchetts eiskalte Vater-Tochter-Jägerin – entwickeln in diesem erbarmungslos geführten, tödlichen Katz-und-Maus-Spiel eine beeindruckende Durchschlagskraft.

Meisterhaft ist schließlich auch die Verpackung. Die Ideen, die Wer ist Hanna? in Bezug auf die Gestaltung von Bild, Ton und Schnitt durchziehen, sind mit dafür verantwortlich, dass sich die Geschichte so vehement in unser Gedächtnis einbrennt. Wright erschafft ein intensives Kinoerlebnis aus schnellen und bewusst entschleunigten Passagen, aus einerseits kinetischen Verfolgungssequenzen, die von den harten Bässen der „Chemical Brothers“ und einer vollkommen entfesselten Montage angetrieben werden, und andererseits ruhigen, intimen Momenten, in denen wir das Mysterium Hanna zu entschlüsseln versuchen. Die Choreografie der einzelnen, sehr harten und direkten Actioneinlagen setzt auf Handgemachtes und verzichtet gleichzeitig auf die schon länger ziemlich angesagte Wackeloptik – ein Segen und eine Seltenheit. Nicht fehlen darf bei Wright hingegen ein längerer One-Take-Shot, den man nach Abbitte fast schon als sein Erkennungszeichen definieren könnte.

Wer ist Hanna? ist letztlich ein Arthousefilm im Gewand eines rasanten Agententhrillers. Dort, wo andere Vertreter des Genres keinen Tiefgang, keine Seele und kein Gefühl entwickeln, schlägt hier ein vitales, sperriges und bisweilen finsteres Herz, das sich nur schwer bändigen oder in Kategorien einordnen lässt. Wrights visuell aufregender Trip quer durch Europa und Nordafrika – Hannas Abenteuer beginnt am Polarkreis und geht von dort aus über Marokko, Südspanien und Frankreich weiter bis nach Berlin – beinhaltet zwar manche Züge eines verschachtelten Geheimdienststücks, viel mehr als das ist er aber ein dunkles Märchen, in dem der böse Wolf ein besonders gerissenes Rotkäppchen jagt. Spätestens mit dem surrealen Finale in einem geschlossenen Freizeitpark dürfte klar sein, dass diese „Hanna“ mehr von den Gebrüder Grimm als von Jason Bourne in sich trägt.

Für Programmkino.de.

Fluch der Karibik - Fremde Gezeiten

2011-05-20T13:47:00.003+02:00

USA 2011

+1/2

Bereits zum vierten Mal segelt Johnny Depp als exzentrischer Captain Jack Sparrow über die Weltmeere. Der berühmteste Pirat der Filmgeschichte tritt dabei wie gewohnt von einem Fettnäpfchen ins nächste, was inzwischen leider lustiger klingt als es ist. Mit von der Partie sind dieses Mal auch einige neue Gesichter. Weiterlesen auf Koeln.de.

Arthur - The Best Things in Life are Free

2011-05-09T09:26:00.002+02:00

USA 2011

++

Der Sprössling einer schwerreichen Unternehmerdynastie will sich nicht so recht in die Tradition der Familie einfügen. Schlimmer noch: Er trinkt, feiert exzessive Partys und ist auch sonst kein Kind von Traurigkeit. Es scheint, als habe der britische Star-Comedian Russell Brand seine Traumrolle gefunden. Weiter geht's auf Koeln.de.

Scre4m - Zeitreise in die Neunziger

2011-05-05T12:25:00.002+02:00

USA 2011

+++

Wie schnell die Zeit vergeht. Fünfzehn Jahre ist es mittlerweile her, als zum ersten Mal ein maskierter Schlitzer das kleine, beschauliche Woodsboro heimsuchte. Mit Scream, dieser selbstreflexiven und höchst unterhaltsamen Spiegelung des Slasher-Genres, löste Horrorveteran Wes Craven Mitte der Neunziger eine neue Hysteriewelle im davor ziemlich tot geglaubten Genrekino aus. Die Schwemme an Teenie-Gruselfilmchen, von denen manche wie Ich weiß, was Du letzten Sommer getan hast noch akzeptabel, viele andere dagegen vollkommen ungenießbar waren, machte deutlich, wie erfolgreich Cravens Wiederbelebungsversuch letztlich war. Es folgten zwei Fortsetzungen, in denen das Spiel mit Genrezitaten und –regeln auf die Spitze getrieben wurde. So bekamen Ghostface und seine Opfer sogar einen Film-im-Film spendiert. „Stab“ hieß das Ding und wurde laut den Credits im Vorspann von Möchtegern-Grindhouse’ler Robert Rodriguez inszeniert.

Nun also der vierte Streich und der beginnt gleich so, wie man es im besten Falle von Cravens Meta-Slasher erwarten durfte. Dabei geben die ersten Minuten auch gleich die Richtung vor, in die Scre4m marschieren soll. Der Spaßfaktor wurde wie schon im Vorgänger deutlich ausgebaut, wodurch sich die Reihe immer mehr von ihrer noch aus den ersten beiden Teilen gewohnten, recht geradlinigen Slasher-Handlung entfernt. Für Spannung und durchaus überraschende Schockmomente ist zwar weiterhin gesorgt, die Lust am Zitat, am Ich-bezogenen Gedankenspiel überwiegt jedoch dieses Mal um Längen. Mit jeder Einstellung blinzelt uns diese unbändige Freude, die Craven und sein Autor Kevin Williamson augenscheinlich beim Schreiben und dann auch beim Dreh gehabt haben müssen, entgegen. Alles atmet hier Filmgeschichte und alles funktioniert zugleich wunderbar als liebevoll-ironischer Kommentar auf das Genre, das Craven bis zum heutigen Tag entscheidend mitprägt.

Der Schrecken für die Bewohner von Woodsboro beginnt mit dem Jahrestag der gruseligen Ereignisse aufs Neue. Ghostfaces „Lieblingsopfer“ Sidney Prescott (Neve Campbell) ist gerade in ihren Heimatort zurückkehrt, um ihren Selbsthilferatgeber vorzustellen, da greift der maskierte Schlitzer erneut zum Messer. Sidneys Umfeld scheint von da an in höchster Gefahr. Vor allem auf ihre Cousine Jill (Emma Roberts) und deren Freunde hat es der Killer ganz offensichtlich abgesehen. Welches Motiv er dabei genau verfolgt, ist zunächst unklar. Jeden kann es treffen. Sogar die alten Haudegen sind nicht länger sicher. Während Ghostfaces überraschendes Comeback für Sheriff Dewey (David Arquette) und seine neue Kollegin Deputy Hicks (Marley Shelton) jede Menge Überstunden bedeutet, wecken die Morde in Deweys Frau, Ex-Reporterin Gale Weathers (Courteney Cox), ihren journalistischen Jagdinstinkt.

Mehr über die Story von Scre4m zu verraten, wäre unfair und vermutlich auch nicht in Cravens Sinne. Obwohl der Film im Gegensatz zu vielen Genrekollegen und Scream-Rip-offs weit mehr als ein nacktes Whodunit-Konstrukt anzubieten hat, trägt das Knobeln und Rätseln über die Identität des Maskenmannes doch erheblich zum durchweg hohen Unterhaltungswert dieser weit überdurchschnittlichen Fortsetzung bei. Falsche Fährten gibt es genug, womit Teil vier sowohl die Tradition der Reihe als auch die des Genres konsequent fortsetzt und bedient. Genauso akribisch wurden von Williamson die Gesetzmäßigkeiten des Horrorkinos in den gerade zum Ende hin herrlich absurden Plot eingebaut. Die Liebe zum Detail, zum cineastischen Erbe und insbesondere zu den Figuren, die uns wie Dorf-Sheriff Dewey über all die Jahre ans Herz gewachsen sind, hebt Scre4m mehr als jede zugegeben nette Spielerei mit doppelten und dreifachen Böden aus der oftmals viel zu trüben und fantasielosen Masse des Slasherfilms heraus.

Natürlich lässt sich Teil vier ohne Vorwissen der Vorgänger ansehen und bis zu einem gewissen Punkt auch verstehen. Die meisten Bezüge weisen schließlich längst über die eigene Serie hinaus. Bereits in der genialen, weil an Ironie kaum mehr zu überbietenden Eröffnung bekommen Saw und andere Vertreter der letzten Torture-Porn-Welle auf eine sehr charmante Art ihr Fett weg. Dieses Ping-Pong-Spiel zwischen der eigenen und der Historie des Genres geht fortan munter weiter, wobei Williamson all das in messerscharfe und intelligente Dialoge verpackt. Manch ein Satz dürfte so noch in zehn Jahren zitiert werden. „You forgot one rule about remakes: Don’t fuck with the original!“ hätte sich vermutlich auch als Tagline gut gemacht.

Im Film wird die neue Scream-Garde von Emma Roberts angeführt. Sie ist zugleich das Gesicht einer Generation, die sich ganz selbstverständlich in sozialen Netzwerken wie Facebook und Twitter bewegt, was Williamson selbstredend nicht unkommentiert lässt. Schließlich war und ist „Scream“ immer auch Zeitgeist-Kino, das über den Tellerrand des eigenen Genres herausblickte. Für die Fans der ersten Stunde fühlt sich das Wiedersehen mit Neve Campbell, Courteney Cox und David Arquette hingegen fast schon wie ein Klassentreffen an. Die Helden von damals kämpfen inzwischen gegen Falten, graue Haare und erste körperliche Wehwehchen. Ghostfaces Rückkehr ist für sie und für uns das lang ersehnte „Zurück in die Zukunft“ – ein Spaß, der das Bekannte nimmt, umwirft und es zu einem etwas Neuen zusammensetzt. New decade, new rules!

Für BlairWitch.de.

Mütter und Töchter - Kreuzende Parallelen

2011-05-02T23:26:00.002+02:00

USA 2010

++1/2

Mütter und Töchter ist ein klassischer Frauenfilm - und das nicht, weil die darin verhandelten Themen Männer nicht interessieren würden. Vielmehr weist die Geschichte Männern lediglich eine Nebenrolle zu. Im Zentrum stehen stattdessen drei spannende, miteinander verwobene Frauenschicksale. Rodrigo Garcia, Sohn des Literaur-Nobelpreisträgers Gabriel Garcia Márquez, erzählt in seinem Film von der besonderen Verbindung zwischen Eltern und ihren Kindern, von einer bisweilen schmerzhaften Suche und den Bausteinen der eigenen Identität. Als ausführender Produzent fungierte Alejandro González Iñárritu (Babel).

Filmkritik:

Das Band zwischen Mutter und Tochter scheint unter allen Verwandtschaftsbeziehungen besonders eng geknüpft. So nah beisammen wie an dieser Stelle ist Familie nur selten. Ausgehend von dieser Beobachtung erzählt Rodrigo Garcia in Mütter und Töchter gleich von mehreren, recht unterschiedlichen Banden, die – obwohl abgerissen, unterentwickelt oder scheinbar überhaupt nicht existent – die Leben der mit ihnen verbundenen Eltern und Kinder auf eine sehr bestimmte Art prägen und beeinflussen. Drei Schicksale, die von Garcia zunächst isoliert betrachtet und im letzten Drittel des Films dann zueinander geführt werden, bilden das narrative Gerüst.

Für Karen (Annette Bening) liegt das Ereignis, was sie bis heute nicht losgelassen hat, inzwischen fast vier Jahrzehnte zurück. Damals, mit gerade einmal 14 Jahren, sah sie sich gezwungen, ihre Tochter zur Adoption freizugeben. Während sie unterstützt von ihrem neuen Freund Paco (Jimmy Smits) die Suche nach der mittlerweile erwachsenen Tochter wieder aufnimmt, befindet sich die erfolgreiche Anwältin Elizabeth (Naomi Watts) ihrerseits auf der Suche nach der Mutter, die sie nie hatte. Schnell ist klar, dass Karen und Elizabeth eine gemeinsame Vergangenheit teilen. Welche Rolle hingegen der jungen Lucy (Kerry Washington) zukommt, zeigt sich erst viel später. Zusammen mit ihrem Mann hat sie alles versucht, um schwanger zu werden – vergeblich. Ihre letzte Hoffnung lautet daher Adoption. Doch die Frau, die Lucys Baby auf die Welt bringen soll, plagen Zweifel, ob sie wirklich die richtige Entscheidung getroffen hat.

Über weite Strecken einfühlsam und zurückhaltend erzählt, entwirft Garcia ein stimmiges Bild von Mutterschaft in ihren unterschiedlichen Ausprägungen. Vor allem aus der Abwesenheit von Nähe und gemeinsam verlebter Zeit, die nach Garcias Meinung mehr als die rein biologische Komponente das Verhältnis von Eltern zu ihren Kindern bestimmt, ergeben sich mitunter recht komplexe Fragestellungen. Lässt sich auch nach dreißig oder vierzig Jahren eine „normale“ Mutter-Tochter-Beziehung neu aufbauen? Wie beeinflusst eine solch lange Trennung unsere Identität? Und was geschieht eigentlich mit uns, wenn wir ohne Kenntnis unserer Herkunft aufwachsen? Garcia deutet immer wieder Antworten an. So portraitiert er Elizabeth als eine entwurzelte Frau, die sich im Job vermeintlich männliche Eigenschaften aneignet und gleichzeitig in ihren Beziehungen vor jeder festen Bindung zurückschreckt. Mit dieser naheliegenden Analyse wagt sich der Film allerdings auch sehr auf hobbypsychologisches Glatteis. Vermutlich sind die wahren Folgen vielschichtiger, als dass man sie problemlos in zwei Stunden Kino verpacken könnte.

Spätestens seit L.A. Crash erfreuen sich Filme mit parallel verlaufenden Handlungssträngen und finaler Übereinkunft großer Beliebtheit. Dabei scheint es letztlich egal zu sein, wie kunstvoll ein Regisseur das im Drehbuch angelegte Puzzle am Ende auch auflöst. Der Geschichte haftet stets etwas Künstliches an, da mit Blick auf das Ende Wendungen forciert und Zusammenhänge konstruiert werden. Auch in Mütter und Töchter treten bestimmte Stellschrauben des Drehbuchs überdeutlich hervor und doch mag man hier großzügiger als in anderen Fällen über sie hinwegsehen. Das liegt zum einen an Garcias Fähigkeit, sein sehr persönliches Anliegen in lebendige, glaubhafte Charaktere einfließen zu lassen, zum anderen garantieren die Schauspieler – und da ganz besonders die zuletzt für ihre Rolle in The Kids are all right Oscar-nominierte Annette Bening –, dass man dieser Geschichte über das Suchen und Finden jederzeit mit Interesse und Empathie folgt.

Für Programmkino.de.

Thor - Bizeps und Größenwahn

2011-04-29T17:36:00.002+02:00

USA 2011

++1/2

Mit der Comic-Verfilmung Thor läutet Hollywood die diesjährige Blockbuster-Saison ein. Der vom Ehrgeiz zerfressene Königssohn wird darin von seinem Göttervater auf die Erde verbannt, wo er nicht nur seinen verloren gegangenen Hammer sondern auch seine eigentliche Bestimmung finden soll. Shakespeare-"Fanboy" Kenneth Branagh inszenierte den mit viel CGI-Bling-Bling aufgemotzten Actionspaß. Weiterlesen auf Koeln.de.

Red Riding Hood - Das Twilight-Phänomen

2011-04-26T21:26:00.002+02:00

USA 2011

+

Das alte Märchen von Rotkäppchen und dem bösen Wolf war wie so viele Märchen ein recht brutales und gruseliges Lehrstück, in dem Kindern Misstrauen und Vorsicht eingeimpft werden sollte. Das Fremde, so die nicht ganz unproblematische Moral, sei schließlich meist unheimlich, verschlagen und böse, weshalb es gilt, sich vor ihm in Acht zu nehmen. Gerne wurde statt einem gefährlichen Raubtier auch „der schwarze Mann“ als das personifizierte Böse genommen, bei dem die Kleinen laut schreien sollten, wenn sie ihn sehen. Rassismus im Kinderzimmer – aber irgendwie niedlich verpackt. Die dunklen Wurzeln der Rotkäppchen-Geschichte interessierten auch Twilight-Regisseurin Catherine Hardwicke. Da traf es sich gut, dass Fantasyerzählungen mit sanftem Gruseltouch derzeit ziemlich angesagt sind – Stephenie Meyers Vampir-Love-Story sei Dank.

In der Tat klingt die Idee auf dem Papier durchaus reizvoll. Aus dem nicht gerade friedfertigen Kindermärchen sollte ein spannender Fantasy-Thriller für Erwachsene entstehen. Setzt man hierzu den fertigen Film jedoch ins Verhältnis, so kommt man aus dem Staunen kaum mehr heraus. Denn was Hardwicke, die immerhin einmal so aufregende Jugendportraits wie Dreizehn oder Dogtown Boys inszenierte, hier abliefert, lässt sich allenfalls noch unter dem Trash-Aspekt halbwegs unfallfrei konsumieren. Nimmt man die Reaktionen der Besucher der Pressevorführung zum Maßstab, so kann leicht der Eindruck entstehen, Hardwicke habe keinen düsteren Thriller sondern eine Parodie im Stil der Scary Movie-Reihe gedreht.

Die Katastrophe beginnt bereits mit den ersten Bildern, deren brutale Künstlichkeit jedes ästhetische Empfinden mit Füßen tritt. Das kleine, beschauliche Dorf Daggenhorn, das zum Schauplatz einer mysteriösen Werwolf-Attacke werden soll, hüllte Kamerafrau Mandy Walker in ein derart verkitschtes Licht, dass jede Illusion einer echten Bedrohung noch vor ihrem Entstehen zerstört wird. Der das Dorf umgebende Wald sah selbst bei Ottos 7 Zwerge-Blackout nicht so offensichtlich nach Kulisse und Studio aus. Es hätte später schon fast alles richtig laufen müssen, um diesen ersten, nicht nur für eine Hollywood-Produktion blamablen Eindruck vergessen zu machen. Doch anstatt sich zu steigern, rutscht Red Riding Hood mit jeder Szene nur noch weiter in die Niederungen unfreiwilliger Komik ab.

Man kann – wenn man denn dazu gewillt und in der Stimmung ist – dem Ganzen durchaus einen gewissen Unterhaltungswert abgewinnen, gerade weil das Resultat so überhaupt nicht zu der eingangs erwähnten Intention eines erwachsenen Genrebeitrags passen will. Trash ist bekanntlich immer dann nur wirklich gut, wenn er sich als das unbeabsichtigte Nebenprodukt gänzlich anderer Ambitionen ergibt. So wie im vorliegenden Fall. Es ist eigentlich egal, welchen Aspekt man sich herauspickt, es findet sich kaum etwas, das nicht komplett misslungen ist. Sei es das uninspirierte Set-Design, das aus Daggenhorn eine keimfreie Disneyland-Kulisse macht, seien es die strunzdummen Dialoge, von denen manche selbst in einer Daily Soap nur mit hochrotem Kopf aufgesagt würden, oder die plumpen Anbiederungsversuche an die Twilight-Zielgruppe. Bereits die Besetzung schielt kalkuliert auf die Rollenverteilung der weltweit erfolgreichen Vampir-Saga. Wie schon Kristen Stewart bekommt es auch Amanda Seyfried als blondes Love Interest gleich mit zwei Verehrern zu tun, von denen der eine (Shiloh Fernandez) ganz offenbar als Robert-Pattinson-Double gecastet wurde.

Richtig amüsant wird es, wenn Gary Oldman die Bühne betritt und in der Rolle des eigentlichen Bösewichts eine besonders forcierte Abwandlung seiner früheren Bad-Guy-Interpretationen zum Besten gibt. Als bigotter Werwolfjäger darf er sein über die Jahre perfektioniertes Overacting auf die Spitze treiben, was ihm und uns mehr Freude als alles andere in diesem durchweg verunglückten Fantasy-Mischmasch bereitet. Wenn schließlich der irgendwie knuffige, eher an Karl der Kojote als eine wilde Kreatur erinnernde böse Wolf auftaucht, legt Red Riding Hood sein gesamtes Trash-Potenzial offen – ein CGI-Unfall in Perfektion, der sogar eine Gurke wie Van Helsing auf einmal ziemlich cool aussehen lässt.

Es fällt schwer, Hardwickes missglückten Versuch, einer erwachsenen Rotkäppchen-Variation, in Bausch und Bogen zu verdammen. Ihr Film ist letztlich ein viel zu leichtes Angriffsziel, das seine verkorksten Ideen und deren „cheesige“ Ausführung ohne ein schlechtes Gewissen ausstellt. Das mag man dann sogar auf eine gewisse Art fast schon wieder sympathisch finden.

Für BlairWitch.de.

Four Lions - Wie werde ich Terrorist?

2011-04-22T20:46:00.002+02:00

GB 2010

+++1/2

Manch ein Politiker wollte die brillante Terrorismus-Satire Four Lions im Vorfeld ihres hiesigen Kinostarts verbieten lassen. Der Film würde die ohnehin angespannte Sicherheitslage bedrohen und Islamisten zu neuen Anschlägen anstacheln. Ein absurder Vorwurf. Tatsächlich gelingt Regisseur Christopher Morris eine bitterböse, schonungslose Abrechnung mit Fanatismus und religiösem Eifer, die sich auf jede Form des Extremismus übertragen lässt. Merke: Auch ein Terrorist ist nicht vor Spott, Häme und Missgeschicken gefeit.

Filmkritik:

Christopher Morris’ kontrovers diskutierte Terrorismus-Satire Four Lions eröffnet mit einer Szene, die wir so zur Genüge aus den üblichen Droh- und Propagandavideos von Al-Quaida kennen. Junge Männer, die sich bereits als Märtyrer im Paradies sehen, kündigen in martialischen Worten und Posen ein todbringendes Attentat an. Anführer und Mastermind Omar (Riz Ahmed), sein Kumpel Waj (Kavyan Novak), der zum Islam konvertierte Barry (Nigel Lindsay) und der meist schweigsame Fessal (Adeel Ahktar) bilden eine Terrorzelle im englischen Sheffield. Ihr Ziel ist es, Tod und Zerstörung über die – wie sie uns im Westen nennen – Ungläubigen zu bringen und dem Islam damit zum Sieg zu verhelfen. Es zeigt sich jedoch, dass den Vier für ein solch ambitioniertes „Projekt“ mitunter die notwendigen Mittel fehlen.

Das beginnt schon mit dem eher peinlichen Ausflug in ein pakistanisches Terroristen-Camp, wo Omar und Waj nach einem folgenschweren Zwischenfall ihre Sachen packen und unverrichteter Dinge wieder abreisen müssen. Zurück im verhassten England beginnen sie schließlich mit der Planung für ein heimtückisches Selbstmordattentat. Bei einem Wohltätigkeits-Marathon wollen sie zuschlagen und ihren Ankündigungen endlich Taten folgen lassen. Das ist allerdings leichter gesagt als getan, immerhin sind Omar und seine Terroristen-Buddies allesamt blutige Anfänger. Aus Angst davor, entdeckt zu werden, verschlucken sie ihre SIM-Karten oder verstellen beim Kauf der Bomben-Zutaten ihre Stimme. Und zum Test des explosiven Gemischs müssen auch schon einmal unschuldige Tiere dran glauben.

Four Lions schert sich keinen Augenblick um das, was man vielleicht nicht zeigen oder worüber man sich vielleicht nicht lustig machen dürfte. Das ist seine große Qualität, wobei die konsequente Auslassung jeder politischen Korrektheit allein noch keinen guten Film ergäbe. In den äußerst treffsicheren, mitunter mehr als schwarzen Pointen – so kommt es mehr als nur einmal zu todbringenden Missverständnissen und Verwechslungen – versteckt Regisseur Christopher Morris eine ziemlich clevere Dekonstruktion von religiösem Eifer und eines offenkundig gestörten Weltbildes. Obwohl hier auf den islamistischen Terror bezogen, lässt sich die Lesart des Films auf jedwede Art von Extremismus problemlos erweitern. In allen Fällen werden Menschen instrumentalisiert, indoktriniert und mit absurden Versprechungen manipuliert.

Obgleich gewisse, besonders skurrile Einfälle ab sofort immer wieder nacherzählt und zitiert werden dürften – Fessals missglückte Versuche, eine Krähe als fliegenden Bombenkurier auszubilden, die hinreißend amateurhaften Outtakes ihrer Bekennervideos –, besteht Four Lions nicht allein aus lauten Gags. Erschreckend ist, wie selbstverständlich Omars Frau – eine Krankenschwester – den Plan ihres Mannes unterstützt. Sie versucht erst gar nicht, ihm die grausame und feige Tat auszureden. Es sind Beobachtungen wie diese, in die Morris schmerzhafte Wahrheiten über Verblendung und Fanatismus verpackt. Sein Film tritt selbstbewusst für einen säkularen Staat und eine freie Gesellschaft ein. Dass er dabei bis zum Ende sein hohes Tempo beibehält und überdies nie seinen Biss verliert, macht aus ihm eine uneingeschränkt sehenswerte Satire.

Für Programmkino.de.

Ohne Limit - Außer Kontrolle

2011-04-19T12:54:00.002+02:00

USA 2011

+++

In Ohne Limit, der von einer neuen Aufputschdroge und deren Nebenwirkungen erzählt, gleichen sich Form und Inhalt bisweilen überzeugend an. Ein erfolgloser Autor mit Schreibblockade steigt mit Hilfe einer ganz besonderen Form des Dopings zu einem Finanzgenie und Mastermind in Nadelstreifen auf. In die von Neil Burger (Der Illusionist) inszenierte Romanadaption mischen sich satirische Elemente mit Versatzstücken des Suspense- und Thriller-Genres.

Filmkritik:

Am Anfang steht ein Versprechen: Wenn Du diese Pille nimmst, dann wird sich Dein gesamtes Leben verändern. Du wirst kreativer, belastbarer, motivierter und smarter als jemals zuvor sein. Genau ein solches Wundermittel, verpackt in eine transparente und ziemlich unscheinbare Pille bringt den lange Zeit erfolglosen Autor Eddie Morra (Bradley Cooper) zurück auf die Erfolgsspur. Plötzlich ist nicht nur seine Schreibblockade verschwunden, Eddie entwickelt überdies ein geradezu übermenschliches Lern- und Erinnerungsvermögen, das es ihm erlaubt, an der Wall Street in kurzer Zeit ein kleines Vermögen zu erwirtschaften. Schließlich wird der gerissene Spekulant Carl Van Loon (Robert De Niro) auf ihn aufmerksam. Eddie soll ihm bei einem wichtigen Deal behilflich sein und eine bislang geheime Mega-Fusion vorbereiten.

Das Wundermittel ist kein Medikament, sondern eine neue Designerdroge namens NZT, die Eddies Leben fortan bestimmt. Dabei erlaubt sich der visuell berauschende Ohne Limit eine durchaus provokante These. Denn anders als die meisten Drogenfilme stellt die Geschichte zumindest anfangs vor allem die positiven Wirkungen von NZT in den Mittelpunkt. Und selbst später, als Eddies Abhängigkeit immer stärker wird, hat unser Ex-Autor und Neu-Banker weniger mit den Nebenwirkungen des Chemie-Cocktails als mit unliebsamen Verfolgern zu kämpfen, die es selber auf die Wunderdroge abgesehen haben. Die letztlich entscheidende Frage an uns, den Zuschauer, lautet in diesem Zusammenhang: Würden auch wir eine solche Pille nehmen, wenn sie uns reich und berühmt macht? Wenngleich manches von dem, was der Film aufzeigt, sicherlich Zukunftsmusik ist, so sind leistungssteigernde Präparate – in deutlich geringerer Konzentration – kein Science-Fiction mehr. Sie heißen Provigil oder Adderrall und sind gegen Rezept längst erhältlich.

Regisseur Neil Burger baut um diesen Bezug zu dem auch in unserer Gesellschaft allgegenwärtigen Leistungsgedanken einen nicht immer logischen, aber durchweg unterhaltsamen Thriller, dessen Fieberkurve sukzessive ansteigt. Eddies bisweilen abenteuerliche Trips auf NZT liefern ausreichend Futter für unser Auge, das mit hypnotischen Kamerazooms und schnellen Schnitten immer wieder gereizt und geschickt gesteuert wird. Dabei fällt die Einordnung der Geschichte in ein bestimmtes Genre nicht wirklich leicht. Mal wandelt Ohne Limit auf American Psycho-Spuren – ohne jedoch dessen Boshaftigkeit und Zynismus zu erreichen –, dann wieder tarnt sich der Plot als satirischer Wirtschaftskrimi, nur um zum Ende eine härtere Gangart anzuschlagen und in ein an Old Boy angelehntes Finale einzulenken.

Für Bradley Cooper erscheint die Rolle des plötzlich vom Erfolg verwöhnten Möchtegern-Autoren und Vorzeige-Yuppies wie maßgeschneidert. Selbst der arrogante Schnösel wird bei ihm zum Sympathieträger, dem man nahezu jeden Fehltritt verzeiht (das sogenannte „Guttenberg-Phänomen“). Im Gegensatz dazu bleiben Robert De Niro und die Australierin Abbie Cornish chronisch unterfordert. Ihre Figuren sind ohnehin mehr Staffage in einem bemerkenswert selbstsicher inszenierten Egotrip.

Für Programmkino.de.

Alles was wir geben mussten - Schöne neue Welt

2011-04-16T11:26:00.002+02:00

USA/GB 2010

+++1/2

Die Vorlage von Kazuo Ishiguro zählt zu den wenigen, unisono mit Kritikerlob überschütteten Romanen der letzten zehn Jahre. Unter der Regie von Mark Romanek wurde das dystopische Science-Fiction-Drama nun mit Keira Knightley und Carey Mulligan für die große Leinwand verfilmt. Ob das Ergebnis die hohen Erwartungen einhalten kann? Weiterlesen auf Koeln.de.

World Invasion: Battle Los Angeles

2011-04-15T11:45:00.002+02:00

USA 2011

+1/2

Plötzlich sind sie da. Eine außerirdische Invasionsarmee, die mit uns und unserer Zivilisation kurzen Prozess zu machen scheint. Über allen großen Metropolen in Küstennähe tauchen bedrohliche, zunächst fälschlicherweise als Meteoritenschauer angekündigte Objekte auf, die eine tödliche Fracht beherbergen. Binnen weniger Stunden radieren sie ganze Landstriche aus. Panik, Chaos und anarchische Zustände sind die Folge. Für die US-Armee ist der Ernstfall eingetreten. Nun gilt es für die Männer und Frauen in Uniform, der erschreckend realen Bedrohung Paroli zu bieten und in den Krieg zwischen Menschen und Aliens zu ziehen.

Man kann World Invasion: Battle Los Angeles eines wahrlich nicht vorwerfen: Dass sich seine Macher mit einer allzu ausführlichen oder langatmigen Einleitung aufhalten würden. Stattdessen schmeißen sie uns unmittelbar in das ziemlich laute und unübersichtliche Geschehen. Im Schnelldurchlauf werden zunächst die letzten 24 Stunden vor Ankunft der wenig freundlichen gesinnten Aliens abgespult und uns dabei die späteren Protagonisten/Helden vorgestellt. Chef im Ring ist ein augenscheinlich desillusionierter Staff Sergeant (Aaron Eckhart), der mit seiner Vergangenheit und einer überaus schweren seelischen Last zu kämpfen hat. Er hat die Schnauze voll vom Militärdienst, was ihn jedoch nicht davon abhält, weiterhin durch und durch Patriot zu sein. So wird ihm beim Anblick von Stars and Stripes immer noch warm ums Herz.

Staff Sergeant Michael Nantz erhält das Kommando über einen kleinen, aber schlagfertigen Trupp Marines, deren Aufgabe es ist, hinter den feindlichen Linien im völlig zerstörten Santa Monica nach Überlebenden zu suchen. Ihnen bleibt nicht viel Zeit, will die Air Force doch bereits in wenigen Stunden mit B52-Bombern und anderen Kampfjets die Gegend großflächig unter Beschuss nehmen. Auf ihrem Himmelfahrtskommando wachsen die Soldaten nicht nur immer wieder über sich hinaus – hier werden praktisch im Minutentakt Helden geboren –, sie treffen auch auf Zivilisten, die sich ihnen anschließen, in der Hoffnung dieser Hölle noch lebend zu entkommen.

Zwischen den trashigen Alien-Filmchen der 50er- und 60er-Jahre und diesem Vertreter eines extraterrestrischen Feuerweks liegen Welten und gleich mehrere Generationen cineastischer Entwicklungen. Selbst im Vergleich zu den durchaus familientauglichen Blockbuster-Spektakeln eines Roland Emmerich oder Steven Spielberg schlägt World Invasion: Battle Los Angeles einen komplett anderen Ton an. Witz oder gar Ironie wurden aus Jonathan Liebesmans Werk praktisch komplett verbannt. Die wenigen Kalauer – für einen muss der gute John Wayne herhalten – fallen eher in die Kategorie "Galgenhumor". Fast könnte man meinen, dass die Amerikaner den 11. September als ihren kollektiven Albtraum auch im Science-Fiction-Genre "pflegen" und gleichzeitig als Larger-than-Life-Mahnung instrumentalisieren. Zumindest scheint sich eine solche Erinnerung nur bedingt mit leichter, unbeschwerter Unterhaltung zu vertragen.

Bildlich und vor allem im übertragenen Sinn fahren Liebesman und sein Team von Beginn an schwere Geschütze auf. Wo kein Raum für das Leichte ist, ist umso mehr Platz für Pathos, Kriegsrhetorik und militärische Muskelspiele. World Invasion: Battle Los Angeles kombiniert hierbei den Armee-Fetischismus eines Michael Bay mit der Optik der Bourne-Reihe. Auch ein Vergleich zu Ridley Scotts Black Hawk Down und dem inhaltlich verwandten Cloverfield drängt sich auf. Die penetrante Wackelkamera, die jede Orientierung lange Zeit unmöglich macht und Dynamik vortäuschen soll, erscheint wie das filmische Äquivalent zur Dauerfeuer-Option im Videospiel. Vor allem kann ihr penetranter Einsatz akute Kopfschmerzen und Apathie hervorrufen, zumal man keine Gelegenheit erhält, zu den ziemlich schlampig gezeichneten Charakteren wirklich eine Beziehung aufzubauen. Gerade Eckharts Sergeant mutet mehr wie eine patriotische Phrasendreschmaschine an, die einem kleinen Jungen, der soeben seinen Vater verloren hat, zum „kleinen Marine“ und Helden aufbaut. Von derart ekligen Szenen gibt es in diesem als SF-Spektakel getarnten Werbevideo für die US-Army reichlich.

Es steht außer Frage, dass der Film mit einigen beeindruckenden Aufnahmen des zerstörten Los Angeles aufwarten kann. Immer wieder unterbrechen schicke Totalen die auf Dauer ermüdende Wackel-Perspektive. Hier macht sich schließlich das im Vergleich zu Skyline sieben Mal so hohe Budget bemerkbar. Abseits seiner technischen Fertigkeiten, deren Qualität zumindest Effektjunkies zufriedenstellen dürften, hat World Invasion: Battle Los Angeles allerdings kaum etwas anzubieten. Keine ernstzunehmende Geschichte, keine Erweiterung des Alien-Themas, keine glaubhaften Charaktere, keine echte Spannung. Es bleibt bei einem lauten Getöse um (fast) Nichts.

Für BlairWitch.de.

The Mechanic - You get what you want

2011-04-11T23:38:00.002+02:00

USA 2011

++1/2

Wenn der Engländer Jason Statham die Bühne betritt, ist kompromisslose Action garantiert – so auch bei diesem Remake eines Charles-Bronson-Klassikers aus den siebziger Jahren. Ein Auftragskiller wird darin bei seinem letzten Job mit der schwersten Entscheidung seines „Berufslebens“ konfrontiert. Weiter auf Koeln.de.

Beastly - Nur eine leere Hülle

2011-04-09T14:28:00.003+02:00

USA 2011

+

Wenn Hollywood sich eines Märchens annimmt, dann mag man finden, dass hier etwas zusammenkommt, was zusammengehört. Schließlich produziert die Traumfabrik quasi am Fließband Geschichten, deren Wahrheitsgehalt und Glaubwürdigkeit nur bedingt mit der Realität übereinstimmen. Das obligatorische Happy-End gibt es hier serienmäßig ab Werk. Vor allem aber prägt Hollywood unser Bewusstsein, ob wir das wollen oder nicht. So verbinden die meisten von uns mit dem alten Märchen von der Schönen und dem Biest inzwischen vermutlich die Zuckerguss-süße Disney-Version. Ob sich Beastly, der die Geschichte in ein von hübschen Menschen bevölkertes Highschool-Setting im trendigen Manhattan überträgt, gegen die weltbekannte Zeichentrickkunst behaupten kann, scheint mehr als fraglich.

Unser Biest ist in diesem Fall ein ziemlich eingebildeter, arroganter junger Schnösel. Kyle (Alex Pettyfer) steht gerne im Mittelpunkt. Der reiche Beau lässt sich bei jeder Gelegenheit von seinen Mitschülern bewundern, was sein ohnehin viel zu großes Ego nur noch größer werden lässt. In seiner Überheblichkeit merkt er nicht, dass er viele Menschen kränkt und verletzt. Als sich eines seiner Opfer, die aufgrund ihres Gothic-Looks von ihm als Freak abgestempelte Kendra (Mary-Kate Olsen), wehrt und Kyle mit einem Fluch belegt, stürzt dieser in eine tiefe Depression. Aus dem schönen Mädchenschwarm wurde über Nacht ein von Narben und Tattoos gezeichneter Außenseiter, der nur noch bei Dunkelheit das Haus verlässt. Um den Fluch zu brechen, muss er binnen eines Jahres ein Mädchen finden, das ihm trotz seines abschreckenden Äußeren seine Liebe gesteht.

Probleme sind da, um gelöst zu werden – vor allem im Märchen und in Hollywood. Gemäß dieser Vorgabe steuert Beastly schnurstracks auf ein in seiner Vorhersehbarkeit erschreckend einfallsloses Happy End zu. Einfallslos ist jedoch nicht allein die Auflösung – das mag man dem Film sogar noch verzeihen –, insbesondere der Weg dorthin wirkt wie ein Konzentrat sämtlicher Teenie-Film-Klischees. Der reiche, im Grunde aber doch so arme Kyle, der von seinem Vater verlassen wird, ist ein Stereotyp auf zwei Beinen. Selbiges gilt für seine Flamme Lindy (Vanessa Hudgens). Die ist ein derart herzensguter, mitfühlender Mensch, dass es einem glatt die Tränen in die Augen treibt (jedoch mehr aus Frust, denn aus Ergriffenheit). In ihrer Freizeit hilft sie Obdachlosen und Kranken und als sie den entstellten Kyle das erste Mal begegnet, da ergreift sie keineswegs die Flucht.

Bis zu ihrem letztlich erlösenden Liebesbekenntnis, das Kyles Läuterung auch nach außen kehrt, liegt vor unserem Traumpaar ein Slalomparcours aus banalen und mitunter unfreiwillig komischen Stolpersteinen. Um zu erkennen, dass hier ein Regisseur am Werke ist, der von Schauspielführung und Timing nur sehr eingeschränkt etwas versteht, braucht es nicht viel. Symptomatisch für die holprige Inszenierung erscheint die Szene, in der Kyle seiner Traumfrau mit glasigen Augen eine ach so anrührende Geschichte über Elefanten (!) auftischt. Statt Ergriffenheit will sich beim Betrachter allerdings nur das Gefühl peinlicher Berührtheit einstellen. Im Grunde nimmt der Film damit eine mögliche Parodie („Silly Movie“) bereits vorweg.

Was von Regisseur Daniel Barnz im Verlauf von 86 Minuten mit der Fantasielosigkeit eines Schalterbeamten umgesetzt und bebildert wird, ist nichts anderes als eine mit Fantasy-Touch aufgemotzte Episode von Gossip Girl oder O.C. California. Dabei tut man den genannten Teenie-Serien vermutlich sogar Unrecht, bieten sie doch hundertmal interessantere Figuren und Dialoge. Letztere klingen in Beastly gestelzt, schwülstig, wie auswendig gelernt, kurzum einfach schrecklich. Einzige Lichtblicke sind die Auftritte von How I met your Mother-Star Neil Patrick Harris, der als Kyles blinder Hauslehrer zumindest die tranige Stimmung etwas aufbessert.

Wirklich retten kann aber auch er das ekelhaft biedere Projekt nicht. Dafür hätte man die beiden Jungstars Alex Pettyfer und Vanessa Hudgens (High School Musical) und mit ihnen gleich das gesamte, von Poesiealbum-Weisheiten förmlich zugepflasterte Skript austauschen müssen.

Geradezu lächerlich und scheinheilig wirkt es, wenn ein Film mit Vehemenz auf innere Werte pocht, dabei aber vorrangig Äußerlichkeiten betont. So sieht Kyle selbst als sein entstelltes Ich noch irgendwie vorzeigbar aus. Davon abgesehen sind Tattoos und Piercings ohnehin längst gesellschaftlich akzeptierter Körperschmuck. Schließlich darf Pettyfer seinen durchtrainierten Körper nach Twilight-Vorbild immer mal wieder zur Freude seiner meist weiblichen Fans präsentieren. Es sind solche Gesten, die mehr als alles andere den seelenlosen, oberflächlichen Geist von Beastly verraten.

Für BlairWitch.de.

Gnomeo und Julia - Krieg am Gartenzaun

2011-04-03T12:58:00.002+02:00

USA/GB 2011

+++

Auch Gartenzwerge haben ihren Stolz. Was passiert, wenn zwei verfeindete Clans, deren Nachwuchs sich verbotenerweise ineinander verliebt hat, in die große Schlacht ziehen, zeigt dieses zuckersüße 3D-Animationsabenteuer aus dem Hause Disney. Mit viel Charme, Witz und Tempo lässt der Film den oft beschriebenen Krieg am Gartenzaun auf einen Klassiker der Weltliteratur treffen. Weiterlesen auf Koeln.de.

Das Schmuckstück - Catherine & Drei-Wetter-Taft

2011-03-18T22:33:00.002+01:00

F 2010

+++

„Frauen an die Macht!“ Francois Ozon hat einen höchst emanzipatorischen Film gedreht, der sich mit großer Leichtigkeit und ohne die sonst übliche Verbissenheit der Rollenverteilung zwischen den Geschlechtern annimmt. Als die gelangweilte Ehefrau eines Unternehmerpatriarchen ist die wunderbare Catherine Deneuve das Kraftzentrum dieser Geschichte. Das Schmuckstück – in seiner Heimat Frankreich mit bislang über 2,3 Millionen Besuchern ein echter Publikumserfolg – erscheint wie die überdrehte, knallbunte Antwort auf die britische Arbeiter-Komödie „We want Sex“. 104 Minuten Kurzweil.

Filmkritik:

Heute regiert in Frankreich ein umstrittener Präsident, der sich selbst gern als Napoleon-Doppelgänger inszeniert und mit quasi-royalen Insignien schmückt. Dass seiner mondänen Ehefrau jedoch regelmäßig mehr Aufmerksamkeit als ihm zuteil wird, missfällt seinem keineswegs kleinen Ego insgeheim vermutlich sehr. Auch wenn Francois Ozons knallbunte 70er-Jahre-Komödie Das Schmuckstück als Blick durchs Schlüsselloch einer fiktiven Industriellen-Dynastie angelegt ist, sind die Parallelen zu den heutigen Bewohnern des Èlysée-Palasts nicht von der Hand zu weisen. Eine zunächst nicht ganz freiwillige Rochade in der lange Zeit geltenden Rollenverteilung zwischen Mann und Frau setzt dabei eine Lawine meist unterhaltsamer Ereignisse in Gang.

Im Haushalt Pujol verdient Er das Geld, während Sie zuhause bleibt und sich mit etwas Sport, Shopping und Fernsehen die Zeit vertreibt. Obwohl Madame Suzanne (Catherine Deneuve) zusammen mit ihrem Mann Robert (Fabrice Lucchini) und den beiden Kindern die Regenschirm-Fabrik ihres Vaters geerbt hat, ist ausschließlich ihr Gatte für alles Geschäftliche zuständig. Mit strengem Blick wacht er über seine Arbeiter und ganz besonders über die hübsche Sekretärin Nadège (Karin Viard). Doch dann kommt es in der Fabrik zum Arbeitskampf und zur offenen Revolte gegen den Chef. Für Robert ist der Aufstand seiner Angestellten kaum zu verkraften. Er erleidet einen Herzinfarkt und so ist es plötzlich an Suzanne, die Geschäfte ihres Mannes fortzuführen. Schnell erkennt sie, dass sich in der Fabrik einige Dinge schnellstmöglich ändern müssen. Mit weiblicher Intuition und tatkräftiger Unterstützung ihrer beiden Kinder und des örtlichen Abgeordneten der kommunistischen Partei Babin (Gérard Depardieu) legt sie den Grundstein für eine kleine, ziemlich weibliche Revolution.

Was sich vielleicht nach einer verbissenen und etwas langweiligen Feminismus-Kampfverfilmung anhört, wird bei Ozon zu einer frischen, lebendigen und schwer ironischen Emanzipations-Farce. Das Tempo ist hoch und gleicht bisweilen der Rastlosigkeit einer Screwball-Komödie oder eines Louis-de-Funès-Films. Dazu passend schreckt er auch nicht vor mancherlei Albernheiten zurück, die im Kontext dieses konsequent im Siebziger-Jahre-Chic arrangierten Retro-Traums durchaus goutierbar sind. Bereits die in Rundfilter eingerahmte Eröffnungssequenz mit ihren dreist-niedlichen Tieraufnahmen und einer im Adidas-Trainingsanzug durch den Wald joggenden Catherine Deneuve zeigt an, wohin die Reise geht. Dabei schließt Das Schmuckstück nicht nur wegen seiner Hauptdarstellerin an Ozons Publikumserfolg 8 Frauen an. Vor allem stilistisch ist eine Nähe unverkennbar. Nach seinen letzten, eher nüchternen Arbeiten lebt dieser hier wieder von der Lust am Experiment. Kitsch, französische Chansons und formale Spielereien via Split-Screen und Weichzeichner ergeben 104 Minuten Kurzweil.

Die Darsteller ließen sich von Ozons Esprit zweifellos anstecken. Gerade die Deneuve reißt mit ihrer unvergleichlichen Präsenz und Ausstrahlung immer noch jede Szene an sich. Selbst wenn ihr Partner Gérard Depardieu heißt, sind alle Augen auf sie gerichtet. Ihre Madame Suzanne ist eine echte Powerfrau, ein organisatorisches Multitalent, gegen das die Männer in diesem Film ziemlich alt aussehen. Dass sie schließlich – zugegeben nicht wirklich freiwillig – in die Politik wechselt, ist sicherlich auch als Kommentar auf die aktuelle, politische Machtverteilung in Europa zu verstehen. Als chauvinistisches Ekelpaket und menschliches HB-Männchen dürfte indes Deneuves Film-Ehemann Fabrice Lucchini die meisten Lacher ernten. Ihn und alle anderen dirigiert Ozon mit großer Souveränität durch diese überdrehte Farce aus Elnett-Haarspray und emanzipatorischem Weitblick, der man mitunter noch etwas mehr Biss gewünscht hätte.

Für Programmkino.de.

Faster - Ein Mann, eine Mission

2011-03-18T14:00:00.002+01:00

USA 2010

+++

Keine Gnade kennt ein Ex-Knacki, als er nach Ablauf seiner Gefängnisstrafe entlassen wird und die Suche nach den Mördern seines Bruders aufnimmt. Action-Star Dwayne „The Rock“ Johnson lässt in diesem erfreulich harten und geradlinigen Rache-Thriller seine Muskeln spielen und die Gegner erzittern. Weiterlesen auf Koeln.de.

The Rite - Der Ritus

2011-03-16T23:24:00.003+01:00

USA 2011

++

Geschichten um und über Exorzisten sind wie das Thema selber vermutlich eine Glaubensfrage. Auf die einen wirken sie bedrohlich, beängstigend und in höchstem Maße verstörend, wohingegen andere sie als lächerlichen Mummenschanz abtun. Ob man sich bei einer mit allem Schnickschnack inszenierten Teufelsaustreibung gruselt oder sie im Gegenteil als komödiantischen Höhepunkt empfindet, hängt nicht zuletzt von den eigenen religiösen Überzeugungen ab. Dabei ist der Akt als solcher keineswegs so zentral wie die Herleitung desselben. Eine überaus beliebte Methode scheint zu sein, den skeptischen/zweifelnden Zuschauern über eine ebenfalls skeptische/zweifelnde Hauptfigur abzuholen und so eine Identifikationsmöglichkeit zu erschaffen.

Der von Eli Roth protegierte Low-Budget-Thriller Der letzte Exorzismus funktionierte exakt nach diesem Schema. Im Stile einer TV-Dokumentation sollte der Glauben an den Teufel als ein riesiger, von der Kirche inszenierter Schwindel enttarnt werden. Dass das Ende wahlweise als Bestätigung oder Widerspruch dieser These gewertet werden konnte und so beide Seiten auf eine gewisse Art zufrieden stellte, mag man feige finden. Zumindest an der Kinokasse erwies sich das Konzept jedoch als einträglich. In The Rite ist es ein junger Priesteranwärter (Colin O’Donoghue), der an der Standfestigkeit seines Glaubens und seiner Berufswahl zweifelt und von seinem Vorgesetzten daraufhin zu einem Exorzisten-Workshop in den Vatikan beordert wird. Dort trifft er auf Hannibal Lector äh Pater Lucas (Anthony Hopkins). Der Geistliche ist im Exorzismus-Geschäft ein alter Hase und anders als der Protagonist aus Roths Mockumentary von der Existenz des Belzebubs überzeugt.

Etwas zu schnell rückt der Film eine recht einleuchtende Erklärung für die vermeintliche Besessenheit in sein Zentrum. Wie der zweifelnde Michael soll auch der Zuschauer der Überzeugung sein, dass wir es hier nicht mit einem teuflischen Budenzauber sondern lediglich mit einem forensischen Phänomen, sprich einer psychischen Erkrankung zu tun haben. Die sich daran anschließende, sorgsam aufgebaute Widerlegung mit all ihren obskuren Begleiterscheinungen – eine Krötenplage muss als böses Omen für den bibelfesten Zuschauer herhalten – gehört wie das Final Girl längst zum Inventar des Horrorfilms. Der Ablauf folgt bis zum unvermeidlichen Twist den eingespielten Regeln des Genres, was die Geschichte insgesamt nur bedingt modern erscheinen lässt. Spannender als die Frage, ob der Film die Existenz von Gott und Teufel schlussendlich bejaht, ist dann auch seine psychologische Komponente. Immer wieder betrachtet The Rite problematische Vater-Sohn-Beziehungen, aus denen dunkle Geheimnisse hervorleuchten. Michaels Verhältnis zu seinem strengen, dominanten Vater (Rutger Hauer in einer Nebenrolle) ist dabei von zentraler Bedeutung. Es bildet eine unsichtbare Klammer, die den klerikalen Plot mit seinen seit Der Exorzist unzählige Male kopierten Bestandteilen umschließt.

Optisch bildet der Film, dem der abgenutzte Hinweis auf eine reale Begebenheit voranstellt wurde, einen ansprechenden Gegenentwurf sowohl zum Blair-Witch-Stil des letzten Exorzisten als auch zu Fantasy-ähnlichen Vertretern wie Constantine. So ist Regisseur Mikael Håfström einerseits erkennbar um Realismus bemüht, gleichzeitig fängt er Hochglanz-Bilder der ewigen Stadt ein, mit denen sich The Rite abseits seiner düsteren Boogeyman-Szenen problemlos in ein touristisches Werbevideo einfügen könnte. Håfström weiß, wie er den im weiteren Verlauf zunehmend konventionellen Plot verpacken muss, damit man dessen Ideenlosigkeit möglichst erst hinterher bemerkt. Schicke Rückblenden, Weichzeichner und elegante Totalen gehören schon länger zum Handwerkszeug des genre-erfahrenen Schweden. Eine besondere Erwähnung verdient zudem der angenehm zurückhaltende und doch einprägsame Score von Alex Heffes, aus dem sich ganze Assoziationsketten bauen lassen.

Nach einem vielversprechenden Auftakt, der uns Michaels innere Zerrissenheit näherbringt und uns zudem einen Blick in die Organisation des kirchlichen Ausbildungsapparates erlaubt, versackt die Handlung in den üblichen, hinlänglich thematisierten Widersprüchen zwischen Glauben und Vernunft. Die vom Film propagierte Dialektik ist dabei so überraschungsfrei wie viele der kurzen Schockmomente, die sich aus einem meist schrillen Soundeffekt und einem schnellen Umschnitt ergeben. Statt furchteinflößend oder zumindest beunruhigend wirkt das Finale im dunklen Kämmerlein dann fast schon campy. Während recht einfallslose Computereffekte Atmosphäre erzeugen sollen, darf ein wild grimassierender Anthony Hopkins als besessener Dämonen-Derwisch sein Overacting auf die Spitze treiben. Es ist jener Augenblick, in dem The Rite seinen Tiefpunkt erreicht.

Für BlairWitch.de.

Der Plan - Matrix im Lala-Land

2011-03-15T16:30:00.002+01:00

USA 2011

++1/2

Was wäre, wenn hinter allem, was uns widerfährt und was wir erleben, nicht der Zufall sondern ein vorgeschriebenes Drehbuch stünde? Dieser Frage geht Der Plan nach und verknüpft dabei Mystery- und Fantasyelemente mit einer hoffnungslos kitschigen Hollywood-Romanze. Matt Damon und Emily Blunt müssen gegen eine Armee geheimnisvoller Herren im Nadelstreifenanzug um ihre Liebe kämpfen.

Jeder kennt diese Momente, in denen man kurzzeitig meint, es könne kein Zufall sein, wenn man zu einem ganz bestimmten Zeitpunkt einen ganz bestimmten Menschen trifft. Und doch scheint es genau das zu sein, als der junge, charismatische Nachwuchspolitiker David Norris (Matt Damon) eines Morgens im Bus auf die hübsche Tänzerin Elise (Emily Blunt) trifft und sie ihm ihre Nummer gibt. Dabei sind sich beide bereits einmal begegnet – ausgerechnet auf der Herrentoilette des weltberühmten Waldorf Astoria. Auch wenn das schon längere Zeit her ist, erinnert sich jeder von ihnen noch sehr genau an dieses erste, ziemlich ungewöhnliche Aufeinandertreffen. David erinnert sich auch deshalb, weil er an diesem Abend die wohl bitterste Niederlage seiner jungen Politkarriere hinnehmen musste.

Wie sich schon bald herausstellt, ist ihre Begegnung im Bus tatsächlich so etwas wie Schicksal. Es ist zugleich aber auch das Einzige, was rund um David weder geplant noch koordiniert geschieht. Dieser kleinste Anflug von Zufall setzt eine gewaltige Maschinerie in Gang, die einer allwissenden Buchhalter-Organisation ähnelt und die letztlich dafür sorgt, dass alles auf diesem Planeten „nach Plan“ verläuft. Und der Plan sah eben nicht vor, dass sich David und Elise wiedersehen sollten. Warum und weshalb, das ist anfangs weder dem überraschten David noch dem Zuschauer so richtig klar.

Der Plan beschreibt ähnlich wie Peter Weirs Mediensatire Die Truman Show oder der völlig unterschätzte Dark City die Welt als Kulisse, in der echte Menschen unwissentlich ein falsches, weil fremdbestimmtes Leben führen. Blicken sie wie David erst einmal für einen kurzen Moment hinter die Bühne, auf der sie zuvor selbst als Darsteller agierten, kann es kein Zurück mehr in den früheren, inzwischen als Lüge enttarnten Alltag geben. Dazu bauen alle Filme ein mehr oder weniger plausibles Gerüst aus wechselseitig gültigen Bedingungen und Erklärungen auf, aus denen sich im besten Fall eine innere Logik rekonstruieren lässt. In diesem Fall arbeitet gleich eine ganze Armee diskreter Schlips- und Hutträger an der Umsetzung eines von einem gott-gleichen „Vorsitzenden“ ausgetüftelten Masterplans. Dessen Angestellte nutzen gewöhnlichen Türen wie die Besatzung der „Enterprise“ einen Teleporter, was aus ihnen überaus hartnäckige Verfolger macht.

Matt Damon dürfte das Gefühl, ständig auf der Flucht sein zu müssen, nach drei Auftritten als Jason Bourne längst verinnerlicht haben. Entsprechend souverän meistert er die vor allem zum Ende hin recht dominanten Action-Parts, bei denen bisweilen echtes Lola rennt-Feeling aufkommt. Da wird Downtown Manhattan plötzlich zu einem einzigen Labyrinth aus Türen, Sackgassen und überraschenden Ortswechseln. Das Stakkato der Tür-auf-Tür-zu-Abfolgen gibt den Rhythmus des Films vor, der nur selten wirklich zu Ruhe kommt, um sich Zeit für seine Figuren zu nehmen. Das Profil des mehrfach unfreiwillig getrennten Liebespaares bleibt dementsprechend oberflächlich. Während er als jemand charakterisiert wird, der in die Fußstapfen seines Vaters treten will und als ein weißer Obama für ein besseres Amerika kämpft, lebt sie als Tänzerin auf der Bühne ihren Traum. Es sind zwei Welten, die nicht so recht zueinander passen wollen und von denen man nie genau weiß, warum ihre Repräsentanten soviel füreinander empfinden.

Die nicht sonderlich genau gezeichneten Gefühlslagen sind allerdings nicht das einzige, was an Der Plan nur begrenzt stimmig erscheint. Man muss schon sehr viel guten Willen in die Geschichte investieren, um bei manchen Ausführungen über den – Zitat – „großen Plan des Vorsitzenden“ oder Möglichkeiten zur Gedankenmanipulation mittels spezieller „Reset“-Technik nicht gleich lauthals loszulachen. Wenn Sätze wie „Sir, er hat einen Hut!“ voller Inbrunst und Dramatik aufgesagt werden, ist schließlich das Maximum an unfreiwilliger Komik erreicht. Da ist es fast schon egal, wenn Regie-Debütant und Autor George Nolfi seine arg konstruierte Fantasy-Love-Story mit religiösen Zweideutigkeiten und Erlöser-Metaphern überfrachtet.

Die Vorlage zu Der Plan lieferte eine Kurzgeschichte von Science-Fiction-Autor Philip K. Dick. Die an sich nette Grundidee, die mit tief philosophischen Fragen, gängigen Verschwörungstheorien und unserer Paranoia vor Männern in grauen Anzügen spielt, wurde hier mit Gewalt in die Schablone einer hoffnungslos verkitschten Hollywood-Romanze gepresst, über deren Mechanismen man besser nicht länger nachdenken sollte. Dann nämlich bietet der Film für die Dauer des Kinobesuchs durchaus ein gewisses Maß an Unterhaltung – wenngleich auf eine nicht immer beabsichtigte Art. Aber wer weiß? Vielleicht steckt auch hinter diesem vermeintlichen Fast-Food-Kino am Ende wieder nur der Plan des allwissenden Vorsitzenden.

Ich bin Nummer Vier - Twilight-Rip-off

2011-03-13T14:52:00.004+01:00

USA 2011

+

Sind Aliens die neuen Vampire? Wenn es nach Disney geht, dann lautet die Antwort eindeutig "Ja". Zwischen Teil drei und vier der Blutsauger-Romanze um Edward, Bella und Jacob versucht es der Unterhaltungskonzern daher mit einer intergalaktisch eingefärbten Twilight-Variante. Edward heißt hier John. Er sieht aus wie der typische Posterboy aus der Bravo, wird von Jungstar Alex Pettyfer verkörpert und besitzt die Lizenz zum Herzensbrecher. In Summe sind das keine schlechten Voraussetzungen, um bei der jugendlichen Zielgruppe ein gewisses Interesse zu entfachen. Wenn der Film dann noch auf einem Bestseller basiert, riecht das fast schon nach einem garantierten Box-Office-Hit. Um jedoch ganz sicher zu sein, engagierte man bei Disney Erfolgsproduzent Michael Bay und dessen Schützling D.J. Caruso. Letzterer hat mit der Fenster zum Hof-Neuauflage Disturbia sein Gespür für zeitgemäßes, schickes Zielgruppenkino bereits unter Beweis gestellt.

Kurz zur Story: John befindet sich seit Jahren auf der Flucht. Obwohl er selbst ein Außerirdischer ist, verfolgen ihn andere, extraterrestrische Kreaturen, die dem schönen Teenie lieber gestern als heute den Garaus machen würden. Drei seiner Artgenossen fielen den Killern bereits zum Opfer. Zusammen mit seinem Bodyguard Henri (Timothy Olyphant) zieht John sodann von Ort zu Ort. Dabei ist er gezwungen, immer wieder seine Identität, seinen Namen und auch die Schule zu wechseln. So ist es für ihn nahezu unmöglich, echte Freundschaften aufzubauen. Erst als er in dem kleinen Städtchen mit dem bezeichnenden Namen „Paradise“ ankommt, scheint sich daran etwas zu ändern. Vor allem entdeckt er sein Interesse an Mädchen. Sarah (Dianna Agron), seine neue Mitschülerin, hat es ihm besonders angetan und so fahren Johns Gefühle bei ihrem Anblick ungebremst Achterbahn.

Das folgende, post-pubertäre Hormonchaos bietet reichlich Anlass für schmachtende Blicke, schmutzige Gedanken und jede Menge Herzschmerz. Bis hierhin erscheint Ich bin Nummer Vier wie die emotionale Blaupause für sehr weit verbreitete Teenagerfantasien. Wie schon Bella und Edward durchstreifen auch Sarah und John die Wälder auf der Suche nach Romantik und in der Hoffnung auf zumindest einen Moment ungestörter Zweisamkeit. Diesen wird es für unser Liebespaar zunächst jedoch nicht geben, dafür sorgen schon Johns überaus hartnäckige Verfolger, die hier gewissermaßen als intergalaktische Anstands-Nannys Moral und Keuschheit hochhalten. Nicht nur Stephenie Meyer dürfte dies Gefallen.

Die erste große Liebe bedroht von hässlichen Kreaturen, die so gar keinen Spaß verstehen, viel mehr als das hat der Film am Ende allerdings nicht zu erzählen. Dass sich Caruso bei der Umsetzung einer derartigen Schmalspur-Dramaturgie aus dem Fundus oller Teenie-Geschichten bedient, macht den Film für Menschen jenseits der 20 auch nicht interessanter. Ertränkt wird Johns Wettlauf gegen die bösen Außerirdischen schließlich von einer auf Hochglanz polierten Michael-Bay-Optik. Die Handschrift des Blockbuster-Titans ist jederzeit präsent und ertränkt jeden noch so zarten Anflug eines womöglich aufrichtig empfundenen Gefühls. Ein Zahnpasta-Lächeln in der Werbung besitzt dann auch mehr Ausdruck, als das, was uns Caruso und Bay hier anzubieten haben. Den Darstellern möchte man angesichts solcher Umstände gar keinen Vorwurf machen. Alex Pettyfer und seine Filmpartnerin Dianne Agron haben nie eine echte Chance, dem kalkulierten und dabei so leblosen Konstrukt zu entfliehen.

Zum Finale scheint dann endgültig Michael Bay auf dem Regiestuhl Platz genommen zu haben. In den Räumen von Johns Highschool veranstaltet der Film einen rein effektgetriebenen Budenzauber, dessen absurde Abfolge aus Explosionen, Verwandlungen und Kampfsequenzen in eine Bay-typische Zerstörungsorgie mündet. Überdeutlich soll das Action-Feuerwerk gerade den männlichen Teenager zufriedenstellen und ihn für manchen, zuvor erlittenen Durchhänger entschädigen. Das hat dann was von Men in Black (nur ohne dessen Witz) und Harry Potter (nur ohne britisches Understatement). Gerecht wird schließlich auch das vom Film angebotene Eyecandy unter den Geschlechtern aufgeteilt. Während die Mädels den durchtrainierten Alex und seinen Milchbubi-Sidekick Callan McAuliffe anschmachten dürfen, soll sich die Aufmerksamkeit der Jungs auf Dianne Agron und die als Motorrad-Luder gecastete Teresa Palmer konzentrieren.

Mag das Schielen auf den Twilight-Erfolg zumindest gemäß einer betriebswirtschaftlichen Logik erklären, warum es Filme wie Ich bin Nummer Vier überhaupt gibt, so fühlt man sich als Zuschauer gleichwohl nicht wirklich ernst genommen. In dieser Ausprägung verkommt das Kino letztlich zu einer mechanischen Kosten-Nutzen-Rechnung – auf der einen Seite stehen die Produktions- und Marketingaufwendungen, auf der anderen der Erlös –, in der kein Platz für Neues, für kreative Ideen oder Abschweifungen vorgesehen ist. Alles folgt stattdessen einem ziemlich mutlosen Schema, das sich selbst mit dem Verweis auf bestimmte Genrespielregeln nicht länger rechtfertigen lässt. Im vorliegenden Fall lag der Nutzen nach Meinung des Studios augenscheinlich über den Kosten. Bei entsprechendem Erfolg dürfte Disney daher weitere Teile in Auftrag geben lassen. Da ist es nur praktisch, wenn das Ende gleich offen als Cliffhanger und Fortsetzungsversprechen angelegt wurde.

Für BlairWitch.de.

Der Adler der neunten Legion

2011-03-04T16:04:00.003+01:00

USA/GB 2011

++1/2

Der Sandalenfilm versucht sich gut zehn Jahre nach Ridley Scotts Gladiator an einem Comeback. Mutige Helden, blutige Duelle und reichlich Pathos – die neue Arbeit von Regisseur Kevin MacDonald bietet das, was man von einer Produktion solchen Formats auch erwarten kann. Dazu wandelt Hauptdarsteller Channing Tatum auf den Spuren Russell Crowes. Na ja, er versucht es. Weiterlesen auf Koeln.de.

Unknown Identity - Berlin Calling

2011-02-27T21:29:00.002+01:00

USA 2011

++1/2

Zu wissen, wer man ist und somit ein Bewusstsein in Bezug auf die eigene Persönlichkeit zu entwickeln, das zeichnet uns Menschen aus. Was geschieht aber, wenn uns diese fundamentalen Koordinaten in Bezug auf das eigene Leben plötzlich genommen werden? Dem erfolgreichen Wissenschaftler Dr. Martin Harris (Liam Neeson) widerfährt genau ein solches Horrorszenario. Als er nach einem schweren Autounfall aus dem Koma erwacht, muss er mitansehen, wie ein anderer Mann (Aidan Quinn) seinen Platz eingenommen hat. Mehr noch: Sogar seine geliebte Ehefrau Liz (January Jones) erkennt ihn nicht mehr. Martin weiß nicht, wie ihm geschieht. Im verschneiten Berlin, wo er eigentlich einen Biotechnologie-Kongress besuchen wollte, begibt er sich auf die Suche nach Antworten. Schnell wird ihm dabei klar, dass diese Recherche tödlich für ihn enden kann. Ein eiskaltes Killerkommando ist ihm bei seinen Nachforschungen stets dicht auf den Fersen.

Liam Neeson hat in den letzten Jahren eine beeindruckende Wandlung vom anerkannten Charakterdarsteller zum gefeierten Action-Helden durchlaufen. Diese Metamorphose nach einer bereits so langen Schauspielkarriere ist bemerkenswert und vor allem das Ergebnis eines Films. Der von Luc Besson produzierte Rache-Thriller 96 Stunden katapultierte Neeson nicht nur zurück auf die A-Liste Hollywoods, für den gebürtigen Nordiren war mit der Rolle des aufopferungsvoll kämpfenden Familienvaters zugleich ein gewisser Imagewechsel verbunden. Zwar wurde Neeson aufgrund seiner beeindruckenden Physis auch schon vorher für Actionparts besetzt – Batman Begins sei hier nur erwähnt –, dass ein Film fortan aber ausschließlich über seinen Namen vermarktet wurde, dürfte für ihn eine recht neue Erfahrung gewesen sein.

Nicht anders verhält es sich mit Unknown Identity. Liam Neeson ist Dreh- und Angelpunkt des Films, was sich schon daran zeigt, dass kaum eine Szene ohne ihn auskommt. Seiner Präsenz sind sogar alte Haudegen wie Frank Langella oder Bruno Ganz – letzterer in der ziemlich klischeehaften Rolle eines früheren Stasi-Spions – nicht gewachsen. Wirklich fehlbesetzt erscheint hingegen Diane Kruger, die als Balkan-Flüchtling und Gelegenheits-Taxifahrerin mit ihrem merkwürdigen Ostblock-Akzent lediglich hübsch anzusehen ist. Nicht nur weil die Geschichte in Berlin spielt und mit ihren kinetischen Jagdszenen bisweilen stark an die Bourne-Reihe erinnert, wünschte man sich, Franka Potente hätte die blonde Diane ersetzt.

Nach einer kurzen, vergleichsweise ruhigen Einleitung mit winterlichen Hauptstadt-Impressionen – die Taxifahrt vom Flughafen führt Martin und seine Frau scheinbar an allen Berliner Wahrzeichen einmal vorbei – dreht Regisseur Jaume Collet-Sera (Orphan – Das Waisenkind) das erste Mal den Action-Pegel so richtig auf. Der Autounfall, der Neesons identitätssuchenden Doktor schließlich für vier Tage ins Koma schickt, ist rasch vorbei und doch ein erstes, unübersehbares Ausrufezeichen für das, was folgt. So beglückt uns Unknown Identity später noch mit zwei äußerst dynamisch gefilmten Verfolgungssequenzen, bei denen die Qualitäten eines guten Actionfilms in Montage, Aufbau und einer konsequent forcierten Eskalation unverkennbar sind. Nur Ortskundige werden sich darüber amüsieren, dass der Film dabei plötzlich den Schauplatz wechselt und kurzerhand für einige Szenen von Berlin nach Leipzig springt.

Solange nicht genau geklärt ist, welches (falsche?) Spiel mit Martin gespielt wird und wieso sogar seine Frau von ihm auf einmal nichts mehr wissen will, hält die Geschichte eine gewisse Suspense. Die präsentierten Hinweise, die recht früh in eine bestimmte Richtung zeigen, ergeben rückblickend glücklicherweise ein halbwegs stimmiges Bild. Gleichwohl hätte man sich eine raffiniertere Auflösung gewünscht. Bei Collet-Seras letztem Film, dem cleveren Mystery-Thriller Orphan – Das Waisenkind, ging man diesbezüglich ein wesentlich höheres Risiko ein. Dort überraschte und verstörte das Ende gleichermaßen, was sich von Unknown Identity wahrlich nicht sagen lässt. Stattdessen lenkt die Genrelogik das Geschehen zum Finale in sehr vertraute Bahnen.

Das in Summe solide Thriller-Konstrukt, das letztlich doch sehr an Polanskis Frantic erinnert, kann jedoch nicht jede Peinlichkeit überdecken. Neben Krugers offenkundige Fehlbesetzung sorgt auch der ziemlich naive und gerade in den letzten Minuten präsente Weltverbesserungsgedanken für Belustigung. Der Versuch, dem Film quasi im Schlepptau seines Actionplots eine politische Agenda anzuhängen, wird von Collet-Sera mit Vollgas gegen die Wand gefahren. Es ist der einzige Crash, der mitanzusehen nun wirklich keinen Spaß macht.

Für BlairWitch.de.

True Grit - Kaltes Lachen

2011-02-26T13:15:00.002+01:00

USA 2011

++1/2

Wenn die Lieblinge des amerikanischen Independent- und Autorenkinos, die Gebrüder Coen (Fargo, No Country for Old Men), einen Western-Klassiker neu verfilmen, dann darf man gewiss viel erwarten. Ihre Version des Charles-Portis-Romans ist düster, kühl und durchzogen von einem sehr speziellen Humor. Weiter auf Koeln.de.

Drive Angry - Motorschaden

2011-02-25T11:46:00.002+01:00

USA 2011

+1/2

Die Zeiten, in denen Nicolas Cage in den großen Hollywood-Blockbustern zu sehen war und allein sein Name die Zuschauer ins Kino lockte, sind schon etwas länger vorbei. Zuletzt war Cage vor allem für weniger aufwändige Genre-Produktionen mit im besten Fall akzeptablem B-Movie-Charme gebucht. Knowing, Ghost Rider oder Next lauten einige der jüngeren Einträge in seiner Vita. Mit Ausnahme von Werner Herzogs grandioser Thriller-Groteske Bad Lieutenant und dem verspielt-frechen Superhelden-Mashup Kick-Ass bewies der Mann mit dem ungelösten Frisurenproblem in den letzten Jahren kein wirklich glückliches Händchen bei der Auswahl seiner Rollen. Bisweilen konnte gar der Eindruck entstehen, dass er so ziemlich jedes Angebot ungeprüft annimmt.

Ob er im Fall von Drive Angry vor seiner Zusage tatsächlich das Drehbuch gelesen hat, ist nicht bekannt. Eigentlich spielt das auch keine Rolle, denn das nun vorliegende Resultat kann sich ohnehin auf keinerlei inhaltliche Qualitäten berufen. Was hier unter der Regie des Amerikaners Patrick Lussier (My Bloody Valentine) entstanden ist, will allein über die Zurschaustellung von bewusst coolen Bildern, noch cooleren Sprüchen und schicken 3D-Spielereien unterhalten. Aber selbst gemessen an diesem nicht gerade übermäßig hohen Anspruch bleibt der Film eine Enttäuschung und eine recht langweilige Veranstaltung noch dazu. Darüber kann Lussier auch mit reichlich nackter Haut und einer überaus attraktiven Hauptdarstellerin nicht hinwegtäuschen. Am Ende laufen all seine optischen Bestechungsversuche ins Leere.

Angelegt ist Drive Angry als Hybrid aus Rache- und Fantasy-Geschichte. Cage spielt darin einen Vater, dessen Tochter von einem fanatischen Sekten-Heini (Billy Burke) ermordet wurde und der daraufhin aus der Hölle zurückkehrt, um dem selbstverliebten Möchtgern-Jesus endlich das Handwerk zu legen. Zudem will er sich seine erst wenige Wochen alte Enkelin zurückholen und sie der Gewalt des wahnsinnigen Egomanen entreißen. Unterstützung erfährt Cages Back-from-Hell-Papa dabei von der patenten Piper (Amber Heard), einer klassischen Südstaaten-Schönheit mit mehr als nur zwei schlagkräftigen Argumenten. Zusammen nehmen sie schließlich die Verfolgung auf, wobei auch ihnen ein sehr spezieller Reisender dicht auf den Fersen ist. Er (William Fichtner) nennt sich selbst nur der „Buchhalter“, trägt einen schwarzen Anzug und scheint geradezu übermenschliche Fähigkeiten zu besitzen.

Im Grunde besteht Drive Angry nur aus einer Aneinanderreihung pubertärer Kalauer, von denen nur wenige wirklich zünden. Manches ist einfach nur albern, wie die in Zeitlupe gefilmte Schießerei, während der Cages Figur nebenbei ein blondes Dummchen vögeln darf, anderes erscheint aus vergleichbaren B-Movies in Guttenberg-Manier zusammengeklaut. Der Einwand, dass auch ein hochgelobter Filmemacher wie Quentin Tarantino im Grunde nur kopiert, kann Lussier jedoch kaum zu seiner Verteidigung anführen. Dafür sind seine Copy-and-Paste-Bilder viel zu langweilig und beliebig. So ist beispielsweise die Idee, Satans Handlanger als coolen Schlipsträger vorzustellen, spätestens nach einem Film wie Im Auftrag des Teufels nicht mehr als ein quälender, weil überlanger Gag. Da hilft es nur wenig, dass William Fichtner seine Rolle von Beginn an wunderbar neben der Spur interpretiert.

Dabei fängt Drive Angry durchaus verheißungsvoll an. Wie Cages Chad-Kroeger-Doppelgänger mit drei bösen Jungs kurzen Prozess macht und gleichzeitig Lussier aus Filmzitat, plastischem 3D-Effekt und dynamischer Montage einen launigen Einstand bastelt, lässt für den weiteren Verlauf hoffen. Auch Amber Heards erster Auftritt – in einem typischen Diner samt ekligem Chef und einer Menge White-Trash-Feeling – wirft uns gleich tief in die Klischeekiste des Bible Belts hinein. Auf dieses frühe Versprechen, dass zunächst einen unterhaltsamen Ritt durch das B-Movie-Universum ankündigt, folgt jedoch keine Einlösung. Nicht nur löst sich der dünne Plot ziemlich rasch in eine monotone Abfolge aus recht ähnlichen Action- und Verfolgungssequenzen auf, Lussier fehlt überdies der Mut, den selbstironischen Anstrich wirklich auf die Spitze zu treiben oder mit unerwarteten Einfällen zumindest ab und an zu überraschen. Und so schleppt sich Drive Angry mit unübersehbaren Konditionsschwächen auf seine Zielgerade, die mit dem lang herbeigesehnten Duell zwischen Gut und Böse und einer weiteren Überdosis Hardrock einen insgesamt mut- und fantasielosen Film beschließt.

Für BlairWitch.de.

The King's Speech - And the Oscar goes to...

2011-02-19T11:01:00.002+01:00

GB 2010

+++1/2

Der diesjährige Oscar-Favorit verknüpft eine hübsche Anekdote der britischen Monarchie mit tragikomischen Beobachtungen eines unsicheren Thronfolgers, dessen Stottern eine ganze Nation in Atem hielt. Als George VI., König von England, greift Hauptdarsteller Colin Firth erneut nach dem Preis aller Filmpreise. Die Chancen stehen gut, dass er ihn am Ende auch in den Händen halten wird. Weiter auf Koeln.de.

Dschungelkind - Am Ende der Welt

2011-02-15T22:18:00.002+01:00

D 2011

+++

Mit acht Jahren verschlägt es die kleine Sabine in den tiefsten Dschungel West-Papuas. Dort, wo der Vater die Sprache eines bislang unerforschten Eingeborenenstamm lernen und dokumentieren will, trifft sie – und mit ihr der Zuschauer – auf eine archaische, faszinierend fremde Welt. Die mit großem logistischen Aufwand im Urwald Malaysias abgedrehte Bestsellerverfilmung schildert mit viel Empathie und Respekt die langsame, nicht immer konfliktfreie Annäherung zwischen Eingeborenen und ihren „Gästen“ aus Europa.

Filmkritik.

Es ist das Gegenteil einer normalen Kindheit oder dem, was wir Europäer wohl darunter verstehen. Ein junges Mädchen, gerade einmal acht Jahre alt, wandert mit seinen Eltern und den beiden Geschwister in den Dschungel von West-Papua aus. Der Vater (Thomas Kretschmann) ist dort auf einen bislang unerforschten Eingeborenenstamm gestoßen. Nun will er dessen Sprache und Sozialverhalten erstmals wissenschaftlich dokumentieren. Dazu ist es erforderlich, ganz nah bei und mit den Eingeborenen zu leben. Der Anführer des Stamms erteilt der Familie schließlich hierfür seine Erlaubnis. Sabine (Stella Kunkat), so der Name des Mädchens, ist begeistert von dieser neuen, ihr anfangs so fremden Welt. Und anders als ihre ältere Schwester ist sie neugierig auf die Menschen und das Leben im Dschungel. Dabei sieht sich die Familie jeden Tag neuen Herausforderungen gegenüber. Auch ein alter, für Außenstehende undurchschaubarer Stammeskrieg, bei dem die Neuankömmlinge plötzlich zwischen die Fronten geraten, sorgt immer wieder für Anspannung und Misstrauen.

Die Geschichte, die Dschungelkind erzählt, ist wahr und nicht zuletzt deshalb beeindruckend. Sabine Kuegler verpackte ihre Kindheitserinnerungen in den gleichnamigen, autobiographischen Roman, der nach seiner Veröffentlichung im Jahr 2005 schnell zum Bestseller avancierte. Unter der Regie von Roland Suso Richter wird daraus vor allem ein spannendes Aufeinandertreffen zweier gänzlich unterschiedlicher Welten, deren langsame Annäherung nicht ohne Missverständnisse und Rückschläge gelingen will. Das Volk der Fayu führt ein Leben in und mit der Natur. Während sich die Welt woanders in den letzten Tausend Jahren rasant weiterentwickelt hat, scheint tief im Urwald West-Papuas die Zeit still gestanden zu haben.

Als Zuschauer nimmt man mit großen Augen diese faszinierende, von Holly Fink überaus einnehmend fotografierte Landschaft in sich auf. Über das direkte Erleben von Natur, Wildnis und dem hier allgegenwärtigen Tod schlägt der Film zugleich eine Brücke zu den Figuren. Denn Sabine und ihre Geschwister blicken anfangs ähnlich erstaunt und mitunter auch ein bisschen ratlos auf die Menschen in ihrer neuen Umgebung, die mit der Zeit ihr Zuhause werden soll. Der Aufenthalt im Dschungel verändert alle – vor allem Sabine. Aus dem kleinen Mädchen ist am Ende eine junge Frau geworden, die zurück in Deutschland nicht ohne Wehmut erkennt, dass sie in ihrem Herzen „immer ein Dschungelkind bleiben werde“. So pathetisch der Satz auch klingen mag, er erscheint glaubhaft, wenn man bedenkt, welch unvergessliche Erinnerungen sie bis hierhin mit ihrer Zeit im Urwald verbindet. Die tiefe Freundschaft zu dem Fayu-Jungen Auri (Emmanuel Simeon) war davon sicherlich eines der wichtigsten Erlebnisse, weshalb es im Film auch großen Raum einnimmt.

Das Verdienst von Richters Regie und seiner weitestgehend glaubhaften Inszenierung liegt in dem staunenden Blick, den sich „Dschungelkind“ bis zum Schluss bewahrt. Er zeugt zugleich von Hochachtung, Respekt und Anerkennung für ein Volk, das so anders ist als wir. Nur gelegentlich übertreibt es der Film mit seiner etwas zu westlich eingefärbten Urwaldromantik. Wenn das neue Zuhause der Familie wieder mal zum ultimativen Abenteuerspielplatz aufgebaut wird, bedient die Geschichte – vermutlich sogar ohne es zu wollen – recht einseitige Bilder über diesen entlegenen Teil der Welt.

Für Programmkino.de.

Freundschaft Plus - Spiel nach Plan

2011-02-14T08:50:00.003+01:00

USA 2011

++1/2

Teil 3 der Natalie-Portman-Festspiele: Nach Black Swan und Brothers wechselt die Oscar-Anwärterin das Fach und versucht sich erstmals in einer romantischen, ganz nach Hollywoodmuster gestrickten Komödie. An der Seite von Co-Star Ashton Kutcher und unter der Regie von Komödien-Veteran Ivan Reitman spielt sie eine junge Ärztin, die sich bei regelmäßigen Sex-Dates in ihren besten Freund verliebt (und dieser sich in sie). Der Film bedient alle Vorgaben an einen harmlosen und doch unterhaltsamen (Nach-)Valentinstag-Kinobesuch.

Filmkritk:

Am 14. Februar ist Valentinstag. Pünktlich zu diesem Datum der Frisch- und Immer-Noch-Verliebten bietet der Kinospielplan das passende Begleitprogramm. Dazu zählt bevorzugt romantische Kost, gerne mit komödiantischem Einschlag, bekannten Gesichtern und einer weitgehend überraschungsfreien Geschichte. Letzteres ist weniger ein Kritikpunkt denn ein beabsichtigter Schachzug, schließlich spielt der Film nicht selten nur eine Nebenrolle. Da hilft es, wenn die Handlung stets übersichtlich bleibt. Überhaupt scheinen Überraschungen in diesem Genre kaum erwünscht zu sein und so liegen zwischen Vor- und Abspann meist keine unüberwindbaren Hindernisse.

Für Freundschaft Plus gelten all die eingangs erwähnten Spielregel. Mit der Besetzung von Natalie Portman und Ashton Kutcher schielt der Film auf ein junges Zielpublikum, das seine Entscheidungen an der Kinokasse vor allem spontan und anhand der Prominenz der Darsteller trifft. Die zwei Hollywoodstars spielen hier zwei Menschen, denen die Liebe letztlich ihre Planung einer unverbindlichen Sex-Freundschaft durchkreuzt. Adam (Kutcher) und Emma (Portman) kennen sich schon seit ihrer Pubertät. Über die Jahre treffen sich beide immer mal wieder, meist jedoch nur für kurze Zeit. Das ändert sich erst, als Adam von seiner Freundin verlassen wird, und er daraufhin unter nicht unerheblichem Alkoholeinfluss eine zufällige, in seinem Handy gespeicherte Nummer anwählt.

Der Zufall trifft Emma, die als Ärztin einem ziemlich stressigen Job nachgeht und die sich daher auf keine echte Beziehung einlassen will. Sie und Adam sind sich einig, dass sie miteinander nur Spaß haben wollen. Obwohl – oder gerade weil – der Sex für beide so erfüllend ist, merken sie irgendwann, dass trotz aller Bekenntnisse mehr als nur freundschaftliche Gefühle im Spiel sind. Dies ist auch der Zeitpunkt, ab dem die unkomplizierte Bettgeschichte plötzlich kompliziert zu werden droht. Emma und Adam müssen sich entscheiden, was sie wollen.

Während Natalie Portman ihre Wandlungsfähigkeit zuletzt erneut eindrucksvoll in Filmen wie der Oscar-Hoffnung Black Swan und dem Anti-Kriegs-Drama Brothers eindrucksvoll unter Beweis gestellt hat, bedient Kutcher stets die Rolle des jugendlichen Herzensbrechers – so auch hier. Im Gegensatz zu Portman, die eigentlich noch nie in einer klassischen Hollywood-RomCom auftrat, ist er in romantischen Komödien ohnehin längst ein gern gesehener Stammgast. Dementsprechend routiniert spult er auch dieses Mal sein Repertoire ab, wobei der Fairness halber gesagt werden muss, dass Geschichte und Rollenvorgabe nur sehr begrenzt Experimente erlauben. Vielmehr verläuft die Dramaturgie des Plots entlang den bekannten Leitplanken des Genres. Bemerkenswert ist, dass sich der Film für amerikanische Verhältnisse zumindest verbal recht offen und ungezwungen über Sex auslässt.

Ivan Reitmans Regie merkt man die ganze Erfahrung aus über 30 Berufsjahren an. So funktioniert Freundschaft Plus unter der Maßgabe eines glatt geschliffenen Date-Movies recht passabel. Die Pointen sind gut getimt ohne zu überraschen, das Tempo erscheint angemessen und sogar die wenigen ernsten Momente fühlen sich dieses Mal nicht wie ein störender Fremdkörper an. Mit der Besetzung der Nebenrollen gelingt dem Film zudem ein großer Wurf. Reitmans alter Weggefährte Kevin Kline ist als Adams peinlicher Casanova-Vater der eigentliche Star. Im Zusammenspiel mit „Mumblecore“-Actrice Greta Gerwig und Juno-Sidekick Olivia Thirlby lässt er Kutcher und auch Portman ziemlich blass aussehen.

Für Programmkino.de.

Die Kinder von Paris - Reise ohne Wiederkehr

2011-02-11T09:59:00.002+01:00

F 2010

++1/2

Es ist eines der dunkelsten Kapitel der französischen Geschichte. Über die Massenrazzia im Juli des Jahres 1942, bei der über 13.000 Pariser Juden erst verhaftet und später deportiert wurden, hat man in Frankreich lange Zeit nicht gesprochen. Aus Sicht eines Kindes, das den Schrecken er- und überlebte, erzählt nun dieser Film, was in jenen Sommertagen geschah. Weiterlesen auf Koeln.de.

Tucker & Dale vs. Evil - Die Mär vom bösen Hinterwäldler

2011-02-08T16:34:00.002+01:00

CAN 2010

+++1/2

Der Horrorfilm folgt festen Regeln. Da gibt es die unschuldigen Opfer, über die plötzlich das Grauen hereinbricht, als auch finstere Psychopathen und perverse Schlächter. Wer gut und wer böse ist, darüber bestehen nur in den seltensten Fällen echte Zweifel. Zu den beliebtesten und zugleich schematischsten Genre-Vertretern zählt der gute, alte Backwood-Horror. Darin unternimmt eine Gruppe mehr oder weniger verwöhnter Großstadtkids einen Ausflug aufs Land, um dort unbeobachtet von den Eltern mal so richtig die Sau rauszulassen. Drogen, Sex, Alkohol. Dabei laufen sie regelmäßig degenerierten, ziemlich ekligen Hinterwäldlern über den Weg, deren Genpool sich im Laufe der letzten Jahrhunderte anscheinend keinen Millimeter weiterentwickelt hat. Am Ende landen die Städter dann meist auf dem Speiseplan der nicht selten kannibalistisch veranlagten Hillbillies.

Auch Eli Craig liebt den Backwood-Film. Und doch unterscheidet sich sein eigener Beitrag an einer entscheidenden Stelle von allen anderen Hinterwäldler-Geschichten. Bei ihm sind die Rednecks keine bösen, gefährlichen Psychos sondern entspannte, gemütliche Kumpeltypen, die bereits zufrieden sind, wenn sie ein kühles Bier zur Hand haben und eine ruhige Kugel schieben können. Sie sind herzensgut, freundlich und hilfsbereit, was so leider nicht immer gesehen wird. Denn aus einem von Vorurteilen gespeisten Missverständnis entsteht in Tucker & Dale vs Evil eine blutrote und dabei zum Brüllen komische Verkettung tödlicher – nennen wir es mal – Unfälle.

Die einfache und doch so geniale Idee des Films liegt in seinem konsequenten Wechsel der Erzählperspektive und einer Umkehrung der bekannten Täter-/ Opferrollen. Statt den Kids folgen wir dieses Mal den besten Freunden Tucker (Alan Tudyk) und Dale (Tyler Labine). Sie bedienen auf den ersten Blick so ziemlich jedes Klischee, das man über die Bewohner West Virginias in Filmen wie Wrong Turn vorgesetzt bekommt. Tatsächlich haben die beiden Kumpels nichts Böses im Sinn, im Gegenteil. Sie wollen nur helfen, als sie bei einer Angeltour bemerken, wie eine junge Frau (Katrina Bowden) im See scheinbar zu ertrinken droht. Leider wird ihr Einsatz nicht belohnt. Wo man eigentlich einige Worte des Dankes erwarten könnte, müssen sich unsere Jungs auf einmal mit aggressiven, zu allem entschlossenen Wohlstands-Bubis herumschlagen, die in Tucker und Dale das im Horrorfilm ansonsten kultivierte Zerrbild des irren Hinterwäldler zu sehen glauben.

Eli Craig arbeitet nicht nur geschickt mit den unterschiedlichen Abläufen, Bildern und Vorgaben des Genres, er hält den unglaublich hohen Spaßfaktor auch über die gesamte Laufzeit seines bereits auf dem „Fantasy Filmfest“ mit tosendem Applaus bedachten Debütfilms bei. Aus der 180-Grad-Volte des Drehbuchs resultieren im weiteren Verlauf zahlreiche Katastrophen, die sich – ohne zuviel verraten zu wollen – am ehesten als eine gelungene Übertragung des anarchischen Zucker-Abrahams-Zucker-Humors auf das Horrorgenre umschreiben lassen. Bei aller Albernheit denkt Craig aber stets an seine Zielgruppe, die vor allem deftige Splatter-Einlagen und blondes Eyecandy erwartet. Beides ist hier reichlich vorhanden, was Tucker & Dale vs Evil vor allem als Partyfilm in bierseliger Runde noch große Erfolge bescheren dürfte. Anderen Spaßvehikeln wie Zombie Strippers oder Evil Aliens ist Craigs charmante Hinterwäldler-Verbeugung sowieso haushoch überlegen.

Mit dem gutmütigen Tucker und dem schwer verliebten Dale besitzt der Film zudem zwei uneingeschränkte Sympathieträger, denen man bei ihren meist unfreiwilligen Splatter-Exzessen einfach nur gerne zusieht. Was Jay und Silent Bob für den Slacker-Film darstellen, könnten diese Zwei schon bald im Horrorfach sein: Ikonen der Popkultur. So überzeugend Alan Tudyk und Tyler Labine ihre Hillbillie-Parts spielen, ist man fast geneigt, einen Oscar zu fordern. Dazu wird es selbstverständlich nicht kommen, schon deshalb weil Craig in der Schmuddelecke spielt und sich dort augenscheinlich pudelwohl fühlt. Aber wer weiß, wohin es ihn in zehn oder zwanzig Jahren einmal verschlägt. Ein gewisser Peter Jackson hat auch einst mit Blut, Gedärmen und anderen Schweinereien herumexperimentiert. Heute inszeniert er Blockbuster für die ganze Familie und die eigene Trophäensammlung.

Für BlairWitch.de.

Tron: Legacy - Reboot mit neuem Chip

2011-01-28T15:53:00.002+01:00

USA 2010

++1/2

Als Anfang der achtziger Jahre die virtuelle Realität eines Computerprogramms erstmals zum Inhalt eines aufwändigen Kinofilms wurde, waren die Reaktionen eher verhalten. Mag Tron seiner Zeit voraus gewesen sein, sein Nachfolger ist es nicht, auch wenn er ebenfalls hübsch anzusehen ist. Weiterlesen auf Koeln.de.

Hereafter - Das Leben danach

2011-01-25T19:58:00.002+01:00

USA 2010

++1/2

In seinem neuem, von der Struktur an Babel angelehnten Zwei-Kontinente-Stück „
Hereafter widmet sich Altmeister Clint Eastwood der Frage, was uns nach dem Tod erwartet und wie wir als Angehörige mit dem Verlust eines geliebten Menschen umgehen. Dass er dem Zuschauer keine einfachen Antworten aufzwingt oder das komplexe Thema auf eine religiöse Deutung einengt, ist seinem Film hoch anzurechnen. Getragen von einem starken Ensemble – darunter Matt Damon und Cécile de France – weicht das angenehm ruhig inszenierte Drama jedoch nicht immer jeder Peinlichkeit aus.

Filmkritik:

Clint Eastwood hat eine beeindruckende Karriere hinter sich. Vom Westernheld, Rechtsaußen und „Dirty Harry“-Darsteller gelang dem inzwischen 80-jährigen Eastwood der Wandel zu einem allseits respektierten und von nicht wenigen gefeierten Filmemacher, dessen Ansichten zunehmend liberaler erscheinen. Zumindest setzte in seinen Arbeiten mit dem Alter eine besondere Nachdenklichkeit ein. Mal ging es dabei um die Bedeutung von Freundschaft (Million Dollar Baby), von Toleranz (Gran Torino) oder auch um den Beweis von Mut in dunklen Zeiten (Invictus). Diese Reise entlang menschlicher Grundfragen musste ihn fast zwangsläufig an den Punkt führen, der unser aller Leben betrifft und der für die einen das Ende und für andere nur der Beginn von etwas Neuen markiert. Obwohl der Tod und das Abschiednehmen unübersehbar im Zentrum von Hereafter stehen, beschäftigt sich Eastwoods Film weniger mit religiösen Betrachtungen als mit den sehr realen Folgen für die Betroffenen und ihre Angehörigen.

Ein intensives Nahtoderlebnis verändert das Leben der erfolgreichen TV-Journalistin Marie (Cécile de France). Bei dem verheerenden Tsunami von 2004 – im Film beeindruckend nachgestellt dank aufwändiger Computereffekte – wird die junge Frau von der Flutwelle erfasst und unter Wasser gedrückt. Für kurze Zeit sieht es danach aus, als ob sie die Katastrophe nicht überleben wird. Später erinnert sie sich an eine seltsame, fast schon unheimliche Szenerie. Während andere um ihr Leben kämpften, sah sie in ein helles, irritierend gleißendes Licht. Sie spürte, dass sie nicht alleine war und doch kann sie hinterher nicht genau sagen, was in diesem Augenblick mit geschah. Marie macht sich von da an auf die Suche nach Antworten. Auf dieser Reise mit einem – soviel sei verraten – angenehm offenen Ende begleitet sie der Zuschauer, der noch zwei andere Einzelschicksale kennenlernt.

George (Matt Damon) hat zu den Verstorbenen eine besondere Verbindung entwickelt, was sein geschäftstüchtiger Bruder (Jay Mohr) nur zu gerne vermarkten würde. Doch George sieht seine außergewöhnliche Gabe eher als Fluch, weshalb er sich aus dem einträglichen Geschäft mit Jenseits-Kontakten lieber heute als morgen zurückziehen will. Unterdessen verliert in London ein Junge (Frankie/George McLaren) durch einen tragischen Unfall seinen Zwillingsbruder. Es ist traumatisches Ereignis, dass ihn fortan nicht mehr loslässt. Er will wissen, was mit seinem Bruder genau geschah und vor allem wie es ihm heute geht.

Nachdem Hereafter zunächst etwas schematisch zwischen den drei Erzählsträngen, zwischen Kalifornien, Paris und London, hin- und herwechselt, laufen im Finale dann alle Fäden an einem Ort zusammen. Mit der Verdichtung auf einen Schauplatz ist zugleich eine Verknüpfung der losen Enden verbunden wie man sie bereits aus Filmen wie Babel und L.A. Crash kennt. Auch Eastwood ist dabei nicht von peinlichen Sentimentalitäten gefeit. Untermalt von einem aufdringlichen Streicherarrangement finden George und Marie schließlich zusammen. Das ansonsten um eine vielschichtige und differenzierte Sichtweise auf ein schwieriges Thema bemühte Skript von Peter Morgan (Die Queen, Frost/Nixon) vergisst hier für einen Moment jede Zurückhaltung. Dass überdies Georges besondere Fähigkeit mehrmals als rein funktionales Plot-Element eingesetzt wird, ist ziemlich offensichtlich.

Sieht man von diesen und einigen anderen Schönheitsfehlern ab – die ideenlose Visualisierung des Jenseits ist für eine solche Produktion enttäuschend –, so drehte Eastwood allerdings einen durchaus packenden, intensiven Film, der sich viel Zeit für seine Charaktere nimmt und auch vor langen, bisweilen unbequemen Diskussionen nicht zurückschreckt. Besonders eine Unterhaltung zwischen George und seiner Kochkurs-Bekanntschaft Melanie (Bryce Dallas Howard) fasst die Agenda des Films sehr anschaulich zusammen. Interessant ist, dass Hereafter jede allzu religiöse Deutung verwirft und stattdessen den entschiedenen Zweifel in Bezug auf ein Leben nach dem Tode betont.

Erschienen bei Programmkino.de.

Black Swan - Talk a Walk on the Dark Side

2011-01-19T22:15:00.003+01:00

USA 2010

+++

Für Nicht-Interessierte scheint das Ballett lediglich eine langweilige, unfreiwillig komische Hüpferei mit reichlich prätentiösem Habitus zu sein. Selbst mit der Kommerzialisierung der Klassik in den vergangenen Jahren hat sich dieses Bild kaum gewandelt. Ballett gilt als verstaubt, uncool und auch ein bisschen albern. Insofern dürfte es Darren Aronofskys Psycho-Thriller Black Swan beim Publikum sicherlich nicht leicht haben. Und in der Tat: Es wird viel getanzt, viel inszeniert und viel an einzelnen Schritten und Passagen gearbeitet – vor, auf und hinter der Bühne. Tschaikowskis Musik zur "Schwanensee"-Aufführung ist dann auch allgegenwärtig und dabei mehr als nur das musikalische Leitmotiv des Films.

Es schimmert eine dunkle Seele durch das hindurch, was uns Aronofsky hier im Mikrokosmos des New Yorker City Ballett so kunstvoll arrangiert vorlegt. Die junge, überaus ehrgeizige Tänzerin Nina (Natalie Portman) ergattert in der Neuinszenierung von "Schwanensee" die Rolle ihres Lebens. Sie soll sowohl den weißen als auch den schwarzen Schwan verkörpern, wobei letzteres sie zunächst vor scheinbar unüberwindbare Probleme stellt. Ihr Mentor, der neue Leiter des Balletts, Thomas Leroy (Vincent Cassel) ermutigt Nina immerzu, sich auch ihren verborgenen Ängsten und Leidenschaften zu stellen. Nur so könne sie auf der Bühne ganz in der Rolle des schwarzen Schwans versinken. Allerdings begibt sie sich bei ihren Versuchen zunehmend auf dunkle, verworrene Pfade, die sie allmählich an ihrem Verstand zweifeln lassen.

Aronofsky nimmt das Konzept des Psycho-Thrillers bisweilen wörtlich, wenn er Nina durch ein mysteriöses, nur auf den ersten Blick real anmutendes Labyrinth jagt, in dem augenscheinlich ihr Unterbewusstsein regiert. Schon die verwinkelten Gänge der Oper sind mehr Irrgarten als bloße Kulisse. Ohnehin ist jede einzelne Einstellung bis ins kleinste Detail durchdacht. Das zeigt sich bereits an der Anordnung der unzähligen Spiegel, vor denen es kein Entkommen gibt. Ständig wird das Geschehen von einem oder mehreren Spiegel reflektiert. Mal betrachtet sich Nina selber, mal bilden die Glasflächen im Hintergrund eine Kopie der Realität ab, welche später sogar ein beunruhigendes Eigenleben entwickelt. "Mirrors" wäre irgendwie auch ein passender Filmtitel.

Die geradezu obsessive Beschäftigung mit dem eigenen Ich und dessen symbolischer Doppelung ist jedoch nur eine von vielen Lesarten, die Black Swan anzubieten hat. Aronofsky spielt mit Ninas sexueller Entwicklung, wenn er sie im eigenen Kinderzimmer vor den Augen rosaroter Plüschfiguren masturbieren lässt (welche später wenig liebevoll entsorgt werden). Wir sehen eine junge Frau, die auf der Suche nach ihrer eigenen Identität und Sexualität ist. Bei den harten Proben geht es zudem auch immer um Selbstbehauptung, um Konkurrenz – hier in Gestalt der schönen Mila Kunis, die als Ninas neue Kollegin Lily für Verwirrung sorgt – und um ein fast schon pathologisches Streben nach Perfektion. Man kann aus dem Film dann auch einen bösen, bissigen Kommentar zum überall propagierten Leistungs- und Verwertungsgedanken herauslesen. Es dürfte kein Zufall sein, dass sich Aronofskys bisherige Filme allesamt einer betriebswirtschaftlichen Vorgabe und dem Diktat einer möglichst leichten Konsumierbarkeit entzogen haben.

Black Swan, der sich natürlich auch als geradliniger Thriller mit Lesbo-Touch anschauen lässt, hat überdies viel mit seinem Vorgänger gemein. Wenngleich das in The Wrestler dokumentierte White-Trash-Milieu so ziemlich das genaue Gegenteil von dem ist, was Aronofsky dieses Mal einfängt – die Oper und das Ballett als Orte der Hochkultur –, so blicken beide Filme doch auf ein ähnliches Schicksal. Auch Nina entgleitet allmählich die Kontrolle über ihr Leben, wobei sie anders als Randy "The Ram" Robinson eher an disziplinärem, von der Mutter befeuertem Übereifer und weniger an Disziplinlosigkeit leidet. In der filmischen Umsetzung dieses Kontrollverlusts lassen sich zwischen beiden Filme durchaus spannende Parallelen konstruieren. Dazu gehören die bewusst fragilen Handkameraaufnahmen, die Nina respektive Randy oftmals nur von hinten zeigen. Der Zuschauer soll nur das sehen, was sie gerade sehen, so dass er ihre Perspektive letztlich übernimmt. In einem Film, der als Reise in das Unterbewusstsein konzipiert ist, stellt sich natürlich immer die Frage, was tatsächlich echt ist und was lediglich der Fantasie der Hauptfigur entspringt.

Vor allem aber fühlt man sich bei Black Swan an Dario Argentos Suspiria erinnert, und das obwohl Aronofsky weder Argentos auffälliges Farb- und Sounddesign noch dessen okkulten Budenzauber übernimmt. Bereits das Ballett-Thema und manche Querbezüge in den Figuren genügen, um von der New Yorker Oper in den Schwarzwald zu gelangen. Ob sich Aronofskys elegant-verstörender Psychotrip ebenso hartnäckig im Herzen vieler Genrefans festsetzen kann, bleibt abzuwarten. In jedem Fall darf sich Natalie Portman berechtige Hoffnungen auf einen Goldjungen machen, womit sie ihre Vorgängerin Jessica Harper schon einmal ziemlich alt aussehen lassen würde.

Für BlairWitch.de.

The Green Hornet - Insekt mit Vaterkomplex

2011-01-14T00:01:00.003+01:00

USA 2010

+++

Die Filmgeschichte ist um einen Superhelden reicher. Im neuesten 3D-Vehikel aus Hollywood mischt eine grüne Hornisse die Unterwelt von L.A. auf. Mit von der Partie sind Comedy-Star Seth Rogen (Beim ersten Mal), Cameron Diaz und Oscar-Preisträger Christoph Waltz. Für Kurzweil scheint somit gesorgt. Zur Kritik auf Koeln.de.

Love and other Drugs - Nebenwirkungen inklusive

2011-01-12T14:17:00.003+01:00

USA 2010

++1/2

Er ist ein von sich mehr als überzeugter Frauenversteher, sie eine echte Kämpfernatur. Was passiert, wenn diese beiden Charaktere aufeinander treffen und sich ineinander verlieben, zeigt diese charmant-lässige Romanze. Ist die Geschichte auch weniger originell, als sie es vermutlich gerne wäre, so gefällt der Film nicht zuletzt aufgrund seiner erstklassigen Darsteller. Insbesondere Anne Hathaway darf sich erneut berechtige Hoffnungen auf eine Oscar-Nominierung machen.

Filmkritik:

Es ist die Geschichte von „Boy meets Girl“: Jamie (Jake Gyllenhaal), ein erfolgreicher Pharmavertreter, der mit seinem unwiderstehlichem Charme so ziemlich jede Frau um den Finger wickeln kann, trifft auf Maggie (Anne Hathaway), die sich von nichts und niemandem in ihr Leben reinreden lässt. Sie erscheint gegenüber Fremden stark und selbstbewusst, dabei fühlt sie sich mitunter ziemlich schwach und hilflos. Das hängt vor allem mit ihrer Parkinson-Erkrankung zusammen. Maggie ahnt, dass die Krankheit sie immer mehr in ihren Gewohnheiten einschränken wird. Nach außen hin hält jedoch ihr Schutzpanzer. Gerade weil Maggie sich zunächst ziemlich unbeeindruckt von Jamies Avancen zeigt, weckt dies dessen Jagdinstinkt.

Von der ersten Begegnung dürfte nicht nur Maggie und Jamie klar sein, dass sie füreinander bestimmt sind. Auch der Zuschauer spürt, dass hier zwei Menschen aufeinander treffen, die etwas verbindet, was sich nur schwer in Worte fassen lässt. Egal wie man es nennt, Jake Gyllenhaal und Anne Hathaway transportieren genau dieses Gefühl – er gibt den Sunnyboy, sie den verletzlichen Freigeist –, wobei der Funke immer wieder glaubhaft zwischen ihren beiden Figuren überspringt. Maggie kann nicht ohne Jamie und umgekehrt. Damit ist zugleich schnell erklärt, warum „Love and other Drugs“ als eigentlich recht klassisch angelegte romantische Komödie so gut funktioniert. Das Ergebnis kann höchstens deshalb überraschen, wenn man bedenkt, dass mit Edward Zwick ein bislang eher action-orientierter Filmemacher („Glory“, „Last Samurai“) auf dem Regiestuhl Platz nahm.

Obwohl Maggies Erkrankung ziemlich viel Raum einnimmt, läuft der Film nie Gefahr, sich in der Sentimentalitätsfalle zu verfangen. Das liegt zuerst an Anne Hathaway und ihrer mutigen Darstellung einer mit sich und ihrem Schicksal ringenden jungen Frau. Dass sie Maggie nicht allein über die sichtbaren Symptome ihrer Krankheit definiert, ihr zugleich eine widersprüchliche Persönlichkeit schenkt, das macht ihr Schauspiel erst wirklich sehenswert. Ob dahinter bloßes Kalkül steckt – die Oscar-Jury liebt bekanntlich solche Rollen –, ist letztlich zweitrangig.

Auffallend ist dennoch, wie sehr Love and other Drugs einem anderen Oscar-Liebling des vergangenen Jahres ähnelt. Mit Jason Reitmans Up in the Air hat Zwicks bittersüße Lovestory einiges gemein. Jake Gyllenhaals Jamie ist anfangs ein ähnlich cooler, gerissener Blender wie der von George Clooney so überzeugend verkörperte Downsizing-Spezialist. Beide Figuren durchlaufen zudem in etwa dieselbe Entwicklung. Sie lernen, in ihrem Leben neue Prioritäten abseits des von Rastlosigkeit geprägten Jobs zu setzen. War das bei Reitman noch mit einer unmissverständlichen Kritik an einem Wirtschaftssystem verbunden, das den einzelnen Menschen ausschließlich als Kostenfaktor betrachtet, so dient die Pharmaindustrie mit ihren Marketing-Auswüchsen hier allenfalls als Zielscheibe für gemäßigten Spott und Häme.

Abseits der für das Genre eher ungewöhnlichen Parkinson-Thematik und des latenten Indie-Anstrichs unterscheidet sich Love and other Drugs nicht wesentlich von anderen romantisch eingefärbten Hollywood-Geschichten. Es findet sich sowohl ein schräger Sidekick – in diesem Fall Jamies pummeliger Bruder Josh (Josh Gad) – als auch ein ziemlich absehbares Wohlfühl-Ende. Das Meiste ist also weder neu noch sonderlich spannend. So wie die zwei Hauptdarsteller miteinander harmonieren, sieht man aber selbst dem Gewohnten gerne zu.

Für Programmkino.de.

Devil - Wenn der Teufel Aufzug fährt

2011-01-09T15:00:00.002+01:00

USA 2010

++1/2

Fünf Menschen sitzen in einem Aufzug fest. Eine alte Frau, eine junge Frau, ein Wachmann, eine Quasselstrippe und ein Schweiger. Einer von ihnen ist der Teufel. An diesem düsteren Geheimnis lässt Devil schon in seinem Titel keinen Zweifel. Und damit beginnt ein fröhliches Ratespiel, bei dem die Frage, wer der fünf Eingeschlossenen Höllenfürst ist, vom Zuschauer von einem Verdächtigen zum nächsten in Gedanken durchgespielt werden kann. Natürlich legt der Film auf dem Weg zur Lösung manch falsche Fährte, wobei es ihm letztlich nicht gelingt, mit seiner ziemlich vorhersehbaren Auflösung für eine Überraschung oder gar echte Verwunderung zu sorgen. Dafür sind die einzelnen Puzzleteile der von Mystery-Filmer M. Night Shyamalan erdachten Story zuvor einfach viel zu schlampig gemischt worden.

Das fängt mit der tragischen Vergangenheit von Polizei-Ermittler Detective Bowden (Chris Messina) an, die bereits in der Einleitung derart überbetont wird, dass man nicht anders kann, als sie fortan im Hinterkopf zu behalten und Bezüge zu den im Aufzug eingeschlossenen Charaktere herzustellen. Als Shyamalans Sprachrohr und personifiziertes Voice Over installierten der Sixth Sense-Schöpfer und sein Autor Brian Nelson den religiösen, mexikanischen Wachmann Ramirez (Jacob Vargas). Dieser darf nicht nur die Geschehnisse kommentieren, er nimmt den Ausgang des Belzebub-Angriffs praktisch vorweg, was der Suspense nicht wirklich zuträglich ist.

Gleichwohl macht Devil durchaus Spaß. Der im Wesentlichen auf ein Hochhaus konzentrierte Okkult-Thriller verzichtet auf allen unnötigen Ballast, der anderen Genre-Vertretern nicht selten anhängt. Seine in 80 kompakte Minuten gepresste Story wird gradlinig, fast schon schnörkellos erzählt. Spielereien – aber auch Innovatives – sucht man hier vergebens. Allein die Kamera von Tak Fujimoto findet immer wieder atmosphärische Bilder und schöne Einstellungen wie die auf den Kopf gestellte Skyline Philadelphias oder die lange, hypnotische Fahrt durch den Aufzugsschacht, die das nächste Unheil ankündigt.

Shyamalans Idee und deren Umsetzung durch Quarantäne-Regisseur John Erick Dowdle entspringt der Vorstellung eines erweiterten Kammerspiels. Zwar wird die bedrohliche Enge der nur wenige Quadratmeter großen Fahrstuhlkabine anders als bei „Buried“ regelmäßig aufgebrochen, viel weiter als einen Häuserblock entkommt aber kaum eine Einstellung der dämonischen Menschenjagd, deren kalkulierte Schocks hier nach bewährten Mustern abgespult werden. In die Schablone des Genres fügen sich die einzelnen Figuren widerstandslos ein. Neben dem Klischee vom desillusionierten Cop findet sich in Devil eine Vielzahl bekannter Stereotypen. Gleich fünf von ihnen wurden von Shyamalan in den zum Höllentour umfunktionierten Aufzug eingesperrt.

Dass die Eingeschlossenen und ihr Handeln hauptsächlich als Zahnräder im großen Drehbuch-Getriebe wahrgenommen werden, erweist sich mitunter als hinderlich. Waren wir bei Buried noch ganz nah bei dem um sein Leben kämpfenden Ryan Reynolds, ist hier stets eine gewisse Distanz spürbar. Diese unsichtbare Grenze mag nicht zuletzt aus der aufgebauten Whodunit-Konstellation resultieren. Schließlich wollen sich nur die wenigsten mit einem Charakter identifizieren, der wenig später bereits als Fürst der Finsternis enttarnt wird. Dadurch kann der Film nie so ganz sein irgendwo zwischen erster Idee und finaler Umsetzung verloren gegangenes Potenzial ausspielen. Statt atemloser Spannung bietet Shyamalans okkulter Belzebub-Thriller eher ein temporeiches, durchaus unterhaltsames Potpourri aus Ratequiz und Bibelstunde.

Letzteres war ein unverzichtbares Element fast aller bisherigen Shyamalan-Arbeiten. Mal beherrscht der Glauben an ein Leben nach dem Tod (The Sixth Sense) seine Filme, dann wiederum kreisen seine Geschichten um den Verlust des Glaubens (Signs) oder die Suche nach der eigenen – spirituellen – Identität (Unbreakable). Dieses Mal geht es um Vergebung und Buße und damit um insbesondere im Christentum verankerte Themen. Dabei schließt Devil mit einer versöhnlichen, angenehm einfachen Pointe, in der die gesamte religiöse Dialektik auf den Punkt gebracht wird. Dort, wo Schatten ist, muss auch Licht sein und ohne eine Idee vom Guten wüssten wir vermutlich nicht, wie sich das Böse anfühlt. Für Shyamalan ist der Glauben der Kompass zwischen diesen beiden Welten. Schon deshalb ist Devil ein durch und durch amerikanischer Film.

Erschienen bei BlairWitch.de.

Burlesque - Möchtegern-Musical in Michael-Bay-Optik

2011-01-05T22:02:00.003+01:00

USA 2010

++

Cher und Christina Aguilera sind die Stars dieses bunten und bisweilen recht trashigen Zwitters aus dem längst zum Kultfilm avancierten Showgirls und dem Oscar-Abräumer Chicago. Für Burlesque – soviel dürfte klar sein – wird es weder für das eine noch das andere am Ende reichen. Zur Kritik auf Koeln.de.

Der Auftragslover - Französische Variation

2011-01-04T23:31:00.003+01:00

F 2010

+++

Aus Frankreich kommt diese schwer unterhaltsame, frische und temporeiche Liebeskomödie, die trotz vorhersehbarem Ausgang und weitgehend bekannter Rollenverteilung das steife Schema vergleichbarer Produktionen durchbricht. Vor der mondänen Kulisse des Fürstentums Monaco erzählt Der Auftragslover von einem professionellen Herzensbrecher und seiner nicht ganz einfachen Mission. Inmitten mediterraner Lebenslust und heißer „Dirty Dancing“-Einlagen entdecken Romain Duris und Vanessa Paradis die Vorzüge einer zunächst erzwungenen Zweisamkeit.

Filmkritik:

einst Heinz Rühmann. Für Alex (Romain Duris) ist es in gewisser Hinsicht der Leitfaden seines beruflichen Alltags. Denn der schöne Alex arbeitet als professioneller Herzensbrecher oder – wie es der verunglückte deutsche Filmtitel ausdrückt – als „Auftragslover“, der gegen ein entsprechendes Salär Frauen die Augen öffnen und den Mann an ihrer Seite als den größten Fehler ihres Lebens enttarnen soll. Seine Masche scheint nicht unbedingt originell, doch sie funktioniert – meistens. Zusammen mit seiner Schwester Mélanie (Julie Ferrier) und deren Mann Marc (François Damiens) nimmt er nicht ganz freiwillig einen durchaus kniffligen Auftrag an.

Alex soll die Millionärstochter Juliette (Vanessa Paradis) wenige Tage vor deren Hochzeit verführen und so die vielleicht verborgenen Zweifel an der Heirat ihres attraktiven aber doch ziemlich langweiligen Verlobten schüren. Niemand anderes als Juliettes Vater (Jacques Frantz) hat Alex für dieses heikle Unterfangen engagiert. Er will nicht, dass seine Tochter einen Mann heiratet, den sie tief in ihrem Herzen eigentlich nicht liebt. Um diese Vorgabe zu erreichen, müssen Alex und seine Helfer sämtliche Register ziehen. Zu spät wird unserem Auftrags-Romeo dabei bewusst, dass er sich schon längst in sein Zielobjekt verknallt hat.

Es gibt sie noch. Romantische Komödien, die witzig, charmant und bisweilen sogar originell auf ihr vorhersehbares Ziel zusteuern. Die mit viel Tempo erzählte Geschichte des professionellen Herzensbrecher Alex sollte dank ihrer jederzeit witzigen Einfälle selbst notorische RomCom-Muffel begeistern können. Allein der Aufbau und die Durchführung der einzelnen Verführungsattacken lässt einen unentwegt schmunzeln. Dazu bietet der Film – vermutlich sehr zur Freude der meisten Zuschauerinnen – eine Schmachtüberdosis, wenn Alex und Juliette plötzlich in die Fußstapfen von Patrick Swayze und Jennifer Grey treten und ganze Szenen aus Dirty Dancing nachtanzen. Regisseur Pascal Chaumeil, der beim großen Luc Besson in die Lehre ging, versteht es, die Ideen des Autorentrios Laurent Zeitoun, Jeremy Doner und Yoann Gromb bestmöglich zu verkaufen, so dass man nie das Gefühl hat, hier würden nur die üblichen Zutaten eines ansonsten ziemlich innovationsfeindlichen Genres zusammengerührt.

Hinzu kommt, dass sich der Film einfach wunderbar ansehen lässt. Diese Beobachtung betrifft nicht nur die beiden Hauptdarsteller, die füreinander eine glaubhafte Anziehung entwickeln, sondern auch die Bilder von Kameramann Thierry Arbogast. Das mondäne Flair der Côte d’Azur und ihres Millionärs-Hot-Spots Monte Carlo bildet die perfekte Kulisse für Alex’ virulentes Gefühlschaos, das sich zunehmend schwerer kontrollieren lässt. Dabei weicht Der Auftragslover gleichwohl nur unwesentlich von den Vorgaben anderer romantischer Komödien ab. Auch Chaumeil vertraut der bewährten Balance aus Kitsch und Komik, wobei letzteres hier mit viel Esprit und französischer Leichtigkeit präsentiert wird. Ein Remake aus Hollywood, was angesichts der gefälligen Grundidee recht wahrscheinlich erscheint, dürfte es schwer haben, das Original mit seinem mediterranen Flair zu übertreffen. Überdies sind Romain Duris und Vanessa Paradis ein mehr als hinreißendes Paar, dem man wünschen würde, das es nicht von den üblichen Verdächtigen (Katherine Heigl, Jennifer Aniston, Ashton Kutcher) kopiert wird.

Für Programmkino.de.

Poll - Die Buddenbrooks vom Baltikum

2010-12-30T13:25:00.002+01:00

D 2010

+++1/2

Poll, der neue Film von Chris Kraus („Vier Minuten“), beleuchtet wie schon Michael Hanekes Das weiße Band einen spannenden Ausschnitt europäischer Geschichte zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Das Anwesen einer deutschen Aristokratenfamilie an der baltischen Ostseeküste wird darin zum Schauplatz tiefgreifender Veränderungen. Bildgewaltig und erstklassig besetzt erzählt Kraus eine düstere Familienchronik, in der sich Elemente eines morbiden Märchens mit denen eines Vorkriegsdramas vermischen.

Filmkritik:

Mit ihren 14 Jahren verlässt die heranwachsende Oda von Siering (Paula Beer) im Sommer des Jahres 1914 Berlin Richtung Baltikum. Dort, an der estnischen Ostseeküste, lebt ihr Vater Eddo (Edgar Selge) mit seinen anderen Kindern und Odas Tante Milla (Jeanette Hain) auf dem seltsam verfallenen Adelsgut Poll. In der entlegenen Provinz des Zarenreiches treffen Deutsche, Russen und Balten aufeinander. Ihre Begegnungen sind meist von Misstrauen und gegenseitigen Verdächtigungen geprägt. Wie ein dunkler Schatten liegt über allem die Vorahnung fundamentaler Umwälzungen, die das Leben der Familie von Siering und ihrer Nachbarn für immer verändern soll.

In dieser angespannten und bisweilen bedrohlichen Lage sucht die junge Oda eine Möglichkeit zur Flucht. Der Zufall kommt ihr dabei zur Hilfe. Auf dem Anwesen begegnet das Mädchen einem estnischen Widerstandskämpfer (Tambert Tuisk), der sich dort vor den Russen versteckt hält und dem sie zunächst bei der Behandlung einer Verletzung hilft. Zwischen dem jungen Mann, der sich Oda unter dem Namen „Schnaps“ vorstellt, und dem Mädchen entwickelt sich alsbald ein besonderes Vertrauensverhältnis. Ihr mit Strenge über Poll herrschender Vater ahnt indes nicht, mit wem und wo seine Tochter unzählige Stunden verbringt. Ihn beschäftigen vielmehr seine vermeintlich wissenschaftlichen Forschungen rund um die Anatomie des menschlichen Körpers. In seinem abgeschirmten, mit allerlei gruseligen Präparaten ausstaffierten Laboratorium seziert er Leichen auf der Suche nach verqueren Antworten.

Es ist eine seltsame, zu gleichen Teilen faszinierende wie unheimliche Welt, in die uns Filmemacher Chris Kraus in seinem visuell außergewöhnlichen Vor-Weltkriegsdrama Poll entführt. Schon der Anblick des inzwischen auf morschen Stelzen stehenden Haupthauses mit seiner imposanten, klassizistischen Fassade kann den Betrachter förmlich erschlagen. An diesem Ort, direkt an der rauen Küste, vollziehen sich eine Vielzahl folgenschwerer Veränderungen, die uns Kraus durch die Augen einer ganz besonderen Heranwachsenden näherbringt. Es ist die Sicht eines pubertierenden Mädchens, das später als Oda Schaefer in die deutsche Literaturgeschichte eingehen soll. Ihre von Unsicherheit und Angst geprägte Adoleszenz verknüpft der Film mit einer atmosphärischen Milieuschilderung, bei der man zuweilen glaubt, Teil eines dunklen Märchens zu sein.

Übertragen auf die Literatur wirkt die entlegene Gegend um Poll wie eine Ostsee-Variation des „Zauberbergs“. Der Tod ist in beiden Geschichten allgegenwärtig. Während sich am Horizont bereits der Schrecken des Ersten Weltkrieges ankündigt, forscht Odas Vater wie ein Besessener an Leichen und deformierten Körpern. Sein Laboratorium weist dabei den Weg in eine gefährliche Sackgasse. Es ist letztlich ein Irrweg, bei dem ein Mann glaubt, das Wesen eines Menschen an dessen Gehirnform festmachen zu können. Wohin solche und andere krude Thesen später noch führen werden, ist hinlänglich bekannt. Das morbide Element durchzieht Kraus’ Film wie ein roter Faden, an dem alle Episoden dieser vom Verfall gekennzeichneten Epoche letztlich festgemacht sind.

Nicht wenige Filme wollen große Geschichten erzählen. Allein den wenigsten gelingt dieses Kunststück. Poll gehört zweifelsfrei dazu. Bereits die Bildsprache stellt den dafür notwendigen Mut unter Beweis. Die Kamera von Daniela Knapp scheut nicht das Monumentale, wenn sie entfesselt über das Anwesen der von Sierings kreist und so den bröckelnden Glanz dieser Aristokratenfamilie im Lichte einer untergehenden Sonne einfängt. Das sind Kinobilder, wie man sie im deutschen Film leider viel zu selten findet – gemacht für eine große Leinwand. Veredelt wird diese aufwändige und mutige Produktion von einem Ensemble, das im Zusammenspiel keinen einzigen Misston erkennen lässt. Vor allem die junge Paula Beer und ihr Filmvater Edgar Selge, der Ebbo von Siering mit einer beängstigenden Kälte und Konsequenz verkörpert, dürften bei künftigen Preisverleihungen im Mittelpunkt stehen.

Für Programmkino.de.

Das Labyrinth der Wörter - Französisches Idyll

2010-12-28T12:57:00.004+01:00

F 2010

++1/2

In der französischen Provinz, wo jeder noch jeden kennt und man sich nach Feierabend wie selbstverständlich in seinem Stammlokal zum Austausch über Gott und die Welt trifft, spielt der neue Film von Jean Becker (Dialog mit meinem Gärtner), in dem Sprache mehr als nur der Kommunikation dient. Als Beobachter anrührender bis urkomischer Alltagssituationen lässt er darin einen gutmütigen, aber ungebildeten Aushilfsarbeiter die Bekanntschaft einer kultivierten, alten Dame machen. Gérard Depardieu und die 96-jährige Gisèle Casadesus bügeln mit ihrem Charme so manche Schwachstelle des nur bedingt originellen Drehbuchs souverän aus.

Filmkritk:

Wenn Gérard Depardieu, gekleidet in einen Blaumann, etwas unbeholfen in Jean Beckers Das Labyrinth der Wörter die Straßen eines kleinen, namenlosen Städtchens in der französischen Provinz entlang spaziert, fällt es schwer, spontan nicht an seine Rolle als Obelix zu denken. Depardieu ist das Aushängeschild des französischen Films und überall, wo er auftaucht, ein echter Star. Und er wird nicht müde, in kleinen wie großen Filme mitzuwirken. Auch mit inzwischen 62 Jahren denkt der Liebhaber eines guten Weins offenkundig nicht daran, sein gewaltiges Arbeitspensum herunterzuschrauben. So war und ist er allein dieses Jahr wieder in fünf Hauptrollen zu sehen.

Sein Part in dieser kleinen, heiter-melancholischen Produktion ist die des uneingeschränkten Sympathieträgers. Depardieus Germain hat bislang nicht viel Glück im Leben gehabt und doch ist er keineswegs missmutig oder verbittert. Er erscheint vielmehr wie der Prototyp des sanften, tollpatschigen Riesen, dessen gutes Herz auf seine Umwelt ausstrahlt und das ihn bei allem, was er erlebt, niemals im Stich lässt. Germains Leben spielt sich vornehmlich zwischen Gelegenheitsjobs, seinem Stammlokal und einem zu seinem Zuhause umfunktionierten alten Wohnwagen hat. Im Haus nebenan lebt seine alte Mutter (Claire Maurier), um die er sich nach wie vor kümmert.

Eines Tages begegnet er im Park einer 90-jährigen, sehr zierlichen und eleganten Dame. Margueritte (Gisèle Casadesus) liebt es so sehr wie er, die Tauben zu beobachten. Und sie liebt die Literatur. Germain hingegen besitzt kein einziges Buch. Er ist praktisch Analphabet, was seiner Neugier jedoch keinen Abbruch tut. Als sie ihm einige Passagen aus Albert Camus’ „Die Pest“ vorliest, schließt er plötzlich die Augen, um jedes ihrer Worte ganz genau nachempfinden zu können. Für Germain und Margueritte beginnt mit diesem stillen Moment eine wunderbare, tiefe Freundschaft.

Jean Becker setzt mit dieser leisen Geschichte die lange Tradition seiner ruhigen, beinahe schwerelosen Erzählungen über die Idylle des Landlebens und der einfachen Leute fort. Es passiert nicht viel im Laufe dieser 82 Minuten und obwohl dies so ist, haben Langeweile und Stillstand in Das Labyrinth der Wörter keinen Platz. Wie für eine Geschichte über die Kraft und Poesie unserer Sprache nicht unüblich, spielt sich das Wesentliche in den Köpfen, Gedanken und Vorstellungen der Figuren ab. Es ist ein Film-im-Film, in den sich Germain und – zusammen mit ihm – auch wir uns begeben. Die Freundschaft zu Margueritte verändert ihn, was insofern nicht überrascht, als dass die ganze Anlage des Films auf diesen Wandel von Beginn an ausgerichtet zu sein scheint. Aber selbst die äußerst belesene und gebildete Margueritte kann von ihrer Parkbekanntschaft noch etwas lernen.

Dennoch lässt sich aus der Figurenkonstellation auch eine gewisse kulturelle Überheblichkeit herauslesen. Hier ist jemand, der wie ein kleines Kind eine neue Welt entdeckt und der gleichzeitig seinen begrenzten Erfahrungs- und Bildungshorizont nie als wirklich einengend oder gar ungerecht erlebt hat. Erst der Bildungsbürger macht ihn auf das, was er verpasst hat, aufmerksam – in Form eines Nachschlagewerks der französischen Sprache. Dass diese Schieflage am Ende nicht stärker ins Gewicht fällt, hat man weniger Beckers konventioneller Regie als den beiden Hauptdarstellern zu verdanken. Depardieu ist für die Rolle des gutmütigen Germain vermutlich schon aufgrund seiner Physiognomie die Idealbesetzung. Zusammen mit seiner Filmpartnerin, der 96-jährigen (!) Gisèle Casadesus, verleiht er Beckers bisweilen etwas geschwätzigem Film eine Seele, deren aufrichtige, ehrliche Wärme ganz intuitiv und ohne große Worte verstanden werden dürfte.

Für Programmkino.de.

Mein Kinojahr 2010 - Top 10

2010-12-24T09:38:00.005+01:00

10. Banksy – Exit through the Gift Shop
Gab es dieses Jahr eine clevere und zugleich unterhaltsamere Mockumentary? Wohl kaum. Das Portrait der Street-Art-Szene und ihrer Protagonisten gab einen Einblick in die Mechanismen des Kunstmarktes und war dabei sogar als Satire ein echter Durchmarsch.

9. Mother
Koreanisches Kino, das sich vor nichts und niemandem zu verstecken braucht. Ein packender Psycho-Krimi mit einer exzellenten Hauptdarstellerin und Bildern, die noch lange nachwirken.

8. The Social Network
Ein Film über Facebook? Eher nein. Ein Film über ein arrogantes Genie? Schon eher. Mit brillanten Dialogen und dem vielleicht besten Ensemble des Jahres schuf David Fincher den ultimativen Zeitgeist-Film.

7. In ihren Augen
Ein echter altmodischer Krimi. Der Oscar-Preisträger aus Argentinien zeichnete sich durch seine intensive, nahezu perfekte erzählte Geschichte und ein emotionales, überaus aufwühlendes Finale aus. Dazu gab es den coolsten Ermittler in 2010.

6. Mary & Max
Für mich, der Toy Story 3 bislang nicht gesehen hat, war dieser hier mit Abstand der beste Animationsfilm des Jahres. Ein kleines Mädchen und ein alter Misanthrop beginnen darin eine mehr als ungewöhnliche Brieffreundschaft. Liebevoll animiert, herzergreifend, komisch, tieftraurig. Mary & Max war alles und das zu 100%.

5. Ein Prophet
Französisches Genre-Kino wie man es vollendeter kaum machen kann. Ein knallharter Crime-Thriller über eine brutale Welt, in die wir mit jeder Szene mehr hineingezogen werden. Nahezu perfekte Filmkunst!

4. Von Menschen und Göttern
Noch einmal Frankreich. Die auf wahren Ereignissen beruhende Geschichte über eine Gruppe Trappisten-Mönche, die unter bis heute ungeklärten Umständen verschleppt und vermutlich ermordet wurden, ist ein flammendes Plädoyer für Toleranz und Verständigung und gegen Fanatismus und Hass.

3. Kick-Ass
Der Superheldenfilm des Jahres! Superb fotografiert, mit zahlreichen ungewöhnlichen Regie-Einfällen und zwei jungen, großartigen Nachwuchsdarstellern. Popkorn-Kino mit maximalem Unterhaltungswert!

2. A Single Man
Colin Firth brilliert als vom Leben verletzter Professor, der um die Liebe seines Lebens trauert. Tom Ford ist auch hinter der Kamera ein Meister seines Fachs. Schönere Bilder gab es 2010 im Kino nicht zu bestaunen. Dazu ein Soundtrack zum Niederknien.

1. Inception
Blockbuster-Kino aus einem anderen Universum. Bilder, die man so schnell nicht vergessen wird, und eine Geschichte, die wie Schicht um Schicht Neues zum Vorschein bringt. Kino als Erlebnis und das ganz ohne 3D!

Runners-Up (Top 20 in beliebiger Reihenfolge): The Road, Die etwas anderen Cops, Crazy Heart, The American, Die Beschissenheit der Dinge, Mr. Nobody, Einfach zu haben, Fish Tank, Same same but Different, Buried.

Enttäuschungen: Miral, The Expendables, In meinem Himmel, The Kids are allright, Somewhere.

Und damit wünsche ich allen Lesern ein frohes, ruhiges und besinnliches Weihnachtsfest!

Rare Exports - Finnische Weihnachten

2010-12-22T12:15:00.002+01:00

FIN 2010

+++

Im hohen Norden gehen die Uhren anders und vor allem langsamer. Das weiß man spätestens seit den Filmen Aki Kaurismäkis. Gerade dem Finnen wird ein Hang zur stoischer Gelassenheit, Sprachlosigkeit und tiefer Melancholie nachgesagt. Dort, wo der Winter kalt und dunkel und der Sommer meist recht kurz ist, lebt ein ganz eigener Schlag Menschen. Diesen Beweis erbringt auch Jalmari Helanders etwas andere Weihnachgeschichte Rare Exports, die durchaus als Gegenentwurf zu den klassischen Erzählungen zum Fest der Feste verstanden werden kann. Denn statt einer heilen Welt, Frieden auf Erden und prachtvoll geschmückter Tannenbäume präsentiert uns Helander seine Version des Weihnachtmann-Mythos. Und die hat es in sich.

Schon der Beginn ähnelt mehr einem Mystery-Thriller, als dass man ihn mit einem Weihnachtsfilm in Verbindung bringen würde. Da beobachten zwei Jungs wie Mitarbeiter einer Minenfirma bei Bohrungen augenscheinlich auf etwas Ungewöhnliches stoßen. Was genau es ist, das können der kleine Pietari (Onni Tommila) und sein bester Freund Juuso (Ilmari Järvenpää) zunächst nicht erkennen. Als sie jedoch wenig später alle Rentiere der Herde abgeschlachtet auffinden, wissen sie, dass sie es hier mit einer ernstzunehmenden Gefahr zu tun haben. Selbst Pietaris Vater (Jorma Tommila), der den Schilderungen seines Sohnes zunächst keinen Glauben schenken wollte, ist plötzlich fest entschlossen, dem Geheimnis auf den Grund zu gehen. Eine aufgestellte Falle soll das Rätsel um das Renntiermassaker lösen.

Die Idee zu Rare Exports verarbeitete Helander bereits in zwei mehrfach preisgekrönten Kurzfilmen, in denen an dem gerade in diesen Tagen allgegenwärtigen Santa-Claus-Denkmal auf sehr schräge und zugleich charmante Art gerüttelt wurde. Der nun vorliegende Kinofilm spielt zeitlich vor den Shortys, die im Gegensatz dazu als Werbe- und Image-Videos der fiktiven Weihnachtsmann-Firma „Rare Exports Inc.“ gestaltet worden. Da es bereits der Trailer verrät, fällt es vermutlich nicht unter eine Spoiler-Warnung, wenn man Helanders Santa Claus als nackten, verwahrlosten und gefährlichen Wilden beschreibt. Diese Figur ist somit das genaue Gegenteil des gutmütigen, großväterlichen Geschenkeüberbringers, als den wir ihn seit unserer Kindheit immer wieder vorgestellt bekamen.

Was die Geschichte auszeichnet, ist jedoch keine simple Dekonstruktion eines Heiligen. Es ist vielmehr die liebevolle Art der Zerlegung, die Rare Exports so unterhaltsam und einnehmend macht. Bereits die mit einem Augenzwinkern vorgetragenen Beobachtungen abseits des Weihnachtsmanns-Inhalts zeugen von Helanders tiefer Liebe zu seiner Heimat und ihren mitunter skurrilen Bewohnern. Pietaris Verwandlung vom schüchternen Mitläufer zum selbstbewussten Anführer, der am Ende sogar den Erwachsenen sagt, was zu tun ist, nutzt der Film für eine echte Charmeoffensive, der man auch als Skeptiker eines Anti-Weihnachtsfilms-Films früher oder später erliegt. Helander weiß, dass es nicht genügt, eine knapp 90-minütige Geschichte allein auf einer möglichst schrägen Prämisse aufzubauen. Man muss diese auch in ein Gerüst einbauen, das für sich alleine (be-)stehen kann.

In diesem Fall ist es der kleine, mutige Pietari und dessen abenteuerlicher Plan zur Zähmung eines wilden, alten Mannes samt Gefolge, über den Rare Exports erst so richtig den Zugang zu seinem Publikum findet. Denn auch jeder Gegenentwurf zum Schmalz und Kitsch des ansonsten ziemlich idealisierten Weihnachtsfestes kommt nicht ohne eine gewisse Portion Schmalz und Kitsch aus (wobei Helander uns beides glücklicherweise in nur sehr geringen Dosen zumutet). Diese Regel befolgte sogar Terry Zwigoffs Bad Santa und der war ansonsten alles andere als Schwiegermutter-kompatibel. Wer die Kurzfilme nicht kennt, dürfte zudem über die inhaltliche Hinführung zu diesen schmunzeln. Hieraus erklärt sich schließlich auch der Titel des Films.

Nicht alles, was Helander erzählen will, geht auch auf. Nach einem starken Beginn und einem noch besseren Ende leistet sich der Film im Mittelteil doch einige Durchhänger. Die Konditionsschwächen sind letztlich aber nur vorübergehender Natur. Später zieht Helander die Zügel wieder spürbar an, wobei sein spezieller Humor die weiße Winterlandschaft allmählich tiefschwarz färbt. Hinzu kommen mehr als nur einige Spritzer Blut, die bei der ungewöhnlichen, ganz und gar unweihnachtlichen Weihnachtsaktion vergossen werden. Gefilmt – auch das soll nicht unerwähnt bleiben – wurde all dies mit großer Eleganz. Dass die Bilder der schneebedeckten, finnischen Landschaft eigentlich mehr in ein harmloses Wintermärchen passen, ist nur eine weitere, böse Pointe dieses erfrischend unkorrekten Weihnachtsfilms.

Erschienen bei BlairWitch.de.

Die Chroniken von Narnia - Die Reise auf der Morgenröte

2010-12-20T17:15:00.002+01:00

USA 2010

++1/2

Bereits zum dritten Mal heißt es: Auf nach Narnia! Das von C.S. Lewis erdachte Fantasiereich erstrahlt in seiner neuesten Auflage in drei Dimensionen. Mit neuem Regisseur und alter Besetzung blieb man trotz des Schauplatzwechsels auf ein stolzes Segelschiff dem Geist der beiden Vorgänger treu. Weiterlesen auf Koeln.de.

Von Menschen und Göttern - Einsame Entscheidung

2010-12-16T10:04:00.002+01:00

F 2010

+++1/2

Mit der in den neunziger Jahren erfolgten und bis heute nicht aufgeklärten Ermordung der Trappisten-Mönche von Tibhirine befasst sich Xavier Beauvois’ Von Menschen und Göttern. In meditativen Bildern und im Rhythmus der choralen Gebete des Ordens erzählt Beauvois eine ergreifende Geschichte, in der Mut, Mitmenschlichkeit und religiöse Toleranz als fundamentale Werte allgegenwärtig sind. Bei den Filmfestspielen von Cannes gab es dafür den „Großen Preis der Jury“. Von Menschen und Göttern wird von Frankreich zudem in das Oscar-Rennen um den „Besten fremdsprachigen Film“ geschickt.

Filmkritik:

Das Atlas-Gebirge erstreckt sich von Marokko im Westen über Algerien bis nach Tunesien. Es ist eine schroffe, zugleich faszinierende Landschaft, geprägt von kleinen Dörfern und Siedlungen und einer mühsamen, meist nicht sonderlich ertragreichen Landwirtschaft. In dieser felsigen Umgebung erscheint das malerische, liebevoll gepflegte Kloster der Trappisten-Mönche von Tibhirine wie ein kostbares Refugium der Ruhe und des Friedens. Tatsächlich ist das Dorf unterhalb des Klosters mit diesem über die Jahrzehnte gewachsen. Zwischen den Mönchen und der einheimischen Bevölkerung besteht ein sehr freundschaftliches Verhältnis. Die Geistlichen bieten ihre Hilfe bei medizinischen Problemen und anderen, auch zwischenmenschlichen Nöten an, im Gegenzug werden sie regelmäßig zu Familienfesten und anderen Feierlichkeiten eingeladen.

Doch diese friedliche Idylle ist bedroht. Seitdem islamistische Rebellen immer wieder die Gegend um das Kloster aufsuchen und dabei zuletzt sogar eine Gruppe kroatischer Gastarbeiter ermordeten, spüren die Mönche, dass auch ihr Leben ernsthaft in Gefahr ist. Die Behörden legen ihnen dann auch nahe, Tibhirine möglichst bald zu verlassen. Die Gemeinschaft unter der Leitung des engagierten Abts Christian (Lambert Wilson) ist gespalten. Ein jeder fühlt sich hin- und hergerissen zwischen der Angst vor dem, was da auf sie zukommen mag, der Verpflichtung, den Menschen gerade in dieser schwierigen Lage beizustehen und dem mutigen Bekenntnis, sich nicht von Terroristen die eigenen Entscheidungen diktieren zu lassen.

Regisseur Xavier Beauvois erzählt eine tragische und zugleich wahre Geschichte über eine Gemeinschaft, die auch im Angesicht einer konkreten Bedrohung ihre Prinzipien von Solidarität und Nächstenliebe nicht vergisst. Das bis heute nicht gänzlich aufgeklärte Verbrechen an den Trappisten-Mönche von Tibhirine, die im Jahr 1996 vermutlich von fanatischen Islamisten verschleppt und umgebracht wurden, lehrt viel über Mut, Willenstärke und Mitmenschlichkeit. Und es zeigt, was passiert, wenn Hass und Verblendung Überhand nehmen. Trotz seines brisanten Themas vermeidet Beauvois’ gerade zum Ende hin hochemotionaler Film vorschnelle Schuldzuweisungen und Erklärungen. Auch wird der Islam keineswegs mit den Gräueltaten der Terroristen gleichgesetzt. Von Menschen und Göttern lässt vielmehr klar erkennen, dass die Religion von manchen nur als Vorwand für ihre Interessen missbraucht wird. Letztlich sind die Mönche – und nicht nur sie – Opfer eines blutigen Krieges zwischen der korrupten algerischen Regierung und religiösen Fanatikern.

Beauvois wählte für seine in gewissen Momenten durchaus auch hoffnungsvolle Geschichte die wohl beste, weil passgenaueste Form. Das asketische, karge Leben der Mönche, ihr streng nach sieben Stundengebeten ausgerichteter Tagesablauf, all das fand in der Narration und Bildästhetik seine filmische Entsprechung. Die zahlreichen, wiederkehrenden choralen Gebete und Gesänge erzeugen hierbei wie die übrigen Alltagsbeobachtungen einen beinahe kontemplativen Erzählrhythmus, dessen schroffe Unterbrechung mittels Gewalt und Terror umso mehr erschüttert.

Wie schon in Philip Grönings Dokumentation Die große Stille über das Kartäuserkloster „La Grande Chartreuse“ öffnet die authentisch nachgestellte Ruhe des Klosterlebens das Tor zu einer anderen, den meisten von uns fremden Welt. Ob die von Beauvois zum Ende hin forcierte Anlehnung an das letzte Abendmahl zwingend notwendig gewesen wäre, darf indes bezweifelt werden. Die emotionale Aufdringlichkeit dieser mit Tschaikowskys Schwanensee unterlegten Szene, in der aus ehrbaren Männern plötzlich Martyrer gemacht werden, ist jedoch nicht mehr als ein kleiner Makel an einem ansonsten nahezu perfekten Film.

Erschienen bei Programmkino.de.

The Tourist - Tod in Venedig

2010-12-14T11:44:00.002+01:00

USA 2010

++

Florian Henckel von Donnersmarck (Das Leben der Anderen) hat den Sprung nach Hollywood geschafft. Er arbeitet nun mit Superstars wie Angelina Jolie und Johnny Depp zusammen und darf für seinen neuen Film mal eben über ein Budget von 100 Mio. Dollar verfügen. Das Resultat ist ein (zu) leichter, ziemlich altmodischer Katz-und-Maus-Thriller vor Fototapeten-Kulisse – in mehrfacher Hinsicht flüchtige Unterhaltung.

Filmkritik:

Wie jagt man ein Phantom? Diese Frage stellen sich auch die Behörden, die schon länger dem gerissenen Millionendieb Alexander Pearce auf den Fersen sind. Bislang konnte der Gesuchte, von dem Scotland Yard noch nicht einmal weiß, wie er denn genau aussieht, jedoch immer entkommen. Nach der Observation seiner Geliebten Elise (Angelina Jolie) in Paris mehren sich die Hinweise, dass sich Pearce in Italien aufhält. Elise steigt dann auch wenig später in den Zug Richtung Venedig, wo sie auf den amerikanischen Touristen Frank (Johnny Depp) trifft. Der ist zunächst sichtlich verwirrt, dass sich eine derart schöne Frau für ihn interessiert und seine Nähe sucht. Doch hinter den von Elise geschickt gesteuerten Flirtattacken steckt reines Kalkül. Ihre Verfolger sollen glauben, dass Frank der gesuchte Gangster ist.

Dass die Wahl von Deutschlands Oscar-Export Florian Henckel von Donnersmarck bei dessen Hollywood-Einstand ausgerechnet auf ein Remake des französischen Gaunerstücks Anthony Zimmer fiel, mag zunächst überraschen. Der Mann, der uns vor drei Jahren den Publikumserfolg Das Leben der Anderen bescherte, vollzieht mit dem nicht allein aufgrund seiner Schauplätze sehr europäisch anmutenden Thriller eine 180-Grad-Wendung. Statt mit bedrückenden Grau-in-Grau-Tönen und tristen Plattenbauten verwöhnt er unser Auge nunmehr mit mediterranen, geradezu makellosen Bildern wie man sie in einem Werbeprospekt vermuten würde. Hauptdarstellerin Angelina Jolie, von der sich die Kamera kaum einen Moment lösen kann, wird dabei endgültig zu einer mit Luxusdevotionalien ausgestatteten Leinwandikone.

Sie und nicht der ziemlich gelangweilt aufspielende Johnny Depp ist der Star dieser 100 Mio. Dollar-Produktion, die mit Action geizt und sich um eine konsistente Handlung nicht wirklich kümmert. Gerade die Auflösung offenbart rückblickend doch gravierende Logikschwächen, wobei die finale Pointe schon recht früh ersichtlich ist. Auch wenn mit Christopher McQuarrie der Autor der Üblichen Verdächtigen am Drehbuch mitschrieb, reicht es im vorliegenden Fall nicht zu einem überzeugenden Whodunit. Donnermarcks Regieeinfälle sind überdies bestenfalls zurückhaltend. Er begnügt sich damit, ein locker-verspieltes Urlaubsflair auf die Leinwand zu zaubern – Ocean’s Twelve lässt grüßen – und gleichzeitig Angelina Jolie gut aussehen zu lassen. Das ist unterhaltsamer, als es klingt, aber meilenweit von der Klasse seines Erstlings entfernt.

Es hilft dem durchaus altmodischen The Tourist ebenfalls nicht, dass er sich recht offensichtlich bei Klassikern wie Hitchcocks Über den Dächern von Nizza bedient. Eher erscheint Donnermarcks Hollywood-Debüt dadurch noch trivialer. Überall nur Oberfläche – wenngleich eine makellose – und wenig, was dahinter zum Vorschein käme. Bei Steven Soderbergh sprach man seinerzeit von einer Fingerübung, als dieser die Ocean’s-Reihe etablierte, Donnersmarck fehlt hierfür jedoch die nötige Vita als Filmemacher. Es war sicherlich zu erwarten, dass er die mit Das Leben der Anderen gesetzte Messlatte kaum überbieten wird können. Dass er sie am Ende ganz einfach umläuft, ist dann aber schon eine Überraschung.

Für Programmkino.de.

Rapunzel - Neu verföhnt

2010-12-11T15:41:00.002+01:00

USA 2010

+++

Mit der Neuverfilmung eines Märchenklassikers müht sich Disney, an die Tradition seiner alten Animationsmeisterwerke anzuknüpfen und gleichzeitig die Möglichkeiten der neuesten 3D-Technik zu nutzen. Das Ergebnis beinhaltet jede Menge Kitsch, Pomp, Action und Humor. Kurzum: Beste Unterhaltung für die ganze Familie. Zur Kritik auf Koeln.de.

Monsters - Ein Film über uns

2010-12-08T16:56:00.002+01:00

GB 2010

++1/2

Manche Filmtitel sind mehr als irreführend. Monsters ist hierfür das beste Beispiel. Denn wer nur nach dem Titel geht und eine actionreiche Survival-Jagd erwartet, sieht sich getäuscht. Das Debüt des britischen Filmemachers und Effektkünstlers Gareth Edwards ist mehr Drama als Monsterfilm, mehr Liebesgeschichte als Horror und mehr kritische Reflexion als spannungsgeladener Thriller. Die zitierten Monster – eine Kranken-ähnliche, außerirdische Lebensform, die mit dem Absturz einer NASA-Kapsel vor sechs Jahren im Grenzland zwischen Mexiko und den USA gelandet ist – spielen dabei eigentlich nur eine Nebenrolle. In Wahrheit dreht sich Edwards Ultra-Low-Budget-Produktion um zwei verlorene Seelen, die sich auf ihrer gemeinsamen Rückreise in die Staaten allmählich näher kommen.

Diese Zwei, damit sind der Fotograf Andrew (Scoot McNairy) und die wohl behütet aufgewachsene Millionärstochter Samantha (Whitney Able) gemeint, bilden eine Schicksalsgemeinschaft, seit sich beide in Mexiko das erste Mal begegneten. Andrew erhält von Samanthas Vater den Auftrag, die Tochter auf ihrer Heimreise zu begleiten. Die Zeit drängt, immerhin wollen die USA schon bald die Grenze zu dem infizierten Gebiet ganz schließen. Zunächst versuchen Andrew und Samantha, mittels Fähre über den Golf von Mexiko nach Hause zu gelangen. Dieses Vorhaben scheitert jedoch, so dass beiden nichts anderes übrig bleibt (Warum eigentlich? Was ist mit einem Flugzeug?), als den gefährlichen Landweg zu nutzen. Dazu müssen sie auch die von den Aliens bevölkerte Zone durchqueren.

Edwards machte aus der Not eine Tugend. Da ihm die finanziellen Mittel für eine aufwändige Materialschlacht oder einen teuren Science-Fiction-Film erst gar nicht zur Verfügung standen, war die Gefahr, dass sich Monsters in einen seelenlosen Special-Effects-Trip verwandeln könnte, praktisch nicht vorhanden. Was man im Film hingegen an fertigen Effekten sieht, ist vielmehr das Ergebnis genialer Photoshop-Spielereien, die Edwards allesamt in Eigenregie kreierte. Schon dafür muss man dem Nachwuchstalent Respekt und Anerkennung zollen. Die an riesige Tintenfische erinnernden Aliens hinterlassen – wenn sie dann einmal in Großaufnahme zu sehen sind – einen durchaus plastischen Eindruck und auch den einkopierten Schiffs- und Autowracks sieht man ihre virtuelle Identität keineswegs an.

Die außerirdischen Gäste, über die man kaum etwas erfährt, bilden letztlich nur die Kulisse für ein vergleichsweise ruhiges, fast schon unspektakuläres Dschungel-Abenteuer, das seine Unaufgeregtheit zwischenzeitlich etwas zu sehr auskostet. Was der Geschichte an Schwung und Tempo fehlt, hofft Edwards offenbar mit Authentizität und Nähe ausgleichen zu können. Leider geht diese Rechnung nicht immer ganz auf. Vor allem Andrews Verhalten erscheint wie bei seinem alkoholindizierten One Night Stand des Öfteren nur sehr eingeschränkt plausibel. Auch dauert es eine Weile, bis Monsters seine beiden Protagonisten aus der zunächst weit offenen Schublade des profitgeilen Fotografen und der verwöhnten Millionärstochter herausholt. Nach knapp zwei Drittel des Films etabliert Edwards dann jedoch über ganz wenige Schlüsselszenen allmählich eine intensivere Beziehung zwischen uns und seinen Figuren. Der gemeinsam erlebte Sonnenuntergang auf der Azteken-Pyramide, so kitschig dieses Ereignis mit Sicherheit auch ist, bringt nicht nur Andrew und Samantha einander näher. Plötzlich blicken auch wir mit anderen Augen auf zwei Menschen, deren weiteres Schicksal sich in diesen Momenten zu entscheiden scheint.

Der um Authentizität und Realismus bemühte, dokumentarische Look passt recht gut zu der gut gemeinten Öko-Botschaft des Films. Edwards sympathisiert mit den offenbar doch recht friedlichen Riesenkreaturen, die ihre Lebensweise bereits an das Ökosystem des mexikanischen Dschungels angepasst haben. So wächst ihr Nachwuchs in kleinen, an den Stämmen der Bäume abgelegten Kapseln heran. Obwohl sie ausgewachsen so groß wie ein zehnstöckiges Gebäude sind, geht von ihnen allenfalls zu Beginn ein Gefühl der Bedrohung aus. Eine in den Abendstunden unternommene Flussfahrt in einem wackligen Holzboot deutet kurzzeitig das von Edwards nicht wirklich ausgeschöpfte Suspense-Potenzial seines viel zu braven Alien-Versteckspiels an. Wenn aus dem Wasser plötzlich eines dieser geheimnisvollen Geschöpfe aufsteigt, stockt nicht nur Andrew und Samantha der Atem.

Mutig ist es schon, wenn ein Film seine im Titel angelegte Prämisse derart konsequent unterläuft und sich um Erwartungen nicht das Geringste schert. In der Verpackung eines vermeintlichen Alien-Thrillers steckt hier ein durchweg unschuldiger, keuscher Liebesfilm, der seine beiden Protagonisten allenfalls schüchterne Blicke austauschen lässt. Garniert wird die Dschungel-Romanze mit opportuner Kritik an der rigiden Einwanderungspolitik des Westens und seiner nicht erst seit 9/11 praktizierten Bunkermentalität. Man ahnt schließlich, warum Edwards sein Werk so und nicht anders genannt hat. Was er uns sagen will, ist einfach: Die Monster sind nicht die Anderen, die Monster, das sind wir.

Erschienen bei BlairWitch.de.

Nowhere Boy - Fab One

2010-12-06T13:44:00.003+01:00

GB/KAN 2009

+++1/2

Liverpool und die „Fab Four“. Das eine scheint nicht ohne das andere denkbar. In ihrem Spielfilmdebüt zeichnet die britische Regisseurin Sam Taylor-Wood die Jungendjahre des späteren Beatles-Frontmannes John Lennon nach. Aufgewachsen bei seiner konservativen Tante sucht das Musikgenie nach der eigenen Identität und lernt auf diesem Wege seine progressive Mutter und den Rock’n’Roll kennen. Auch Nicht-Beatles-Fans sollten einen Blick auf diese mitreißende Coming-of-Age-Geschichte riskieren, der endlich auch hierzulande die verdiente Kinoauswertung zuteil wird. Ein wirklich begeisternder Film!

Filmkritik:

Liverpool. Die Hafenstadt im Nordwesten Englands ist untrennbar mit der bis heute erfolgreichsten Musikband aller Zeiten verbunden, den Beatles. Bevor jedoch Songs wie „Yesterday“ und „Strawberry Fields Forever“ von hier aus ihren weltweiten Siegeszug antraten, lag vor George, Paul, Ringo und John ein beschwerlicher Weg. Während sich Iain Softleys Backbeat leidenschaftlich den Anfangsjahren der Fab Four widmete, blickt der ebenfalls britische Nowhere Boy noch weiter zurück. In ihrem Spielfilmdebüt erzählt Regisseurin Sam Taylor-Wood von der Jugend John Lennons, seiner musikalischen Sozialisation und der ersten Begegnung mit einem gewissen Paul McCartney.

John (Aaron Johnson) wächst wohlbehütet und in durchaus bürgerlichen Verhältnissen bei seiner Tante Mimi (Kristin Scott-Thomas) auf, die ihn mit liebevoller Strenge zu Disziplin und Anstand erzieht. Von seiner leiblichen Mutter Julia (Anne-Marie Duff) sind ihm lange Jahre nur Erinnerungen geblieben, seitdem sie und sein Vater Alf sich einst getrennt hatten. Da war John gerade einmal fünf Jahre alt. Eher beiläufig erfährt er eines Tages, dass Julia entgegen seinem Glauben immer noch ganz in der Nähe wohnt. Er baut den Kontakt zu ihr wieder auf, was seiner Tante zunächst sichtlich missfällt. Es ist Julia, die den jungen John in eine, für ihn bis dahin unbekannte Welt einführt, ihn mit dem Virus des Rock’n’Roll infiziert und seine spätere musikalische Entwicklung maßgeblich prägt.

Der Film lässt mit viel Hingabe und Liebe zum Detail das England der späten fünfziger Jahre wiederauferstehen. Die Arbeiterstadt Liverpool erscheint nicht nur ungemein lebendig, es werden auch die Gegensätze und Brüche zwischen der eher proletarisch beeinflussten Pop- und Rock’n’Roll-Musik und des ebenfalls aus den USA importierten Jazz deutlich. Anders als seine späteren Bandkollegen stammt John Lennon nämlich nicht aus dem Milieu der Working Class. Er genießt eine gute Ausbildung, was er allerdings nicht immer zu schätzen weiß. Seine Jugend beinhaltet neben den typischen rebellischen Phasen auch immer wieder eine tiefe Sehnsucht nach familiärer Sicherheit und Geborgenheit. Beides lässt sich im Spannungsfeld zweier vollkommen unterschiedlicher Lebensentwürfe – auf der einen Seite den seiner disziplinierten Tante, auf der anderen den seiner freigeistigen, liberalen Mutter – bisweilen recht schwer vereinbaren.

Nowhere Boy, der Titel deutet es bereits an, beschreibt den späteren Superstar als einen Jungen, der lange Zeit nicht so recht weiß, wo er eigentlich hingehört und welchen Weg er gehen soll. Erst die Musik bewirkt einen sinn- und identitätsstiftenden Wandel. Dabei erweist sich Taylor-Woods Film vornehmlich als feinfühliges Coming-of-Age-Stück. Der von Aaron Johnson bravourös gespielte junge John Lennon steht hier im Vordergrund und nicht seine erst später entwickelte Star-Persona. Diese wird in den Auftritten mit seiner ersten Band, den „Quarrymen“, allenfalls angedeutet. Und doch versäumt es Nowhere Boy nicht, seine Geschichte einer mitunter schizophrenen Adoleszenz mit viel erstklassiger Rock’n’Roll-Musik zu unterlegen. Am Ende verlässt ein gereifter John seine Heimatstadt Richtung Hamburg. Die weiteren Kapitel in seinem Leben dürften hinlänglich bekannt sein.

Für Programmkino.de.

Ich sehe den Mann deiner Träume - Fließband-Routine

2010-12-04T10:04:00.004+01:00

USA/GB 2010

++

Jedes Jahr ein neuer Film. Woody Allen, der in diesen Tagen seinen 75. Geburtstag feiert, bleibt seinem Arbeitsrhythmus, sich selbst und seinen Themen - die Beziehungsprobleme neurotischer Großstädter - treu. Das ist mitunter etwas langweilig, für Allen-Fans aber vermutlich genau das, was sie von ihm erwarten. Zur Kritik auf Koeln.de.

Fair Game - Schattenjagd

2010-11-27T23:29:00.003+01:00

USA 2010

++1/2

Doug Liman (Die Bourne Identität) bleibt auch mit seiner neuen Arbeit Fair Game dem Milieu des Polit- und Spionagethrillers verbunden. Der auf wahren Ereignissen basierende Film schildert die Affäre um die vom Weißen Haus enttarnte CIA-Agentin Valerie Plame und manipulierte Beweise im Vorfeld des letzten Irak-Krieges. Überraschenderweise liegen die Qualitäten der Geschichte weniger im Politischen denn im Privaten. Weiterlesen auf Koeln.de.

Saw 3D - Das Spiel ist aus

2010-11-25T14:46:00.003+01:00

USA 2010

+1/2

„Ich will ein Spiel spielen!“ Es ist dieser Satz, den die Saw-Reihe in ihren inzwischen sieben Ausgaben am treffendsten beschreibt und der öfter als jeder andere zu hören war. Jigsaw, der Puzzlemörder mit ausgeprägtem Spieltrieb, ist längst Teil des Horrorolymps und eine Genreikone, die wie Freddy, Jason und Co. eine ganze Generation von Horrorfans fasziniert und begeistert. Seit mehreren Teilen verrichtet jedoch nicht mehr der Meister selbst sondern sein treuer Gehilfe Detective Mark Hoffmann (Costas Mandylor) die Drecksarbeit, schließlich weilt Jigsaw alias John (Tobin Bell) nicht mehr unter den Lebenden. Und auch Jigsaws Witwe Jill (Betsy Russell) mischte bei der Legendenbildung ihres Mannes zuletzt kräftig mit.

Der Horror des kunstvoll arrangierten Fallenstellens findet mit Saw 3D – Vollendung sein vorläufiges Finale. Die Betonung liegt hierbei auf „vorläufig“. Klar scheint nämlich, dass die Ankündigung der Produzenten, keinen weiteren Saw-Teil drehen zu wollen, nur bedingt glaubhaft ist, zumal sich der Film ein weiteres, unübersehbares Hintertürchen offen lässt. So eindeutig wie es der deutsche Beinamen suggeriert, biegt dieser Saw keineswegs auf seine Zielgerade ein. Zwar werden auch dieses Mal wieder einige offene Fragen der Fanbase beantwortet, die präsentierte Auflösung beinhaltet dann jedoch wiederum andere Fragezeichen. Vor diesem Hintergrund könnte die Story vermutlich ad finitum fortgeführt werden.

Der Übergang von Teil VI zu VII verläuft wie schon bei den Vorgängern fließend. Das am Ende von Teil VI begonnene Duell zwischen Jigsaws Schüler Detective Hoffmann und Jill wird hier nun weiterverfolgt und mit den Nachforschungen des internen Ermittlers Agent Gibson (Chad Donella) verknüpft. Dieser erhält von Jill wichtige Informationen über das geheime Doppelleben des in Wahrheit alles andere als gesetzestreuen Kollegen. Unterdessen muss sich ein zwielichtiger Selbsthilfeguru (Sean Patrick Flanery) durch ein neues Fallenlabyrinth kämpfen, bei dem zunächst seine Geschäftspartner und später auch seine Frau auf eine Rettung in buchstäblich letzter Sekunde hoffen.

Der Versuch, die zweigeteilte Erzählstruktur mit ihren eingestreuten Rückblenden bereits als Qualitätsmerkmal zu verkaufen, wird von Regisseur Kevin Greutert und seinem eingespielten Autorenteam Patrick Melton und Marcus Dunstan dieses Mal nur noch halbherzig unternommen. Im Grunde wissen alle Beteiligten, dass man den Jigsaw-Spuk viel früher hätte beenden müssen und zwar zu einem Zeitpunkt, als die Abnutzungserscheinungen vergleichweise gering und die Plausibilität des Folterszenarios noch weitgehend intakt war. Nach dem genialen weil wirklich originellen Auftakt produziert sich die Reihe ohnehin vor allem als sadistische Incredible-Machine-Variante, bei der Menschen wie Laborratten eingesetzt werden. Das ist mal mehr und mal weniger unterhaltsam.

Während man mit Dr. Lawrence Gordon seinerzeit mitfieberte und sich fragte, wie dieser Albtraum für ihn wohl ausgehen wird, sind Jigsaws Opfer in Teil VII entweder unsympathische Hochstapler, geldgeile Karrieristen oder glatzköpfige Faschos, über die man so gut wie nichts erfährt. Folglich lässt einen das Leiden der menschlichen Versuchskaninchen relativ kalt. Selbst dem Bauprinzip der meist tödlichen Fallkonstruktionen ist ihr Verschleiß anzumerken. Mit Ausnahme der bereits in der Eingangssequenz zum Einsatz kommenden Dreifachsäge, deren recht geringer Blutzoll echte Gorehounds aber wohl kaum zufrieden stellen dürfte, zeichnen sich die Folterapparaturen eher durch ihre leidenschaftslose Bauweise aus. Schmerzlich vermisst werden nicht zuletzt psychologische Fallstricke, über die potenzielle Opfer stolpern könnten. Jigsaws verquerer Lehrauftrag eines falsch verstandenen „Carpe Diem“ bleibt hier nur eine schwach motivierte Behauptung.

Der größte Schwachpunkt von Teil VII steckt allerdings ganz woanders. Dass die Macher auf den 3D-Zug aufgesprungen sind und ihren Film schon in den ziemlich peinlichen US-Trailern als das ultimative 3D-Erlebnis anpreisen, kann man Vollendung wirklich übel nehmen. Anders als bei Alexandre Ajas spaßigem Piranha-Remake ist die dritte Dimension in dieser Ausgestaltung komplett überflüssig und verzichtbar. Das Gimmick der räumlichen Wahrnehmung beschränkt sich auf einige herumfliegende Körperteile und Blutspritzer, was den Verdacht erhärtet, dass das 3D-Etikett hauptsächlich als Vorwand für höhere Ticketpreise benutzt werden soll. Für die Reihe markiert Vollendung hoffentlich nicht nur deshalb den längst überfälligen Schlusspunkt. Das Spiel ist aus. Endgültig.

Erschienen bei BlairWitch.de.

Miral - Lindenstraßenkino

2010-11-18T14:24:00.002+01:00

F/I/ISR/IND 2010

++

Julian Schnabels neuer Film trägt den Namen einer roten Wüstenblume und erzählt dabei von zwei Frauen, die auf unterschiedlichen Wegen in den alten Konflikt zwischen Israelis und Palästinenser hineingezogen werden. Als Plädoyer für Frieden und Gewaltlosigkeit will das New Yorker Multitalent seine Arbeit verstanden wissen.
In den Hauptrollen agieren u.a. Freida Pinto (Slumdog Millionär) und Hiam Abbas (Die syrische Braut).

Filmkritik:

Der Konflikt zwischen Israelis und Palästinenser scheint ein fortwährender. Bis heute scheiterte jeder Versuch, eine Friedenslösung zu etablieren. Vor der Kulisse dieser traurigen, wenig ermutigenden Realität formuliert Miral gleichwohl eine Geschichte voller Hoffnung oder – wie es Regisseur Julian Schnabel etwas überhöht ausdrückt – einen unmissverständlichen Ruf nach Frieden. Dabei handelt der auf einem Roman der palästinensischen Journalistin Rula Jebreal basierende Film eigentlich von zwei Frauen, deren Wege das Schicksal eines Tages zusammenführte. Eine davon, Miral (Freida Pinto), kommt nach dem tragischen Selbstmord ihrer Mutter in das berühmte Waisenhaus Dar-Al-Tifl in Ostjerusalem. Dort genießt sie anders als viele ihre Altersgenossen eine gute Ausbildung und Erziehung. Geleitet wird die Schule von der resoluten, sich aufopferungsvoll für die Belange der Kinder einsetzenden Hind Husseini (Hiam Abbas). Für sie behalten Menschlichkeit und Gewaltfreiheit auch in Zeiten des Krieges ihre Gültigkeit.

Schnabel beginnt seine Erzählung bei der Gründung des Staates Israel im Jahre 1948. Wir lernen Hind als junge, engagierte Frau und Anwältin für die Rechte ihrer Schützlinge kennen, die sich auch von Autoritäten keinesfalls einschüchtern lässt. Miral ist zunächst ihr Film. Später dann wechselt Schnabel die Perspektive und beleuchtet das Leben von Mirals Eltern (Yasmine Al Masri, Alexander Siddig) und das ihrer Tante (Ruba Blal). Erst in der zweiten Hälfte fällt der Fokus auf die von Slumdog Millionaire-Star Freida Pinto verkörperte Titelfigur. Kurz vor Ausbruch der ersten Intifada lernt Miral ihren Freund Hani (Omar Metwally) kennen, der sie mit radikalen Ideen in Kontakt bringt. So unterstützt er als Mitglied der PLO aktiv den gewaltsamen Kampf der Palästinenser. Miral kann er schließlich zu einer folgenschweren Dummheit überreden.

Angekündigt als Schnabels „bislang persönlichster Film“ trägt Miral erkennbar die Handschrift des New Yorker Multitalents. Wie schon in Schmetterling und Taucherglocke nimmt das Spiel mit Licht, unterschiedlichen Schärfen und Farben weiten Raum ein. Die gewollte Abkehr von einer allzu dokumentarischen Darstellung gleicht Schnabel indes mit wiederkehrenden Archivaufnahmen des Israel-Palästina-Konflikts aus. Der historische Kontext ist von der ersten Einstellung als unüberhörbares Hintergrundrauschen präsent und untrennbar mit Mirals persönlichem Schicksal verwoben. Ihre Beziehung zum PLO-Aktivisten Hani bleibt jedoch in ihrer Darstellung recht oberflächlich, weshalb sich manche von Mirals späteren Entscheidungen nur sehr bedingt nachvollziehen lassen. Ohnehin leidet der Film etwas unter seinem Perspektivwechsel. Verglichen mit der jungen Miral ist deren selbstbewusste Förderin Hind nämlich die weitaus interessantere Figur.

Jebreals teils autobiographischer Roman orientiert sich an wahren Ereignissen und realen Vorbildern. Ihre Sicht ist die der Palästinenser, was sich so auch in Schnabels Film wiederfindet, der all denen gewidmet ist, die noch an ein friedliches Zusammenleben beider Kulturen glauben. Trotz diesem scheinbar salomonischen Bekenntnis bezieht Miral unmissverständlich Stellung. Schnabel, der Sohn jüdischer Eltern, betont die Forderungen und Anliegen der palästinensischen Seite mit Verve und Patina. Inwieweit bei der doch recht einseitigen Schilderung auch eine Rolle spielte, dass der Regisseur und seine Autorin liiert sind, lässt sich nicht genau sagen. Mit der Zuspitzung der dramatischen Umbrüche in Mirals Leben, seinen voran gestellten Erklärungen zur politischen Lage und abschließenden Kommentaren tappt Schnabel letztlich in die Falle eines agitierenden Gutmenschenfilms.

Veröffentlicht unter Programmkino.de.

Einfach zu haben - Gossip Girl

2010-11-13T21:25:00.002+01:00

USA 2010

+++1/2

Vorsicht! Was sich zunächst nach einer gewöhnlichen Highschool-Klamotte anhört, entpuppt sich als schwer unterhaltsame Satire auf religiöse Frömmlerei, Bigotterie und das so menschliche Verlangen nach Klatsch und Tratsch. Hauptdarstellerin Emma Stone steigt nach dieser Rolle zudem endgültig in die A-Liga von Hollywoods Jungstars auf. Zur Kritik auf Koeln.de.

Somehere - Lost in Being Famous

2010-11-10T12:58:00.002+01:00

USA 2010

++1/2

Seit Lost in Translation gilt Sofia Coppola als Meisterin des leisen Gefühls und der Melancholie. Für ihr neues Projekt Somewhere tauscht die Oscar-Preisträgerin die Neonlichter der japanischen Metropole Tokio gegen das luxuriöse Hotel Chateau Marmont am weltberühmten Sunset Boulevard ein. Dort hat sich ein vom Leben gelangweilter Hollywood-Star einquartiert, der vom Besuch seiner 11-jährigen Tochter aus seiner dekadenten Lethargie gerissen wird. Bei den Filmfestspielen von Venedig wurde Coppolas Sinnsuche unlängst mit dem „Goldenen Löwen“ ausgezeichnet.

Filmkritik:

Sofia Coppola scheinen es Hotels als Bühne ihrer Geschichten über Einsamkeit und Entfremdung angetan zu haben. Es sind Orte, an denen sich Menschen meist für nur wenige Tage oder Wochen aufhalten, wo sie ihren stressigen Alltag vergessen oder wo ihr Beruf sie hinführt. Für den gefeierten Hollywood-Superstar Johnny Marco (Stephen Dorff) ist das legendäre Hotel Chateau Marmont am Sunset Boulevard jedoch inzwischen mehr als nur eine Durchgangsstation. Er lebt dort in einer luxuriösen Suite, umgeben von fleißigen, meist unsichtbaren Helfern. Auf den ersten Blick ist es ein sorgenfreies Leben voller Luxus, um das man ihn beneiden möchte.

Da wir uns jedoch in einem Film von Sofia Coppola befinden, hält die schicke Fassade auch in diesem Fall einer näheren Betrachtung nicht stand. Johnny ist vielmehr gefangen in einem monotonen Alltag, aus dem ihm selbst sein teurer Ferrari und flüchtige Bettbekanntschaften nicht ausbrechen lassen. Beides scheint ohnehin mehr Teil des Problems als Teil einer möglichen Lösung. Allein die unregelmäßigen Besuche seiner 11-jährigen Tochter Cleo (Elle Fanning) aus einer gescheiterten Ehe lassen ihn die dekadente Tristesse seines Hotellebens kurzzeitig vergessen. Als Cleos Mutter für unbestimmte Zeit verreisen muss, soll Johnny auf seine Tochter aufpassen. Das erste Mal seit sehr langer Zeit verbringen beide mehr als nur einige Stunden zusammen.

Coppola begleitet Vater und Tochter bei ihrer zaghaften Annäherung, aus der – das ist kein Geheimnis – bei Johnny allmählich ein Bewusstseinswandel erwächst. Wie schon in Lost in Translation kommt es auch in „Somewhere“ zu einer Kollision zweier Leben – weniger aus Zufall denn aus einer simplen Notwendigkeit. Am Ende, wenn sich die Wege der beiden wieder trennen, ist Johnny nicht länger der gelangweilte Hollywoodstar, als den wir ihn noch kennengelernt haben. Diese Form der inneren Läuterung erfuhr bereits Bill Murrays Figur in Coppolas zarter Tokio-Romanze, was sie in ihrer Wiederholung umso vorhersehbarer macht. Ohnehin wirkt der Film bisweilen wie Coppolas eigenes Remake ihres Oscar-Erfolgs. Auch hier bleibt die Kamera zumeist ein Beobachter scheinbar banaler Alltagserlebnisse. Mal wird ein Videospiel gezockt, dann zusammen gefrühstückt oder im Pool herumgealbert. Einen Kontrast bilden lediglich Johnnys Ausflüge in die von Coppola als absurden Zirkus enttarnte Welt des Showgeschäfts.

Es ist zugleich ein Mikrokosmos, den die Tochter von Regie-Legende Francis Ford Coppola aus eigener Anschauung nur zu genau kennt. Zu den komischen Höhepunkten zählt Johnnys Auftritt bei einer komplett sinnfreien Preisverleihung im italienischen Fernsehen. Auch dabei handelt es sich wiederum um die Spiegelung einer Lost in Translation-Episode, was letztlich die Frage aufwirft, inwieweit hier eine Regisseurin lediglich versucht, ihr bewährtes Erfolgsrezept zu kopieren. Für ihren letzten, zumindest formal durchaus experimentellen Geschichts-Popkultur-Mix Marie Antoinette hatte sie viel (unberechtigte) Kritik und Häme einstecken müssen. Ihr Mut, ein filmisches Wagnis einzugehen, wurde nicht belohnt, was die Rückbesinnung auf Altbewährtes erklärt.

Somewhere leidet über Gebühr unter dem Vergleich mit seinem Vorvorgänger, der wie ein unsichtbarer Zwilling stets präsent ist. Das ist bedauerlich, schließlich ist Coppolas neueste Arbeit das Gegenteil eines misslungenen Films. Immer wieder gibt es in den elegant gefilmten Hotelimpressionen Spannendes zu entdecken. Die intimen Szenen zwischen Vater und Tochter gehören dazu und bilden gewissermaßen das Herzstück dieser melancholischen, kleinen Sinnsuche, in der bereits ein Eis ausreicht, um selbiges zum Schmelzen zu bringen.

Für Programmkino.de.

Stichtag - Two and a Half Men

2010-11-07T13:14:00.002+01:00

USA 2010

++1/2

Vom Regisseur der Erfolgskomödie „Hangover“ kommt dieser unterhaltsame Road Trip, bei dem sich Robert Downey jr. und Zach Galifianakis als Schicksalsgemeinschaft nicht nur ein Auto sondern auch manch absurden Moment teilen. Weiter auf Koeln.de.

Buried - Lebend begraben

2010-11-03T12:07:00.002+01:00

USA/ESP/F 2010

+++1/2

Es klingt nach einem Albtraum. Für den Familienvater Paul Conroy (Ryan Reynolds) ist es hingegen mehr als das. Es ist urplötzlich seine Realität. Er wacht auf, gefesselt und geknebelt in einem Holzsarg, lebendig begraben, mehrere Meter unter der Erde. Wer ihm das angetan hat und warum, darüber kann Paul, der als Lastwagenfahrer für eine private Transportfirma im Irak arbeitet, zunächst nur spekulieren. Alles, woran er sich erinnern kann, ist, dass sein Konvoi aus dem Hinterhalt von Aufständischen attackiert wurde. Während die Angreifer die meisten seiner Kollegen erschossen, steckten sie ihn in eine beengte Kiste. Dabei überließen sie ihm ein Feuerzeug, eine Taschenlampe, einen Flachmann und ein Handy.

Damit ist das Szenario des unter anderem in Sundance mit viel Lob überhäuften Extrem-Thrillers des jungen spanischen Regisseurs Rodrigo Cortés dann auch bereits umrissen. Ein Mann, ein Sarg. Viel mehr gibt es hier im Laufe von 90 Minuten nicht zu sehen, schließlich verlässt die Kamera zu keiner Zeit das schätzungsweise 2,5x1 Meter große Gefängnis. Als Zuschauer ist man Paul so nahe wie nur irgendwie möglich. Man sieht die Schweißtropfen auf seiner Stirn und das Pulsieren seiner Halsschlagader. Sogar die Distanz zur Leinwand scheint nach wenigen Minuten nicht länger zu existieren. Kurzum: Der alte Werbeslogan vom „Mittendrin statt nur dabei“ scheint für Buried extra neu erfunden worden zu sein.

Cortés versteht sein in Echtzeit ablaufendes Gefangenen-Drama folglich weniger als Film im klassischen Sinn denn als eine – Zitat – „physische Sinneserfahrung“. Und die ist extremer und kompromissloser als die meisten sogenannten „Schocker“. Das minimalistische Setup mit seiner Konzentration auf einen einzigen Ort verlangte in der filmischen Umsetzung eine besondere Kreativität. Es ging darum, die Enge des Sarges plastisch einzufangen und gleichzeitig den Zuschauer über die gesamte Laufzeit trotz der monotonen Umgebung immer wieder neu zu überraschen und zu fesseln. Der Schlüssel hierzu liegt in keinen noch so ausgefeilten technische Gimmicks, ob man sich von der kleinen, fiesen Geschichte mitreißen lässt oder nicht, darüber entscheidet am Ende vor allem die Überzeugungskraft von Hauptdarsteller Ryan Reynolds.

Der Hollywood-Beau tritt hier als Alleinunterhalter auf. Seinen Job erledigt er dabei mit vollem Körpereinsatz. Die oftmals bis zu sechs Minuten langen Takes forderten vom ihm, immer wieder die Grenzen seiner schauspielerischen Fähigkeiten auszutesten. In Reynolds’ Gesicht spiegeln sich abwechselnd Todesangst, blanke Panik, Verzweiflung, Trauer aber auch Hoffnung und ein unbändiger Lebenswille. Alle Augen sind ständig auf ihn gerichtet und diese Bürde, die manch einen Schauspieler wohl überfordern würde, scheint ihn nur noch weiter anzuspornen. Es ist die mit weitem Abstand reifste Leistung seiner gesamten Karriere.

Die in Raum und Zeit maximal konzentrierte Geschichte verzeiht überdies keine Fehler. Umso beeindruckender ist das, was Buried im Zusammenspiel von Kamera, Licht, Musik und Reynolds’ Schauspielkunst da vor unseren Augen erschafft. Die bedrückende Stimmung, die einen selbst als Nicht-Klaustrophobiker früher oder später packt und die kein Film seit The Descent mehr derart perfekt eingefangen hat, potenziert sich mit jedem Atemzug, den Paul macht. Fast scheint es, als würde auch im Kino die Luft zunehmend dünner. Die Illusion des Eingeschlossenseins wird nur einmal durch einen unnötigen Zoom weg von Paul zerstört. Da sieht es kurzzeitig so aus, als sei sein Gefängnis kein beengter Sarg sondern ein langer Schacht. Es ist der einzige echte Ausrutscher, den sich Cortés leistet. Ansonsten mag man noch über manch naive Dialoggzeilen schmunzeln, wirklich ins Gewicht fallen diese jedoch nicht.

Auch wenn man sich anfangs kaum vorstellen kann, wie es Buried angesichts seiner beschränkten Gegebenheiten gelingen soll, über 90 Minuten zu fesseln, zeigt Cortés selbstbewusstes Psycho-Kammerspiel, dass genau das sehr wohl möglich ist. Gerade in den Augenblicken, in denen die Leinwand komplett schwarz bleibt und wir Paul lediglich laut atmen, fluchen oder weinen hören, erreicht der Film eine beunruhigende Intensität. Buried setzt seine Mittel ungemein sparsam und gerade deshalb so effektiv ein. Vor allem aber schärft er unsere Sinne wie kaum ein anderer Film in letzter Zeit. Da wird bereits ein vibrierendes Handy zu einem echten, adrenalintreibenden Folterwerkzeug.

Für BlairWitch.de.